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2022.11.16
今日唱片
REPRISE 埃里克·克莱普顿-老友/ ERIC CLAPTON-REPTILE 德HDCD首版
https://book.kongfz.com/446413/5399549731/
https://weidian.com/item.html?itemID=5849442644
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曲目：　　
　　01 Reptile
　　02 Got You On My Mind
　　03 Travelin Light
　　04 Believe In Life
　　05 Come Back Baby
　　06 Broken Down
　　07 Find Myself
　　08 I Aint Gonna Stand For It
　　09 I Want A Little Girl
　　10 Second Nature
　　11 Dont Let Me Be Lonely Tonight
　　12 Modern Girl
　　13 Superman Inside
　　14 Son&Sylvia
在西洋摇滚乐坛素有“吉他之神”美称的艾瑞克.克莱普顿虽然很轻易地让人联想到他拥有出神入化的吉他弹奏技巧，但相信广大的乐迷也都同意，他的作品之所以能受到高度的评价与推崇，实与蕴藏在歌曲之中真挚丰富的情感有相当程度的关连。　　
　　这张2001年最新专辑《Reptile》，在精神上延续了Tears In Heaven那种与至亲天人永隔的悲痛与思念（对他人生有重大影响的舅舅于专辑录制中途病逝），音乐内容上则尝试在蓝调的创作基础上，延展出更多样的音乐体裁，完整地带领乐迷经历一场兼具喜怒哀乐的音乐旅程。　　
　　极富冲击力，如风如雨、如泣如诉。一经推出，首周便空降美国专辑榜Top5，欧洲榜亚军。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.17
今日唱片
经典名演 LONDON 瓦格纳名演集/克纳佩兹布什/ Wagenr 日版大伦敦三洋版
https://book.kongfz.com/446413/5402817350/
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理查德·瓦格纳（Richard Wagner，1813年5月22日—1883年2月13日），出生于德国莱比锡，是浪漫主义时期德国作曲家、指挥家。
1833年，正式开启音乐家生涯，于同年创作了歌剧《仙女》。1843年，《漂泊的荷兰人》在德累斯顿歌剧院首演，瓦格纳的名声亦由此确立。1845年，《汤豪瑟》在德累斯顿宫廷剧院首演。1849年，瓦格纳开始了长达十余年的流亡生涯。1850年，弗朗茨·李斯特在魏玛指挥首演了《罗恩格林》。1864年，路德维希二世因欣赏瓦格纳的才华，决定为其偿还债务，瓦格纳的命运也由此发生转折。1865年，《特里斯坦与伊索尔德》在慕尼黑宫廷剧院首演。1868年，《纽伦堡的名歌手》在慕尼黑首演，该剧确立了瓦格纳在德国音乐中的主导地位。1874年，《尼伯龙根的指环》四联剧长达26年的创作历程划上了句号。1876年，《尼伯龙根的指环》在汉斯·里希特的执棒下在拜罗伊特首演，引起欧洲文化界的轰动。1882年，《帕西法尔》在第三届拜罗伊特音乐节上进行了首演。1883年2月13日，因心脏病发作，在威尼斯逝世  。
理查德·瓦格纳是欧洲浪漫主义音乐达到高潮和衰落时期的具有代表性的作曲家，也是继贝多芬、韦伯以后，德国歌剧舞台上的重要人物。此外，他还是剧作家、哲学家、评论家和社会活动家。所以，瓦格纳不仅在欧洲音乐史上占据重要的地位，而且在欧洲文学史和哲学史上也具有一定的影响  。

汉斯·克纳佩兹布什（Hans Knappertsbusch，1888-1965）生于德国的艾尔伯非尔德，中学期间便指挥学校管弦乐团，至波恩大学後学习哲学，後转科隆音乐学院，师从史坦巴哈及洛舍（1909-12）。1911年于曼海姆首次上台指挥，翌年参加荷兰瓦格纳音乐节指挥演出。他先在博赫姆市正式担任指挥，然后即调任故乡艾尔伯非尔德（1913-18）、莱比锡（1918）、德骚（1919-22）等地。1922年他接替瓦尔特擢升为慕尼黑巴伐利亚国家歌剧院终身指挥，在这里他开始以指挥瓦格纳、斯特劳斯和莫札特而崭露才华。他对纳粹恨之入骨，坚决不加入纳粹党，导致他因希特勒的口授旨意而告退休。侨居维也纳後，他常在维也纳国家歌剧院及维也纳爱乐的音乐会上指挥。但是纳粹吞并奥地利後，他再次被迫放弃演出，在欧洲的几个非法西斯国家作客席指挥。此前於1936年比彻姆曾邀请他赴高文花园指挥。德国当局迟迟不给他出国护照，後来他终於到了伦敦并指挥演出了《莎乐美》。战後他重返德国，不久便建立了自己在贝多芬、布拉姆斯、瓦格纳、布鲁克纳和斯特劳斯作品表现上的稳固地位。1951年他於拜鲁依特演出的《帕西法尔》有口皆碑，成为传奇轶闻。虽然他对战後的许多演出很不满意，但仍继续在拜鲁依特指挥。1954年他重新被任命为慕尼黑歌剧院指挥，但是整整一年他都缺席以抗议市政当局拖延重修国家剧院。米兰及巴黎上演瓦格纳时，都曾请他客席指挥。

