古典音乐常识——常见音乐词语简述

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常见古典音乐词语简述

【主题】
（Theme）乐曲中具有特征的并处于显着地位的旋律。它表现完整的或相对完整的乐思，为乐曲的核心。其形象鲜明，是音乐发展的种子，它表达着一定的思想、性格、风格特征，是乐曲结构与发展的基本要素。它还具备一定的概括性，多半富于歌唱性，容易为人们所理解和记忆。优秀的音乐主题都蕴藏着十分丰富的内涵。有的作品只有一个主题，更多的作品中有两个或两个以上的主题，代表不同性格并形成对比。主题常在乐曲开头出现，但有时它的全貌要在整个作品的不断展开中才能显示出来。

【曲式】
（Form，musical）即乐曲的结构形式。曲调在发展过程中形成各种段落，根据这些段落形成规律性而找出具有共性的格式便是曲式。

乐段的结构及【一部曲式】：乐段通常由两个乐句或四个乐句构成，由两个各有四小节或八小节的乐句组成的乐段（专称为方整性的乐段）在器乐曲中最为常见。其特点是平衡、均称感强。一首乐曲仅由一个乐段构成的称为一部曲式。

【二部曲式】
由两个明显的乐段组成，前后两段互相对称或对比。其通常图式为A＋B。这是乐曲的基本形式之一。

【三部曲式】
由三个段落组成，其中第三段与第一段相同或基本相同，第二段具有对比性质，第三段带有再现性质。其图式为A＋B＋A。

【复三部曲式】
三段式曲体的复杂化。其中有一段以上本身就是由二段体或三段体等构成。复三部的三大部分不是由乐段而是由单二部或单三部曲式组成的。正因为这种曲式是由三个单曲式组合而成，所以被称为复三部曲式，器乐曲中常采用此种曲式。复三部的规模和复杂程度比单三部曲式扩大、提高了许多，通常会出现全新的对比主题，这是一种从“外部”扩大曲式结构的做法。 它的第三部分几乎总是重复第一部分的内容，而不像单三部曲式中可能出现三部分各不相同的情况。

【变奏曲式】
（Variation form）先奏出一自成段落的主题，然后以一系列的主题变形（即变奏），使主题通过多次不同的变奏而得到多方面的发挥。其图式为：主题－变奏1－变奏2－变奏3……，少则三五次，多则数十次。变奏的主题，大都较优美动人。常有用变奏曲式写成的独立乐曲，也有用于奏鸣曲等大型乐曲中，通常用于慢乐意中，如贝多芬的《热情奏鸣曲》。

【回旋曲式】
（Rondo form）起源于欧洲民间的轮舞曲，十八世纪初叶法国古钢琴曲多用之。以一再反复的基本主题与若干各不相同的"插段"交替出现为原则。其图式为：A（基本主题）＋B（第一插段）＋A＋C（第二插段）＋A…。这种曲式适于表现活跃欢腾的情景，奏鸣曲、交响曲等大型乐曲的末乐章常用之，以热烈的气氛结束音乐。

【奏鸣曲式】
（Sonata form）乐曲的结构形式之一。它欧洲十八世纪下半叶以来，各种大型器乐体裁中最常见的、也是最重要的一种曲式。大多数交响曲的第一乐章都运用"奏鸣曲式"写成，其结构大致如下：
奏鸣曲式总是用快板写的，所以在奏鸣曲（套曲）中的奏鸣曲式乐章常被称为"快板乐章"。关于奏鸣曲式的三大部分（呈示部、展开部、再现部），有人比喻说：它的呈示部好象是提出矛盾的、可争论的问题；展开部是对提出的矛盾进行讨论甚至由矛盾冲突而引起的互相斗争；再现部则是矛盾冲突之后趋向统一认识所作的初步结论，是总结性的尾声。奏鸣曲式的这种"对比－发展－统一"的结构布局很适用于用来表现复杂的甚至戏剧性的内容。所以奏鸣曲式不但是"奏鸣曲"、"交响曲"和"协奏曲\"中不可缺少的一个乐章，而且管弦乐"序曲\"与"交响诗"也常采用此曲式写成。
「奏鸣曲」（Sonata）这个字最早出现在16世纪中期，原本的意思是指「声音的片段」。当时的「奏鸣曲」没有明确的组合形式，只要是器乐曲都可以称为「奏鸣曲」。到了18世纪古典乐派时期，作曲家开始重视乐曲动机的转化，发展出明确的「奏鸣曲」形式，其中包含三个或四个速度不同的乐章。
由于「奏鸣曲」的结构简单明了而容易使用，很多乐曲的形式，都以「奏鸣曲」作为谱曲的蓝本。像是：交响曲、协奏曲以及室内乐，都可以看成是另一种形式的「奏鸣曲」。随着时代变迁，「奏鸣曲」已经由单纯的器乐曲演变成具有主题、发展与再现的复杂曲式了。
（Sonata）原是意大利文，它是从拉丁文“Sonare”（鸣响）而来，而与“Cantata”（康塔搭，大合唱）一词相对立，是大型声乐套曲体裁之一，原意为“用声乐演唱”，一个是“响着的”，一个是“唱着的”。起初奏鸣曲是泛指各种结构的器乐曲，到十七世纪后期在意大利作曲家柯列里的作品才开始用几个互相对比的乐章组成套曲型的奏鸣曲。到十八世纪方定型为三个乐章。（海顿、莫扎特的钢琴奏鸣曲都是三个乐章的。）后来“奏鸣－交响套曲”又增加了一个“小步舞曲”乐章，插在第二、三乐章之间，成为四个乐章的“奏鸣－交响套曲”。到贝多芬又用“谐谑曲”代替“小步舞曲”，后来的作曲家还有用“圆舞曲”作为第三乐章的。奏鸣曲在结构上类似组曲的一套乐曲，但它又和交响曲分不太开，它是一种大型套曲形式的体裁之一。

【回旋奏鸣曲式】
（Rondo sonata form）乐曲的结构形式之一。它属于奏鸣曲式的一种变体，主要用于大型器乐套曲（奏鸣曲、重奏曲、交响曲、协奏曲）的最后乐章，有时也用于独立的器乐作品。

【华彩乐段】
（Cadenza）音乐术语。原指意大利正歌剧中咏叹调未尾处由独唱者即兴发挥的段落。后来在协奏曲的乐章末尾处也常插用此种段落，通常乐队暂停演奏，由独奏者充分发挥表演技巧。这部分演奏较自由，难度也较高，因而也较引人注目。华彩乐段最初由独奏即兴创作，后来，作曲者也开始写作，成为作品中的有机部分和独具特点的段落。

【三声中部】
（Trio）音乐术语，是指用三部曲式创作的圆舞曲、进行曲、谐谑曲或小步舞曲等的中部。其主要特点为：旋律流畅、风格柔美、换用新调，井与前后两部分形成对比。三声中部的名称由意大利文Trio（三重奏）演化而成。西欧古代器乐曲及舞曲的中间部分，常有Trio标记，由三件乐器演奏，借以与前后两个由全体乐队演奏的音量相对比。
II.音乐体裁简介

【前奏曲】
（Pre1ude）原文是“序”、“引子”之意。它是一种单主题的中、小型器乐曲。它源自十五、十六世纪某种乐曲前的引子，最初常为即兴演奏，有试奏乐器音准、活动手指及准备后边乐曲进入的作用。不少作曲家均有独立的钢琴前奏曲。十九世纪后，西洋歌剧、乐剧中的开场或幕前音乐亦有称作"前奏曲"者，其含义与上述独立体裁的前奏曲有所不同。

【序曲】
（Overture）乐曲体裁之一。原指歌剧、清唱剧等作品的开场音乐，十七、十八世纪的歌剧序曲分为“法国序曲”及“意大利序曲”两类。前者为复调风格，由慢板、快板、慢板三个段落组成，中段为赋格形式，末段较短；后者为主调风格，由快板、慢板、快板三个段落组成，后世交响曲即由此演变而成。十九世纪以来，从贝多芬开始，作曲家常采用这种体裁写成独立的器乐曲，其结构大多为奏鸣曲式并有标题。如贝多芬的《科里奥兰序曲》、柴可夫斯基《1812年序曲》等。

【套曲】
（Divertimento）包括若干乐曲或乐章的成套器乐曲或声乐曲，其中有主题的内在联系和联贯发展的关系。如柴可夫斯基的钢琴套曲《四季》，舒伯特的声乐套曲《美丽的磨坊女》等。认广义上说，奏鸣曲、交响曲、组曲、康塔塔等均属之。