克纳佩兹布什是一名指挥大师，其真正才华在歌剧院上能充分发挥。只要他在乐池里一出现，剧院的气氛马上象触了电一般激动起来。梅塔在维也纳求学时也曾多次欣赏他的指挥，一次评论到这位大师的音乐张力时，他说，“就算他以原来速度的一半来指挥布拉姆斯第三号交响曲，听点也不厌倦乏味，因为充满音乐感。他是位巨匠，也是位瓦格纳歌剧不可多得的指挥。”克纳佩兹布什不喜欢排练，也水远不会因录音而特别讲求准确性。Decca公司的录音师库尔绍在《铃声回响》一书中讲了个故事 ，说克纳佩兹布许有次正在录制斯特劳斯的一首圆舞曲时，跟平常一样没经过排练。一个乐句多次反复之后，有一半人照谱子继续接了下去，另外一半人居然忘了谱子继续反复，结果有四个小节乱了。录好后，他大声问库尔绍：“这个带子行了吧？我们不必重来一遍了，是不是？”库尔绍告诉他实况，他说：“嘘…，小声点！你以为别人知道？”。说来也怪，他在录音室里做的唱片几乎都是成功之作，但最佳唱片还是1951年在拜鲁依特演出的《帕西法尔》，由Decca录音师录下排练及现场演出实况。按罗森塔尔的权威说法，大众普遍认为这次演出是本世纪最优美的，唱片就是最有力的证明。它捕捉住这次饱富魔力的演出，且一直成为瓦格纳歌剧的最佳唱片之一。克纳佩兹布什于1962年和1963年仍在拜鲁依特演出《帕西法尔》，由Philips分别录制。虽然音效较佳，但仍无法与第一张媲美。他因为不能适应录音环境，终於被索尔提1961年为Decca录制的《特里斯坦与伊索尔德》所超越。二次世界大战前，他曾指挥柏林爱乐为Polydor、HMV和其他公司录制过许多七十八转唱片，包括贝多芬第三、七号交响曲。战后他大多为Decca录制，第一批天皇巨作为全本《名歌手》（维也纳爱乐等），早先是分幕灌录发行，第二幕是Decca发行的第一批LP唱片。其他LP唱片还有布鲁克纳第三、四、五及七号交响曲（维也纳爱乐，Decca）以及八号（慕尼黑爱乐， Westminster）。但是这些唱片仍然无法再现他在录音室里的那种魔力。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.18
今日唱片
PHILIPS 维瓦尔第-12首协奏曲[和谐的灵感]Op.3 Vivaldi /I Musici 音乐家合奏团 2CD 三洋首版
https://book.kongfz.com/446413/5405957380/
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在音乐史上，可能没有任何一次“考古”发现可以与1926年数百部维瓦尔第的手稿重见天日更令人激动的了，它犹如音乐考古史上的兵马俑出土，维瓦尔第顷刻之间由最多与科莱里不相上下的地位一跃而成为完全可以与巴赫并驾齐驱的人物，人们不再羞羞答答遮遮掩掩地谈论维瓦尔第对于巴赫的重大而深远的影响，而是津津乐道起巴赫改编维瓦尔第的优劣得失来。而维瓦尔第的Op3 L'estro Armonico（和谐的灵感）无疑是最引人注目的作品，因为它的12首协奏曲中有6首被巴赫相中改编过。其实就算巴赫从来没有对和谐的灵感心仪过，它依然是一部划时代的杰作，因为它乃是现代协奏曲的基石，在1711那样的年代可以算是一部从未有过的充满了创新的发聋振聩之作。

和谐的灵感由12首协奏曲构成，为1把、2把、4把小提琴而写的协奏曲各4首：

1把：No.3，No.6，No.9，No.12

2把：No.2，No.5，No.8，No.11

4把：No.1，No.4，No.7，No.10

挺有规律的排列吧？看上去就有数学上的美感，更别说听了。

尽管No.2，No.4和No.7有四个乐章，但它们的首乐章只是一个慢的引子，所以总体来说可以认为所有12首都是快慢快的三乐章结构。我们这里顺带总结一下巴赫所改编的6首：首先是No.10，它被改编成巴赫的BWV1065---一首4架大键琴协奏曲；其次是No.8和No.11，它们成为BWV593和BWV596---两首管风琴协奏曲；最后是No.3、No.9和No.12，它们分别改编成BWV978、BWV972和BWV976，都是大键琴作品。

和谐的灵感到底好在哪里？首先是曲式上：维瓦尔第使用了一种创新的曲式：Ritornello，意为“反复曲”，简单而言就是乐队与独奏乐器交替地轮换、反复，最后使乐章终止在开头素材的乐句上，且调性相同，即让乐章成为自封闭的、而不是如过去一样是开放的。这样的曲式加上二段式结构构成了三乐章协奏曲的主要乐章形式，为以后的奏鸣曲式和回旋曲式成为协奏曲主要乐章形式打下了良好基础。第二，Op3解放了独奏乐器，使之拥有了光彩照人的发展空间。当然，与巴赫相比，维瓦尔第常被人诟病为单旋律音乐，没有高超的复调技巧。而Op3里有一首NO.11，其首乐章别具一格的漂亮赋格是维瓦尔第迷们反驳这种论点的强有力武器。客观地说，维瓦尔第使用赋格远不是人们指责的那样少，他同样是复调音乐的高手，只是没有巴赫那样使用频繁罢了。更为准确的说法是，巴赫的改编曲丰富了音乐的和声织体，形式上更厚实，但不如维瓦尔第的原创那样“锋利”，那样明艳，那样具有不可抵挡的令人一见钟情的“外表美”。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.19
今日唱片
世界首批CD EPIC Julio Iglesias- DE NINA A MUJER/胡里奥·依格莱西亚斯 日3500元首版
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本唱片为索尼CBS发行的世界首批唱片50之一。
Julio Igesias（胡里奥·伊格莱西亚斯）是一位中国听众十分熟悉的歌手。他曾经两度在中国举行过演唱会。这位出生于西班牙浪漫城市马德里的情歌圣手早已建立了一个跨越语言，范围广阔的音乐国度。至今为止，他已发表了七十余张西班牙语、英语、法语、意大利语和葡萄牙语等用各种不同语言演唱的专辑，显示出了他对各种语言及文化的高度包容力与掌握力。他的歌曲既有着浓郁的拉丁热带风情，又有浓郁的美国乡村歌曲的味道，还兼有着加勒比海舞曲的风格。胡里奥·伊格莱西亚斯早已经是一位拥有无数歌迷的世界级超级巨星。