【小步舞曲】
（Menuet）一种起源于西欧民间的三拍子舞曲，流行于法国宫廷中，因其舞蹈的步子较小而得名。速度中庸，能描绘许多礼仪上的动态，风格典雅。十九世纪初，小步舞曲构成交响曲奏鸣套曲的第三乐章，后又被谐谑曲所代替。

【谐谑曲】
（Scherzo）谐谑曲亦称诙谐曲，一种三拍子器乐曲。其主要特点是节奏活跃、速度较快，常出现突发的强弱对比。它常在交响曲等套曲中作为第三乐章出现，以取代宫廷风格的小步舞曲。

【赋格】
（Fuga）西洋复调音乐中主要曲式和体裁之一，又称“遁走曲”，意为追逐、遁走。它是复调音乐中最为复杂而严谨的曲体形式。其基本特点是运用模仿对位法，使一个简单的而富有特性的主题在乐曲的各声部轮流出现一次（呈示部）；然后进入以主题中部分动机发展而成的插段，此后主题及插段又在各个不同的新调上一再出现（展开部）；直至最后主题再度回到原调（再现部），并常以尾声结束。

【卡农】
（Canon）复调音乐的一种，其原意为“规律”。同一旋律以同度或五度等不同的高度在各声部先后出现，造成此起彼落连续不断的模仿，即严格的模仿对位。

卡农和赋格

卡农的基本点是一个单一的主题与它自己相伴而奏。由加入的各个不同声部分别唱出主题的“副本”。但做这种事可以有许多种方式。卡农中最简单的是轮唱，像《保卫黄河》，第一个声部先唱出主题，相隔规定的某段时间之后，这一主题的“副本”在完全一样的调上进入。在这第二个声部进行到规定的同样长的时间之后，第三个声部进入，唱出这个主题，以此类推。对大部分的主题来说，这样演唱是无法与它本身相和谐的。为了使一个主题能成为一支卡农的主题，它的每个音符必须能起两种（三种，或四种）作用：首先它得是旋律的一部分，其次它必须是这同一旋律的和声的一个部分。比如说，在包含有三个卡农式声部的曲子里，主题的每一个音符除了要构成曲调，还必须在两种不同的方式上构成和声。这样，在卡农曲中，每个音符都有着一个以上的音乐意义，而听者的耳朵和大脑根据前后的音调自动地领会其确切的意义。


组曲Suite
由几个具有相对独立性的器乐曲组成的乐曲。组曲是最古老的器乐套曲形式，早期组曲源于对比性舞曲的组合。早在14世纪，舞会里即盛行一慢一快的对比性舞曲的组合。16世纪初,琉特演奏家仿此以1首庄严的2拍子舞曲与 1首轻快的3拍子舞曲联合成套。许多作曲家都按自己的艺术构思进行各种组合的试验。

交响曲symphony
交响曲是器乐体裁的一种，是管弦乐队演奏的包含多个乐章的大型（奏鸣曲型）套曲。源于意大利歌剧序曲，海顿时定型。基本特点为：古典交响曲通常有四个乐章，其基本特征为：

第一乐章：快板，奏鸣曲式，音乐活跃，充满戏剧性，由两个对立主题作呈示、展开和再现，示意矛盾的起因、发展和暂时的结果。

第二乐章：慢板，采用二部曲式或三部曲式，如三段体或变奏曲等，曲调缓慢如歌，内容往往表现生活的体验和哲理性的沉思，是交响曲抒情的中心段落，与第一乐章形成对比。

第三乐章：速度中庸或稍快，常用小步舞曲或谐谑曲，音乐体现了矛盾冲突之后的闲暇、休整和娱乐，三段式结构。

第四乐章：又称"终乐章，多采用舞曲性格的急板，如回旋曲式、奏鸣曲式或回旋奏鸣曲式，内容与矛盾的结果有关，常表现乐观、肯定的态度和胜利凯歌般的节日欢庆场面。

协奏曲concerto
由一件或多件独奏乐器与管弦乐团相互竞奏，并显示其个性及技巧的大型器乐套曲，分独奏协奏曲、大协奏曲、小协奏曲等。

协奏曲（concerto）一词源自拉丁文collcertaye，原意是在一起比赛，协奏曲也就是两种因素既竞争又协作的意思。协奏曲最早是作为一种声乐体裁出现的，古典乐派时期形成的由小提琴、钢琴、大提琴等一件乐器与乐队竞奏的控协奏曲称“独奏协奏曲”。海顿、莫扎特、贝多芬以及许多作曲家均作有大量的独奏协奏曲作品。

交响诗symphonic poem
单乐章的标题音乐。交响诗是一种单乐章的标题交响音乐，脱胎于19世纪（1850年）的音乐会序曲，创始者是匈牙利作曲家李斯特。  交响诗强调诗意和哲理的表现，它的形式不拘一格，常根据奏鸣曲式的原则自由发挥，是按照文学、绘画、历史故事和民间传说等构思作成的大型管弦乐曲。它是标题音乐的主要体裁之一。通常多采用单乐章的曲式，结构较自由。音诗、音画、交响童话等，这些也是与交响诗相类似的音乐体裁。

音诗poeme
单乐章管弦乐曲，与交响诗相类似

托卡塔toccata
节奏紧凑、快速触键的富有自由即兴性的键盘乐曲 幻想曲fantasia
形式自由，给人以即兴创作或自由幻想之感的器乐曲

随想曲capriccio
形式自由的赋格式的幻想曲，19世纪后是一种富于幻想的即兴性器乐曲

狂想曲rhapsody
始于19世纪初以民族或民间曲调为主要素材的具有鲜明民族特色的器乐幻想曲

练习曲study
为提高乐器演奏者技术水平而写的乐曲

无词歌songs wighout
抒情的小型器乐曲，有伴奏声部，旋律声部象歌曲样的钢琴曲

浪漫曲Romance
罗曼司，主要指具有抒情性的声乐曲和富有歌唱性的器乐曲

叙事曲ballade
富于叙事性、戏剧性的钢琴独奏曲

夜曲nocturne
流行于18世纪西洋贵族社会中的器乐套曲，常在夜间露天演奏

小夜曲serenade
晨歌的对称。起源于中世纪欧洲吟唱诗人在恋人窗前所唱的情歌

谐谑曲scherzo
诙谐曲。节奏强烈，速度较快、轻松活泼的三拍子器乐曲或声乐曲

间奏曲intermezzo
为歌剧或戏剧中的过场音乐或幕间曲；另一种为形式较自由篇幅较小的器乐曲

赋格曲fugue
拉丁文音译意为遁走。以复调手法写成的大型乐曲

轮唱曲round
用同度或八度卡农手法写成的声乐曲

创意曲invention
复调结构的钢琴小曲。类似前奏曲或小赋格曲。巴赫始用此名称

练声曲vocalization
没有歌词而用韵母、音节或唱名演唱的声乐练习曲

回旋曲rondo
由相同的主部和几个不同的插部交替出现而构成的乐曲

变奏曲variation
主题及其一系列变化反复，并按照统一的艺术构思而组成的乐曲

进行曲march
用步伐节奏写成的乐曲

特性曲character piece
指富于诗情画意和生活情趣的器乐小曲，主要是钢琴小曲

晨歌alborada
起源于西班牙西北部的加利西亚的田园风味乐曲

田园曲pastorable
原为欧洲16-17世纪一种乡村题材的戏剧表演，歌剧的前身之一。近代音乐中是模仿牧人所吹肖姆管曲调和圣诞吹奏乐的器乐曲或声乐曲，源于意大利。