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2022.11.20
今日唱片
PHILIPS 普罗科菲耶夫-彼得与狼/约翰威廉姆斯&达德利·摩尔 西德无字银圈首版
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交响童话《彼得与狼》是俄罗斯著名作曲家，钢琴家和指挥家普罗科菲耶夫应莫斯科中央儿童剧场之邀，于1936年3月而作，1936年5月在莫斯科由爱乐交响乐团举办的儿童音乐会上首演。这部作品有七个主要主题：一、长笛奏出小鸟主题，二、双簧管在中音区奏出鸭子主题，三、单簧管在低音区呈示小猫主题，四、音色浑厚的大管呈示老爷爷主题，五、3支圆号表达大灰狼主题，七、最后以弦乐合奏出现彼得的主题，这张唱片，由作者本人所构思的情节的撰写的朗诵词，具有生动活泼而又深刻的教育意义。奥斯卡奖著名演员达德利·摩尔的旁白非常自然，感情也极其丰富，像是正坐在床边给孩子讲故事一般，约翰威廉姆斯率领的波士顿乐团，非常活泼，生动，录音也非常优秀。
这张专辑中还收录了柴可夫斯基的《胡桃夹子》。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.21
今日唱片
RSO Layla And Other Assorted Love Songs/ Derek & the Dominos 2CD 日5800元JVC长城标首版
https://book.kongfz.com/446413/5413764285/
https://weidian.com/item.html?itemID=5873531887
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曲目:
1. I Looked Away
2. Bell Bottom Blues
3. Keep On Growing
4. Nobody Knows You When You're Down And Out
5. I Am Yours
6. Anyday
7. Key To The Highway
8. Tell The Truth
9. Why Does Love Got To Be So Sad
10. Have You Ever Loved A Woman
11. Little Wing
12. It's Too Late
13. Layla
14. Thorn Tree In The Garden

这张专辑被认为是Eric Clapton一生中最强的专辑之一，而且也被认为是布鲁斯摇滚的巅峰之作。是Eric在解散了Cream之后，和键盘手obby Whitlock，贝司手Carl Radle，鼓手Jim Gordon，以及吉他手Duane Allman组成的Derek and the Dominos推出的。关于Clapton解散Cream的原因，据说是由于他听了The Band的作品，觉得布鲁斯才是自己的方向。　　
　　这张专辑在1970年推出的时候，市场并不十分看好（Billboard第16，在英国甚至没有上榜），但经过岁月的沉淀之后，这张专辑的价值越来越得到人们的肯定。　　
　　本专辑在滚石杂志评出的500张历代最强专辑中排名第115位。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.22
今日唱片
极品JAZZ SAX天王-桑尼罗林斯/SONNY ROLLINS-Saxophone Colossus 日3200元JVC刻字首版
https://book.kongfz.com/446413/5417497513/
https://weidian.com/item.html?itemID=5878428229
https://www.997788.com/pr/detail.php?d=607&id=90688221
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在超过四十年的音乐生涯中，Sonny Rollins（索尼·罗林斯）可以说是一位真正的爵士巨人。他最先演奏的是钢琴，转而演奏中音萨克斯管，最后从1946年起永远演奏次中音萨克斯管。在1949年同巴斯·贡萨雷斯合作录制了他首张唱片之后，在当年的同J.J.约翰逊和巴德·鲍威尔的音乐家聚会给爵士乐坛产生了巨大的冲击。同后者的合作使得人们把他和著名的演奏家范茨·纳瓦罗相比较。从一开始，Sonny Rollins的才华就受到了爵士乐坛的注意。在1951年他开始同大师Miles Davis合作，后来还和著名的钢琴家待洛伊斯·荣克合作。在一段时间暂时告别爵士乐之后，1955年下半年，Sonny Rollins加入了Max Roach和克林福德·布朗共同领导的五重奏组，并且一直工作到1957年为止，也就是从那时起，他开始经常性地做为指挥参加演出。 在五十年代，Sonny Rollins更为显赫，blue note、当代以及河岸等家唱片公司录制了系列精彩的录音，这建立了他在爵士乐界的顶峰的形式。
从那时候起，他被一致公认为是顶尖的次中音萨克斯演奏家至少在著名的John Coltrane掘起成为最知名的演奏家前，他是最出色的。因而在1959年到1961年他宣布暂时退出乐坛整个爵士乐界都感到了震惊，人们一致认为乐坛失去了最出色的次中音。当他在1961年重新返回乐坛时，他成为了一支四重乐队的成员，这支乐队的特色乐手是吉米·霍尔。他的风格在复出之后并未有什么大的变化。他的演奏更为自由，同时他开始意识到奥内特·科尔曼的革新对于萨克斯这种乐器演奏的影响。他甚至在乐队中使用了奥内特的短号手唐·切瑞一段时间。尽管在复出之后，他的演奏较之从前显得有点古怪，Sonny Rollins在1968年决定退休之前一直是爵士乐坛的一支主要力量。

　　到1971年他再次复出，Sonny Rollins的音乐显然更为开放，他受到了节奏和布鲁斯的节奏以及流行乐的影响，他的录音从此之后也发生了变化，但由于他的伴奏者水平往往达不到他的水准，于是他的作品水平往往难随人愿。然面作为独奏者，Sonny Rollins仍是一位活跃的人物，他的才能是公认的，他将一些看似不适合爵士乐风格演奏的作品改编过来的才能无人能及。他的无伴奏的演奏以及自由的节奏，还有他变幻的音色都使得他直到九十年代仍然是值得称道的爵士乐大师。从一定意义上说，他的几十张超级的爵士乐作品本身就是值得骄傲的财富。