船歌barcarolle
威尼斯船工所唱的歌曲以及模仿这种歌曲的声乐曲和器乐曲

悲歌elegy
表现哀伤情绪的声乐曲或器乐曲

摇篮曲berceuse
抒情声乐曲或器乐曲。描写摇篮摆动的节奏，近似船歌。
　
嬉游曲divertimento
18世纪欢娱宾客的一种器乐重奏组曲
　
即兴曲impromptu
偶发创作的抒情特性曲，19世纪成为器乐短曲曲名，形式类似歌曲
　
无穷动perpetuum mobile
从头至尾贯穿着急速节奏的乐曲
　
小品bagatelle
轻快，幽默的特性曲，常为钢琴小曲
　
幽默曲humoreske
富于幽默风趣或表现恬淡朴素、明朗愉快情致的器乐曲
　
新事曲novellette
始创于R.舒曼的一种钢琴特性曲
　
演绎曲paraphrase
14--16世纪教会音乐中的演绎曲是自由加工的素歌旋律。F.李斯特借用此名称称其为著名声乐曲和器乐曲，特别是为歌剧选曲所作的钢琴改编曲为演绎曲
　
舞曲dance music
根据舞蹈节奏写成的器乐曲或声乐曲
　
小步舞曲menuet
起源于法国民间的三拍子舞曲，因舞步极小而得名
　
加沃特gavotte
起源于法国民间的中速、四拍子舞曲
　
塔兰泰拉tarantella
起源于意大利的速度迅急、情绪热烈的舞曲
　
波尔卡polka
起源于捷克的速度较快的二拍子舞曲
　
华尔兹waltz
圆舞曲。一种起源于奥地利民间的三拍子舞曲。
　
马祖卡mazurka
起源于波兰民间的情绪活泼热烈的三拍子双人舞曲
　
波罗乃兹polonaise
波兰舞曲。起源于波兰民间的庄重，缓慢的三拍子舞曲
　
哈巴涅拉habanera
阿伐奈拉。由非洲黑人传入古巴的中速二拍子舞曲
　
探戈tango
起源非洲后传入阿根廷的中速、二拍子或四拍子的舞曲
　
独唱solo
由一人演唱，常用乐器或乐队伴奏的演唱形式，有时也用人声伴唱
　
齐唱unison
两人以上的歌唱者，按同度或八度音程关系同时演唱同一旋律的演唱形式
　
重唱ensemble
每个声部均由一人演唱的多声部声乐曲及演唱形式。按声部或人数分二重唱、三重唱、四重唱
　
领唱lead a chorus
由一人唱众人和的演唱形式
　
合唱chorus
两组以上的演唱者，各按本组所担任的声部演唱同一乐曲的演唱形式
　
无伴奏合唱a cappella
纯粹由人声演唱不用乐器伴奏的合唱形式
　
合奏ensemble
由多种乐器组成，常按乐器种类的不同而分为若干组，各组分别担任某些声部，演奏同一乐曲的演奏形式
　
伴奏accompaniment
由一件或多件乐器奏出，用以衬托主要的歌唱或器乐演奏部分。用以烘托舞蹈的器乐配乐也常称为伴奏
　
独奏solo
由一人演奏某一乐器，常用其他乐器或乐队伴奏
　
齐奏unison
两个以上的演奏者，按同度或八度音程关系同时演奏同一曲调
　
室内乐chamber music
通常指由少数人演奏，演唱的重奏曲、重唱曲。
　
二重奏Duet
由两件乐器分奏两个声部的室内乐
　
三重奏Trio
由三件乐器分奏三个声部的室内乐
　
弦乐三重奏string trio
由小提琴、中提琴、大提琴分奏三个声部的室内乐
　
钢琴三重奏piano trio
由钢琴与另两件乐器（弦乐器或管乐器）演奏的室内乐
　
四重奏quartet
由四件乐器分奏四个声部的室内乐
　
弦乐四重奏string quartet
由两个小提琴，一个中提琴、一个大提琴演奏的室内乐
　
钢琴四重奏piano quartet
由小提琴、中提琴、大提琴、钢琴演奏的室内乐

livjonpink

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二重奏、三重奏、四重奏没有用two、three、four，而是Duet、Trio、Quartet，可以参考其他熟悉单词double、triangle、quarter。

hifilover

livjonpink 发表于 2012-3-2 21:32
二重奏、三重奏、四重奏没有用two、three、four，而是Duet、Trio、Quartet，可以参考其他熟悉单词double、t ...