　　桑尼·罗林斯曾先后3次退隐乐坛，而每一次归来时都会以全新的面貌出现。他是爵士界最爱“自省”且多产的乐手之一，“主题式即兴演奏”更让他独步古今。

　　罗林斯最初学的是钢琴，16岁时改吹萨克斯。1949年，他与巴德·鲍威尔、J。J。约翰迅的合作给人们留下了深刻的印象。罗林斯大量吸收查理·帕克、桑尼·史蒂特等萨克斯名手的演奏技巧和即兴风格，到20世纪50年代初期与迈尔斯·戴维斯、瑟隆尼斯·孟克合作时，他的地位已经不容小。罗林斯不久即离开乐坛，1954年再度回来时展现了更为惊人的创作力。

　　50年代末，罗林斯感受到约翰·科特恩的压力，再次宣布退隐。1961年他与吉姆·霍尔一起组建了一只四重奏乐队，这时他也接受欧涅·寇曼的革新思想，演奏风格变得愈加愈烈和随意。1968年，罗林斯第三次离开爵士乐坛，人们已经对他的不断退出、沉思、复出的风格见怪不惊了。当他1971年挟着带有R&B及流行元素的新的乐风又一次出现时，人们已经为他在艺术上的执著所折服，他这种不断试图建立新秩序、开拓新天地而寻求好音乐的精神更为后来的爵士乐手们争相模仿。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.23
今日唱片
稀绝珍藏 贝多芬-交响曲全集 /克利普斯 6CD 西德 P+O首版
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约瑟夫·克里普斯1902年出生于奥地利，是上世纪50年代伦敦交响乐团的首席指挥，以诠释德、奥作品最受好评。克利普斯在维也纳音乐院师从老一辈著名指挥魏恩加特纳，后来成为复兴维也纳乐界最重要的人物之一。在其一生中，曾与维也纳爱乐乐团、旧金山交响乐团、伦敦交响乐团、纽约大都会歌剧院、维也纳交响乐团等保持重要的合作关系。

他麾下的德奥作品更显原汁原味。而他的指挥风格相对保守而典雅，总能保持着富有歌唱性的线条和圆润的音色，使作品呈现出一种希腊雕塑般的匀称结构比例。而且他一直也强调乐团奏出的音乐要轻松、要自然，要让作品拥有自如的呼吸，因此在听他的录音时，我们总能感觉到指挥与乐团正处于一种高度自然的状态，音乐自然流淌，洋溢着热情的生命力。

约瑟夫·克里普斯《贝多芬交响曲全集》的出现，无疑就是再次打开了乐迷们的世界，现在听来依旧动听如初，除原版外，这份录音也曾数次在多家唱片公司复刻发行，同样备受关注，价值极高！

克里普斯对于贝多芬交响曲的诠释有着其个人独特并且充满动感的风格，他总是说：“告诉他们，我们不是在演奏贝多芬。我们只是被授予演奏贝多芬的特权，让我们祈祷上帝保佑我们能行使好这项特权”。

与其灌录这套《贝多芬交响曲全集》的伦敦交响乐团与克里普斯有着非常密切的关系，1950年到1954年，约瑟夫·克里普斯担任伦敦交响乐团的首席指挥，对乐团战后的重建和恢复起了巨大作用，更为乐团之后的突飞猛进打下坚实基地。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.24
今日唱片
LONDON 斯特拉文斯基 -火鸟/多拉蒂 Stravinsky - The Firebird / Dorati 西德无字银圈01首版
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尽管斯特拉文斯基是新古典主义的代表人物，但他在不同时期也采用其他风格和手法进行创作，体现了20世纪上半叶各个主要流派的特征，成为20世纪最有影响的作曲家之一。

伊戈尔•菲奥多罗维奇•斯特拉文斯基(Igor FeodorovichStravinsky，1882-1971)生于俄国彼得堡附近的奥拉宁鲍姆，其父为彼得堡皇家歌剧院著名男低音歌手，从小在音乐 环境中长大。9岁开始学习钢琴。中学毕业后按其父母意愿，人彼得堡大学攻读法律，1905年毕业。1903-1906年从里姆斯基—科萨科夫私人学习，决 心献身音乐，走上了专业作曲的道路。早期作品《焰火》(1908)原是给他老师女儿的结婚礼物，带有印象主义色彩，1909年在彼得堡上演，引起了俄罗斯 舞蹈团主持人佳吉列夫(Sergey Diaghilev)的注意。佳吉列夫委托斯特拉文斯基为他的舞蹈团在巴黎演出创作舞剧音乐，从《火鸟》开始，接着《彼得鲁什卡》，一直到《春之祭》，这 三部舞剧的成功演出，奠定了斯特拉文斯基在西方的巨大声誉。
他一生的创作可大致分为三个时期。

第一个时期：民族主义时期，或称俄罗斯风格时期。

以三部舞剧《火鸟》、《彼得鲁什卡》和《春之祭》为代表。佳吉列夫的俄罗斯舞蹈团从1909年起在巴黎举行音乐节，历时20年，影响很大，吸引了很多 现代艺术家与它合作。斯特拉文斯基的《火鸟》取材于俄罗斯民间神话：王子伊凡依靠神奇的火鸟的协助，击败魔王，救出公主并与她结成伴侣。音乐具有东方色 彩，配器丰富，显示了他的作曲老师里姆斯基—科萨科夫的影响。其后上演的《彼得鲁什卡》(1911)同样具有俄罗斯风格，并表现出了更多的斯特拉文斯基的 个性：简洁的旋律、富有弹性的节奏和独特的管弦乐色彩。彼得鲁什卡是俄国古代街头集市中魔术师的一个木偶，他具有善良的人性，却受人凌辱，最后被害。 1913年演出的《春之祭》则是20世纪影响最大的重要作品之一。它描写俄国古代未开化民族在春天祭献大地的仪式。首演的当晚，听众对他们从未听到过的、 如此粗野和凶猛的音乐大为震惊，也为披着粗麻袋的演员们的缺乏传统美感的舞蹈感到意外，以致剧场里发生了音乐史上少见的骚乱，斯特拉文斯基在这首作品里， 为听众打开了一个新的音响世界，特别是在节奏上，有很多创新，突破了强弱规则交替的限制，如重音移位、附加音值、复节奏等，使节奏变得多样化、复杂化。一 年后，当《春之祭》以音乐会形式公演时受到了欢迎。今天，它作为原始主义的代表作，已列为音乐会保留曲目之一。

1914年，第一次世界大战爆发。为适应战时的演出条件，斯特拉文斯基创作了乐队编制不大、音乐风格较轻巧的作品。如表现俄国农民风俗的舞蹈大合唱《婚 礼》(1917)、根据俄国民间故事而写的《士兵的故事》(1918)等。这个时期，对爵士乐的兴趣，使他成为最早采用爵士语言进行创作的作曲家之一。

第二个时期：新古典主义时期。

1920年，当斯特拉文斯基迂回法国时，已被观众视为先锋派代表的他，却退回到古典主义，从那里寻找素材，进行创作。从《浦契涅拉》开始，直到1951年 的歌剧《浪子生涯》，新古典主义创作持续30年之久。作曲家说：“《浦契涅拉》是我对过去的发现，就像神的显现一样。通过它，使我后来的全部创作成为可 能。”斯特拉文斯基认为：“音乐，就其本质而言，是不能够‘表现’任何一点东西的，不管这是一种感情、一种态度、一种心理状态、一种自然现象或者其他什 么。”他在这个时期的创作中追求“无感情性”，强调在“纯音响体系中建立秩序和规则”，就必然使他的新古典主义作品缺乏与生活的联系，缺乏感人的力量。他 所谓的“回到巴赫”主要是指巴赫音乐的结构因素，而不是巴赫作品中富有表现力的感情内容。尽管他有一半以上的作品属于新古典主义，但其中不是没有变化： (1)模仿或暗示过去作曲家的音乐素材，既有浪漫主义以前的，也有浪漫主义或浪漫主义以后的。如《C大调交响曲》(1940)受海顿、莫扎特音乐影响； 《阿波罗》(1928)引用了吕利等人的旋律；《魔女之吻》(1928)根据柴科夫斯基的音乐；《管乐交响曲》是纪念德彪西的。尽管如此，它们并不具有浪 漫主义或印象主义气质，原曲的涵义往往被抽走，只剩下旋律运动表面的抑扬顿挫。(2)虽然有的作品比较客观、冷漠、理智，更典型地体现了新古典主义的要 求，但有的作品仍有一定的感情因素，保留了哪怕不多的浪漫主义成分，如《小提琴协奏曲》(1931)、《诗篇交响曲》(1930)，以及作于大战期间的 《三个乐章的交响曲》(1942-1945)等。(3)很多作品是纯音乐的，也有的作品借助于其他艺术手段，共同表现新古典主义的艺术特征。如歌剧—清唱 剧《俄狄浦斯王》(1927)，根据希腊作家索福克勒斯(Sophocles)的悲剧写成，使用拉丁语，庄重、严谨的韵律，雕像般的戏剧动作，从头到尾只 是冷静的陈述，像是一幅幅客观的音乐图解。歌剧《浪子生涯》，脚本根据18世纪英国画家贺加斯(WiUiamHogarth)的同名版画改编而成，不是纯 音乐，却很接近纯音乐。

第三个时期：十二音音乐时期。

从1952年起，斯特拉文斯基转向十二音音乐，1956年，开始创作整体序列作品。他接受了勋伯格体系，特别是对韦伯恩的作品表示出浓厚兴趣，再次使人感 到意外。但是，他把十二音融化成自己的语言，仍然保持了自己的独特个性，如舞剧《阿贡》(1957)，合唱《哀歌》(1958)、《安魂赞美诗》 (1966)等。不过，总的说，这些作品缺少新意，它们的影响无法与他前两个时期、特别是第一个时期的作品相比。