应该是德语吧，你举出的是英语。不过，古典唱片上的说明文字大都习惯使用德文。

livjonpink

hifilover 发表于 2012-3-2 22:09
应该是德语吧，你举出的是英语。不过，古典唱片上的说明文字大都习惯使用德文。

词根来源都一样吧，看着能明白就行

hifilover

德语和英语都是日耳曼语系，英文中有很多文字来源于德语或法语。

vaiofelix

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古典白痴学习了{:soso_e113:}

hifilover

节奏 Rhythm
节奏这个词是由希腊字“rhein”，即“流动”之意，衍生出来的，因此节奏原先的概念就是音乐的“进行”。 这个概念包括了音乐中各种各样的运动形态，既有轻重缓急，也有松散与紧凑。呼吸有节奏，潮水的涨落，钟表的滴答声，以及火车车轮的咔哒声等等都有节奏。节奏是音乐最重要的构成因素之一，音乐可以没有曲调，但永远离不开节奏。人类最初的音乐就是只有节奏或以节奏为主的。在现存的民间音乐里，也有只用打击乐器的音乐。这说明，离开有固定音高的音符，节奏本身就有巨大的表现力，就有独立的“节奏美”。这种情况下，节奏是音乐唯一的生命线。具体些说，节奏包括节拍和速度这两个概念，前者是指音乐规律性的强弱交替的运动，即拍点的组合，后者是指这种律动的速率。
一、节拍（metre）
节拍是按拍号要求相隔一定时间反复出现重音的模式，或者说，它是固定的强弱音循环重复的序列。每一种节拍都由时值固定的单位构成，这种节拍单位叫做拍子（time）。 拍子的时值可以是四分音符、二分音符，也可以是八分音符。节拍通常用分数来标记，分子表示每小节中单位拍的数目，分母表示单位拍的音符时值，例如2/4，它的含义是 "每小节有两拍，每拍是四分音符"，或简单地说"每小节有两个四分音符"。下面是一些常见的拍子：偶数类，有2/2（每小节有两个二分音符）、2/4、4/4、4/8（每小节有四个八分音符）等，这些偶数节拍是对称的，带有行进的特点；奇数类，有3/2（每小节有三个二分音符）、3/4、3/8、6/4、6/8、9/8等；它们听上去带有旋转性，因此常常和舞曲有关。在乐谱上标记节拍的方法，除了上面这些2/4、3/4以外，还有小节线，这短短的垂直线，将音符隔成一个个有规律的强弱交替的单位，看起来很直观。通常小节线后面的第一拍是强拍，如2/4，这是进行曲常见的节奏，它是一强一弱的交替，而3/4，如圆舞曲，则是一强两弱的交替。假如拍数超过三个，则会出现两个不一样的强拍，如4/4，是强－弱，次强－弱；6/8，是强－弱－弱；次强－弱－弱。 我们可以想像，这时候的乐队指挥肯定不能根据两拍子规律来舞动他的胳膊了，而是要按照实际重音来打拍子。
二、速度（tempo）
速度是指节拍的速率。它大致可以分为三大类：慢、快和适中。
速度术语一般记在乐谱开头，它大多是意大利语（也有时采用本国语）。
常用的速度标记如下：
慢速类：
         Large                广板
        Grave                非常缓慢庄严而缓慢
        Lento                 慢板
        Adagio               柔板
中速类：         
        Andante             行板
        Andantino          小行板
        Moderato           中板
快速类：         
        Allegretto           小快板
        Allegro                快板
        Allgero molto       很快的快板
        Vivace                 活泼的、轻快的
        Presto                 急板
        Prestissimo          最急板

速度是音乐节奏的一个重要内容。同样是三拍子，用快速，会给人以活泼明快的感觉，而用慢速，就会获得优雅、闲适的效果。通常快的节奏是比较令人兴奋的，它和我们激烈运动时的心跳、呼吸相对应，而慢的节奏则使人心态平和，情绪稳定。一股地说，表现激动、兴奋、欢乐、活泼的情绪，是与快速度相配合的；表现阳光明媚、春色满园的大自然风光时则往往和适中的速度相配合，而宏大的颂歌、沉痛的挽歌、深深的回忆等则多与慢速度相配合。
一般来说，快的节奏令人兴奋或紧张，慢的节奏给人安详从容的感觉。但这也不是绝对的，还要看与节奏相配合的其他要素，如音区、力度以及音色等等。在影视配乐中，作曲家常常要使音乐节奏与画面节奏相配合，以渲染气氛，但他们常常会用"反衬"手法，比如画面特别紧张、镜头剪接非常迅速的时候，音乐却是慢速的，这种时候往往会产生十分有效的结果，这就是令观赏者更加紧张，或者是加大了空间感。比如在描写越战的电影《野战排》中，有一组镜头相当激烈，飞机在天上连续地向地面扔炸弹，大地一片火海，许多人在挣扎、流血，而音乐却用了美国作曲家巴伯（Barber）的一首为弦乐队而写的"柔板"，速度很慢，节奏气息宽广，旋律是长线条的，其效果惊人地好，观影者在眼前一片灾难的时候，不仅仅是被血肉横飞的场面震惊，而更多的是从宏观的角度、从人类历史的角度进行思索，由此产生对战争的痛恨，对生命的珍惜，对和平的渴望。

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节奏，究其本质而言是稳定的和规律性的。稳定的节奏犹如稳定的心脏跳动，节奏的突然性的变化或者频繁性的变化会给人紧张不安的感觉，让人觉得很不舒适。以上所说的有规律的拍子在音乐中表现出稳定的节奏。但实际上，稳定节奏只是节奏的一种概念，音乐还可以不是这样的。除去民间音乐中自由的形态不算，有许多作曲家为了给人以新鲜感，偏偏要打破节奏中的规律性，在该出强拍的地方闪过去不出现，而在弱拍位置却重重地来一下子，让听者出乎意料。这在20世纪的音乐中十分常见，而实际上早在18世纪贝多芬就用过这种手段，还让当时的保守人士感到十分不满。有个很好的例子是斯特拉文斯基作于1913年的芭蕾舞音乐《春之祭》。这部舞剧描绘的是史前人原始祭祀的情景，其疯狂而野蛮的音乐风格曾让人大为愤怒，甚至引起了音乐史上空前绝后的剧场骚乱，但后来它很快就成为20世纪的经典之作了。斯特拉文斯基在这里的节奏运用相当精彩，这是他造成整体艺术风格的一个极为重要的因素。《春之祭》中的第二段音乐《春天的前兆和青年男女之舞》，谱子上写的是两拍子，但由于人为地改变了原有的强音和弱音的位置，原来的古典式感觉被破坏了。在古典音乐中，只要乐谱开头标出2/4、3/4或者4/4这样的节拍标记，后面就基本上不再变化了，而在现代音乐中却常常要改变拍子记号，比如《春之祭》中《春之轮舞》，它的第一小节是5/4拍，第二小节是7/4拍，第三至第五小节是6/4拍，第六小节又是5/4拍，如此频繁的变化，给人以非常不稳定的感觉。而由于这里的强拍不突出，所以给人的整体感觉是松散的，缺少推动力的，但是它打破了传统的听觉习惯，起到表现特殊效果的作用，扩大了音乐的表现力。
需要提到的是优秀的作曲家既能娴熟地驾驭节奏的转换，又不会使听众觉得焦虑不安（当他们没有必要这么做的时候）。例如芭蕾舞剧【红色娘子军】配乐中第二场的“娘子军操练”用的是进行曲速度的2/4拍，很有效地体现了部队团体的力量与雄健，让人感觉雄壮和强大有力。接着便是“连长独舞”，很自然地转换成4/4拍。时段慢延一倍的4/4拍显露出领导干部的沉着稳健，并且在随后出现几小节快奏的四连音表现了连长同时还具有果断和大胆的个性特色。这种2/4到4/4的转换让你听了感觉十分自然，毫无唐突，在音乐上使得集体部队和个体领导之间的性格特征也得以鲜明地凸显。
（【红色娘子军】的音乐无论是作曲技巧还是配器水平，无论是对剧情的配合还是旋律的可听性，都是非常不起的。ZZ有错，音乐无罪，在今后的音乐闲聊中我还会时不时地提到）

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旋律 Melody
旋律在非专业人的称呼中就是曲调，旋律是由连续演奏的一系列音符所构建的，音乐所要表达的思想就是通过旋律的进行来完成的。
旋律历来以一个特定的音为中心，这个音是起始点，核心点和终极点，曲子中的其它音都与它有联系。作曲家为其作品的起点所挑选的那个中心音叫做“主音”。
许多没有研究和分析过音乐的人很容易被擅长旋律的作曲家所吸引，他们判断音乐的优与劣是以旋律的悦耳程度为唯一依据的，例如许多古典音乐初学者对柴可夫斯基的评价甚至超过巴赫就是个普遍现象。
曲调的分类由于在声乐和器乐的体裁上各有自己的特点，因而表现在曲调形态上就有所不同。声乐曲调与人的条件和语言习惯有密切联系。一般来说，声乐曲调的音域比较窄，如歌性是它的主要特点。器乐曲调与具体乐器的性能特点有直接关系，随乐器的不同而各有差异，它比声乐曲调的音域更宽。器乐曲调在其进行中可有较多、较大的音程跳进，音乐速度和力度的变化幅度也较大，富于节奏性和技巧性。
从曲调本身的发展规律来看，由于音乐思维性质的差别可分为两种类型，即：歌唱性曲调和朗诵性曲调。前者强调音乐的逻辑性，注意曲调的流畅和平稳，并且强调结构的均衡、对称、完整，它善于如歌的表达感情，刻划人物的内心活动；后者较强调语言的特点，其曲调表情，音高起伏和节奏安排也接近人们生活中的口语和表情达意规律。
本人想要注重指出的是：中国有世界上独一无二的，极其丰富的音乐资源，即民间音乐，是个彻头彻尾的曲调大国，这是由于种类繁多的各种民族大融合所组建成的国家而造成的。资源虽然丰富，音乐上的成就却十分落后，原因就在于音乐创作严重滞后。从五四新文化运动直至八十年代，除了少量的音乐创作精品外基本上都是在大量的挖掘民间音乐，最盛的时期是上个世纪五、六十年代，大批音乐工作者被派到全国各地去收集民乐，确实收获巨丰。但那只是记谱并给予简单的加工，而不是真正意义上的创作。