多拉蒂是一位艺术造诣深厚的指挥大师，这一点是人们都已公认的事实。在指挥风格上，他是一位富有激情的指挥家，而且有着极为突出的行情性，很多评论家都认为他的指挥带有着十分旺盛的精力和强烈的动力感。由于他很擅长指挥歌剧和芭蕾舞音乐，因此他的指挥在音乐的色彩感和歌唱性，以及对音乐戏剧性的揭示上都非常的富有特色。传说他对音乐色彩的听觉能力极其敏锐和准确，而且在对乐曲节奏等方面的控制上也非常的精致和生动，这一切，都是他在指挥乐曲时所表现出的最为突出的特色。
多拉蒂在艺术上的另外一大特点就是体现在对匈牙利风格音乐作品的出色演释上，多拉蒂早年在布达佩斯音乐学院学习期间曾深深地受教于巴托克和柯达伊，这两位大师对多拉蒂身上的鲜明的民族风格的形成起到过极为关键的作用，成名之后的多拉蒂，更是将这种难得的风格始终保持在自己的身上，在他的指挥曲目中，匈牙利作曲家的作品是其最为拿手的，尤其是对于巴托克来说，其意义就更加重大了，现如今他已被人们誉为世界上最具权威性的已托克作品指挥专家了，除此之外，他对于李斯特和柯达伊等人的作品，都是具有世界领先水平的演释能力的。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.25
今日唱片
DG 莫扎特-小提琴奏鸣曲KV 301・304・378・379/杜梅&皮雷斯 德版
https://book.kongfz.com/446413/2280314353/
https://weidian.com/item.html?itemID=5893971577
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在古典钢琴乐界，皮蕾斯或许是当今唯一能与女王阿格里奇齐名的女性钢琴大师，她与阿格里奇，恰似音乐的两端，一位火热奔放、充满激情，一位则优雅婉约、独具诗意。
在皮蕾斯的几十年的演奏生涯中，她的莫扎特音乐是人们一定要听的演绎之一，在乐坛一开始就是凭着她音色优美、乐思纯净无瑕的莫扎特演奏受到瞩目。
皮蕾 斯与他的长期合作伙伴法国小提琴奥古斯汀·杜梅在DG旗下录制有贝多芬、勃拉姆斯、莫扎特、法朗克、德彪西等重要小提琴奏鸣曲，杜梅与皮蕾斯合作录制的唱片相当为世人所称道，而他们二人与华人大提琴家王健组成的“室内乐三重奏”组合更是深受世界乐迷的喜爱。
杜梅的演奏既有法国风格的细腻、浪漫与高雅，又有一种豪放的力量，纯净典雅的音色中闪烁着深厚的古典技巧，将音符幻化为倾泻而出的魔力。而他也录有大量的唱片，其中许多唱片都获得过大奖，包括 “格兰披士大奖”、“留声机奖”和“格莱美奖”，是古典乐迷与发烧友都相当爱戴的一位重量级人物。杜梅曾被誉为是“比利时殿堂小提琴家易沙意（Ysaye）、杜穆瓦（Dumois）和古美奥（Grumiaux）真正继承人”，以集三位小提琴宗师技巧于一身而在国际乐坛享负盛名。他的演奏除了获得世界各国乐评高度表扬外，各地乐迷亦恳切期待他的演出，感受他无可比拟的魔力。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.26
今日唱片
绝品珍藏 CBS 莫扎特-6首海顿弦乐四重奏/茱莉亚弦乐四重奏团 3CD 日7800元首版
https://book.kongfz.com/446413/5429472213/
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当时莫扎特再也无法忍受大主教的凌辱，毅然向大主教提出了辞职，到维也纳谋生。在维也纳莫扎特结识了海顿，并拜海顿为师。亲切和蔼的“海顿老爹”并不因为莫扎特年轻而否认莫扎特在音乐上的无限才华。“海顿老爹”与莫扎特虽相差24岁，但亦师亦友，莫扎特说：“这是我对您的报答，正是您给我揭示了四重奏乐曲的艺术。”
莫扎特：G大调第14号弦乐四重奏《春天》 K.387
这首《第十四号弦乐四重奏》，即《海顿四重奏》的第一首，作于1782年12月21日。第十四号至第十九号的6首弦乐四重奏，系莫扎特以海顿的创作成果为出发点，作成之后请海顿到家中欣赏，又题献给他的。这套四重奏在主题的逻辑展开上体现了出类拔萃的技巧，形成了古典乐派在室内乐表现中的颠峰。这首四重奏共分4个乐章。
莫扎特：d小调第15号弦乐四重奏 K.421
这首《第十五号弦乐四重奏》作于1783年，即《海顿四重奏》的第二首。这首四重奏共分4个乐章。
莫扎特：降E大调第16号弦乐四重奏 K.428
这首《第十六号弦乐四重奏》作于1783年6月或7月，即《海顿四重奏》的第三首。这首四重奏共分4个乐章。
莫扎特：降B大调第17号弦乐四重奏《狩猎》K.458
这首《第十七号弦乐四重奏》即《海顿四重奏》的第四首，作于1784年9月9日。这首四重奏因一开始就使用狩猎的号角而称为《狩猎四重奏》，是6首《海顿四重奏》中最有海顿味道的一首，这首四重奏共分4个乐章。
莫扎特：A大调第18号弦乐四重奏 K.464
这首《第十八号弦乐四重奏》即《海顿四重奏》的第五首，作于1785年1月10日，这首四重奏共分4个乐章。
莫扎特：G大调第19号弦乐四重奏《不协和音》 K.465
这首《第十九号弦乐四重奏》，作于 1785年1月14日，即《海顿四重奏》的第六首。此曲因序奏一开始就出现不协和音而标题为《不协和音》（Dissonani），这首四重奏共分4个乐章。

从1946年创立至今，美国茱莉亚弦乐四重奏乐团已有76年的历史，虽然乐团成员经历多次的更新换代，但唯一不变的就是他们始终恪守着第一代成员遗留下来的理念：“要把新作品当作经典名曲来演奏，要把经典名曲当成新作品来演奏”。
该团当时由茱莉亚音乐院院长、美国作曲家William Schuman创立，最开始的成员包括第一小提琴乐手罗伯特·曼恩（Robert Mann）和第二小提琴乐手罗伯特·考夫（Robert Koff）、中提琴乐手拉斐尔·希耶尔（Raphael Hillyer）和大提琴乐手阿瑟·温诺格拉德（Arthur Winograd）。其中成员均为美国茱莉亚音乐学院教授，该传统多年未曾改变。
自1962年取代布达佩斯弦乐四重奏组成为美国华盛顿国会图书馆的“当家”四重奏组以来，茱莉亚弦乐四重奏组一直在世界上一直有着崇高的声誉。被《波士顿环球报》誉为“历史上最重要的美国四重奏”，享有“美国第一大室内乐团”之美名！
据悉，茱莉亚弦乐四重奏的音乐家曾经使用的乐器是四把斯特拉底瓦里名琴，1936年由维塔尔夫人（Mrs．Gertrude Clarke Wittal）赠给华盛顿国会图书馆，成为图书馆最珍贵的馆藏之一。茱莉亚四重奏是布达佩斯四重奏之后唯一有权使用它们的音乐家。
茱莉亚弦乐四重奏组善于演绎莫扎特、贝多芬、舒伯特、巴托克、门德尔松等作曲家的作品，同时也与现代音乐家如埃略特·卡特、米尔顿·巴比特等人合作无间，其实无论是哪个时代与风格的作品，茱莉亚弦乐四重奏组都能为乐曲注入招牌的音乐特色——清晰的结构、美声、纯净线条，以及共同的目标态度。
茱莉亚弦乐四重奏乐队于1949年开始和索尼古典唱片公司（原哥伦比亚唱片公司和哥伦比亚广播公司）共同录制知名的和鲜为人知的曲目，至今乐团已经演出超过500首作品，其中包含60余首美国作曲家作品首演，灌录超过百张唱片，是当代录音作品最多的弦乐四重奏组之一。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.27
今日唱片
绝品珍藏 RCA 猫王-最爱精选/LVIS PRESLEY - BY REQUEST/日3200元JVC首版
https://book.kongfz.com/446413/5431698394/
https://weidian.com/item.html?itemID=5904277578
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埃尔维斯·普雷斯利（Elvis Presley，1935年1月8日-1977年8月16日），出生于美国密西西比州图珀洛，美国摇滚歌手、演员，毕业于L.C.休姆斯高中。
1954年，录制歌曲《That’s All Right》而出道 。1955年，签约美国广播唱片公司子公司胜利唱片 。1956年，个人首部电影《温柔地爱我》上映 ，同年发行个人首张录音室专辑《Elvis Presley》 。1958年，加入美国陆军，入伍两年 。1960年，留名好莱坞星光大道 。1961年，主演喜剧电影《蓝色夏威夷》，其原声带在美国专辑榜蝉联20周冠军 。1968年，凭借专辑《How Great Thou Art》第10届格莱美奖最佳神圣表现奖。1971年，获得格莱美终身成就奖。1973年，他在夏威夷的演出直播获得了1亿的观看量 。1977年8月16日，因心脏病突发去世，享年42岁 。
1986年，入驻第一届美国摇滚名人堂  。1987年，第14届全美音乐奖为其颁发了终生成就奖 。1998年，RCA唱片为其颁发“世纪艺人”特别纪念奖。2002年，其美国冠军单曲合辑《ELV1S： 30 #1 Hits》发行 。2004年，在《滚石》评选出的“史上最伟大的50位流行音乐家”中排名第三 ，同年其主演的电影《脂粉猫王》入选美国国家电影目录 。2008年，在《公告牌》评选的“在Hot 100单曲榜中上榜曲目最多的艺人”中名列第一。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.28
今日唱片
发烧二胡天碟 東芝EMI 陈敏--我願/二泉映月/日首版
https://book.kongfz.com/446413/5433498432/
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曲目：
1. 燕になりたい(我願做一只小燕)
2. 絆(心之縁)
3. ニ泉映月
4. 江南の風(行街/中国民謡)
5. 波の彼方に(流波曲)
6. THE ETERNAL VOW(永恒的誓言)
7. Asian Waltz(東方圓舞曲)
8. 果てない想い(無垠的情感)
9. 燕になりたい(ニュー・ヴァージョン/新・我願做一只小燕)  

陈敏，1968年12月13日出生于苏州，二胡演奏家，小便受父亲的影响而学习二胡演奏，后进入中国上海戏剧音乐学校主攻二胡演奏；1991年赴日本语言学校学习日语；1997年毕业，开始在日本展开相关演出活动；1998年6月24日由日本皇冠株式会社发行专辑《鸟之歌》。2001年与东芝EMI签约推出专辑《我愿》；2003年获得日本金唱片大赏特别奖。
陈敏是近年来在日本脱颖而出的优秀二胡演奏家。陈敏在苏州出生,从小在上海接受音乐教育。陈敏于1997年来日留学,1997年毕业于共立女子大学。随后,陈敏重新开始了驾轻就熟的胡演奏生涯。陈敏在日演奏的最大特点,是以日本的演出和推广方式来包装中国二胡,直接进入日本主流社会,吸引了各个阶层的日本观众。陈敏与东芝EMI唱片公司签约后,自2001年开始,每年推出一张CD Album。迄今已发行了《I wish 愿意》、《My Story 我的故事》，《love 我闻》三张个人CD。2004年5月26日,陈敏的第四张二胡演奏CD《Moon 月亮心》公开上市。以“月亮心”为主题的全国公演,成为整体性市场推广的重要部分。超过1000人的日本观众在陈敏饱含情感的悠扬琴声中,度过了一个充实而美好的夜晚。在日本出道以来,陈敏在短短几年里显得十分活跃。她与日本著名音乐人如石井龙也、渡边美里、松本孝弘、谷村新司等人成功合作,使得日本音乐界和日本社会迅速认识了这位来自中国的才艺俱佳的二胡名手。NHK、朝日TV、日本TV等主流媒体纷纷为陈敏提供了登台亮相的机会，全国各地的公演活动也接二连三。在近年中国音乐和二胡演奏风靡日本的热潮中,陈敏也是一名积极的推动者。陈敏的二胡CD,曾荣膺第17届日本金唱片大赏特别赏。以二胡为代表的中国民乐近年来在日本掀起视听风潮,离不开天时、地利、人和的配合。陈敏技艺在身,适逢其时。有评论指出,陈敏个人音乐会的会场规模不断扩大,公演的日程年年增加,令人可喜。陈敏的二胡演奏,深深浸染了日本人的心,那种清清的哀愁,洋溢着令人怀旧的力量。陈敏二胡演奏的巨大魅力,不仅来自双手的弹奏,更出于内心的回响和灵魂的融入。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.29
今日唱片
DENON 德彪西- 儿童乐园及其他/雅克鲁维耶 日天龙虚字3300元版
https://book.kongfz.com/446413/5435487092/
https://weidian.com/item.html?itemID=5913359302
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《儿童乐园》为法国作曲家德彪西为他的女儿爱玛所作的钢琴组曲，也常被称为《儿童角落》，是他富有艺术价值的晚期之作。这一钢琴组曲创作于1906~1908年，包括《博士练习曲》 《小象催眠曲》 《洋娃娃的小夜曲》 《雪花飞舞》 《牧童》和《木偶的步态舞》6首小曲。大概是受穆索尔斯基的歌曲集《儿童歌谣》的启发，作于1908年，1908年12月由哈洛德·保亚首演。
练习曲“博士”-德彪西将这首单调的练习曲加上“博士”学位，为对克莱门蒂枯燥、死板的指法练习曲的戏谑，乐曲中刻意模仿了克莱门蒂的练习曲，以刻板的分解和弦音型奏出，表现了儿童无可奈何地弹奏练习曲并感到非常厌烦的心理。
小象催眠曲-乐曲中开始时的那种稳重的低音旋律，使人联想到小象的步伐。之后是天真的孩子为小象唱的一首催眠曲。最后的两个未解决的和弦，好像是孩子和小象不知何时都进入了梦乡。
洋娃娃小夜曲-这是一首孩子对着可爱的洋娃娃唱的小夜曲，全曲贯穿着拨弦乐器的音响，在伴奏音型上，一支朴素而优美的旋律在回荡。
雪花飞舞-乐曲最初的4小节单音在描写雪花飞舞。表现孩子在冬天里凝视窗外飞舞的雪花，热切地盼望春天早日来临的心情。
小牧童-钢琴生动地模仿出玩具牧童在吹奏一支小牧笛时的音调。
木偶的步态舞-乐曲描写一个滑稽的黑人小木偶在跳舞的形象。这是在欧洲音乐作品中选用黑人舞蹈音乐最早的实例。中段还引用了瓦格纳歌剧《特里斯坦与伊索尔德》序曲的主题，这里是德彪西以此表示对当时盛行的瓦格纳歌剧的嘲弄。

雅克·鲁维耶（法语：Jacques Rouvier，1947年1月18日－），法国男钢琴家。在马赛出生。
雅克·鲁维耶就读巴黎音乐学校（Conservatoire de Paris），曾师从弗拉多·佩勒米泰（Vlado Perlemuter）、让·于博（Jean Hubeau）等钢琴大师。他在校赢得两个格兰披治奖（第一名）：钢琴表演（1965年）、室内乐（1967年）。并在诸多享誉国际的钢琴比赛中获奖，如1967年“维奥蒂国际音乐比赛”（Concorso Internazionale di Musica Viotti）的意大利韦尔切利站、西班牙巴塞罗那站分别夺冠。1971年，法国巴黎的“玛格丽特·朗国际比赛夺得第3名。
1970年，他创办了三重奏维埃-Kantorow - 穆勒，至今任在全球继续巡演。
现时，雅克·鲁维耶在28岁开始当上巴黎音乐学校的教师。并在受邀在全球各地教学，多年来取得了巨大成功。除了他在巴黎的教职，他先后在柏林艺术大学  ，萨尔斯堡莫扎特音乐学院担任钢琴教授   。
他曾担任过莫斯科柴可夫斯基国际钢琴比赛，巴黎玛格丽特隆国际钢琴比赛，利兹国际钢琴比赛，帕德列夫斯基国际钢琴比赛，鲁宾斯坦国际钢琴比赛，华沙肖邦国际钢琴比赛，Santander国际钢琴比赛，都柏林国际钢琴比赛，日内瓦国际钢琴比赛，蒙特利尔国际钢琴比赛，滨松国际钢琴比赛，仙台国际钢琴比赛，中国国际钢琴比赛等诸多国际大赛的评委，并曾担任日内瓦国际钢琴比赛评委会主席。
他所指导的著名学生包括：埃莱娜·格里莫(Hélène Grimaud)、阿尔卡季·沃洛多斯（Arcadi Volodos）,David Fray，David Kadouch，Philippe Giusiano (华沙肖邦国际钢琴比赛第二名), Frank Braley (布鲁塞尔伊丽莎白国际钢琴比赛第一名), Yukio Yokoyama (肖邦国际钢琴比赛第三名), Claire-Marie Le Guay (慕尼黑ARD国际钢琴比赛第三名), Mami Hagiwara (日内瓦国际钢琴比赛第一名)等   。
雅克·鲁维耶是目前公认的最深刻和风格上最完整的钢琴家之一。（网摘，感谢原作者）

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2022.11.30
今日唱片
LONDON 贝多芬-第三交响曲/埃格蒙特/伊塞尔施泰特/塞尔 美PDO银圈首版
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https://weidian.com/item.html?itemID=5917962772
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德国指挥家汉斯·施密特-伊塞尔施泰特（Hans Schmidt-Isserstedt，一译伊瑟斯特，1900.5.5 ~ 1973.5.28）是属于他那个时代最杰出的指挥大师之一，也是德国指挥学派的杰出代表人物。
早年，他除了在几个剧院指挥，还创作音乐作品，包括几部乐队作品、艺术歌曲、室内乐和一部名为“Hassan gewinnt”的歌剧，这部作品在1928年得到演出。30年代，他指挥柏林爱乐乐团和德国小提琴大师乔治·库伦肯普夫录制一系列小提琴协奏曲。在纳粹执政时期，他担任汉堡歌剧院的常任总监。1943年出任柏林德意志歌剧院的常任指挥，1944年成为这个歌剧院的音乐总监。
施密特-伊塞尔施泰特是二战期间没有多少历史污点的指挥，他的艺术活动并没有因为德国在1945年战败而中断。1945年，他在汉堡创立北德广播交响乐团并担任乐团的首席指挥，直到1971年退休。50年代，他带领北德广播乐团在欧洲、苏联、美国作巡回演出。他还是英国DECCA唱片公司的签约艺术家，指挥好几个乐团留下许多伟大的唱片。1955－64年，他还是斯德哥尔摩爱乐乐团的常任指挥。作为客席指挥，他指挥过超过100支乐队，足迹遍布世界各大城市。他还是当代作曲家的大力支持者，经常演出巴托克、斯特拉文斯基、欣德米特的作品。在施密特-伊塞尔施泰特留下的唱片里面，最出名的要算在DECCA指挥维也纳爱乐乐团录制的贝多芬交响曲全集，其他的著名录音包括与巴克豪斯合作的贝多芬钢琴协奏曲，还有莫扎特的歌剧《依多梅里奥》等。
施密特-伊塞尔施泰特为人作风低调，比起同时代的富尔特文格勒、比他年轻的卡拉扬的知名度要低很多。但是在行内，他是人们心中中不折不扣的大师。（网摘，感谢原作者）