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纽约爱乐乐团平壤音乐会

美国纽约爱乐乐团一行250余人，于2008年2月25日下午抵达平壤，成为朝鲜自1948年以来第一个来访的美国交响乐团。外电称这次纽约爱乐乐团赴平壤的访问，是半个世纪以来，对疏远的文化的一次破冰之旅。长达1小时45分钟的精彩演出获得了1500名平壤市民的热烈欢迎。朝鲜中央电视台当天现场转播了演出。乐团全体演奏人员在乐团音乐总监、指挥大师马泽尔的指挥下站立着分别演奏了朝美两国国歌，全体观众也起立聆听。随后，乐团依次演奏了瓦格纳的歌剧《罗恩格林》中的第三幕序曲、德沃夏克著名的《第九交响曲“自新大陆”》和美国作曲家格什温的管弦乐名作《一个美国人在巴黎》。
这场音乐会无论对内还是对外显然都获得了巨大成功。一名朝鲜中央机关的工作人员对记者说：“纽约爱乐乐团不愧为世界级乐团，演出水平非常高，尤其是最后演奏的朝鲜民谣《阿里郎》，令人感动。”美国有线电视新闻网称：“在连音乐也和政治经济等层面一样，都受到严密控制的北朝鲜境内，纽约爱乐能在平壤成功演出，具有相当重要的象征意义。”更多外电报导把视线聚焦在观众席上，称“朝鲜观众情绪踊跃，脚下打着拍子，脸上漾溢着微笑。”毫无疑问，从政治或者是艺术的角度看，这场音乐会都创造了双赢局面。
别看这马老头在指挥时给人有点漫不经心的样子，纽约爱乐乐团被他整得有板有眼，队员个个精心演绎，那种尽心尽力的认真劲令人十分感动。给我印象最深的是那位演奏巴松管的白发老太，由于卖力用气而憋红着的脸庞和轻微蠕动着的瘪嘴真让我既同情又担忧。但事实证明我的担忧是多余的，她演奏的太好了。也许是在意识形态对立的国家演出的缘故，队员的认真几乎给人有些压迫感，但是演绎得十分精彩，真是难得一见啊！
演奏的第一首曲子是朝鲜国歌，第二首是美国国歌，感觉演奏美国国歌比演奏朝鲜国歌气势大多了。第三首是瓦格纳的【罗恩格林】前奏曲，很喜欢里面的铜管乐齐奏，气势恢宏，一级棒！第四首是德沃夏克的新大陆交响曲，是我最爱听的交响乐之一，尤其最爱听它的第二乐章——广板（Largo)，缓慢、抒情的双簧管吹奏把思乡之情演绎的淋漓尽致。演奏最为杰出的是最后两首——伯恩斯坦那首著名的序曲（它被誉为20世纪最优秀的序曲），以及朝鲜传统乐曲——阿里郎。
阿里郎的演奏在情调上与传统演绎的节奏大相径庭——缓慢低沉的倾诉仿佛是表现一个庞大的人群织体在混沌中困惑着、迷茫着、渴望着、期盼着、寻觅着。在视频中给我留下很深印象的是演奏短笛的那位女士，看着她的演奏你仿佛觉得她就是这首曲子的灵魂，也是乐队的灵魂。乐队演奏出的声响效果深沉而悲恸，情调里蕴含着悲愤和无奈，曲尾处竟然流露出即将喷发的怒不可遏情绪。听到这里我似乎洞察到了老马的那象征着睿智的大额头里深藏着的‘蓄意’，尽管他一开始就在解说中声称：“搞政治不是我的事”。但是，在阿里郎这首乐曲的演绎中无可辩驳地让人感觉到了‘政治用心’的注入。我在听的时候内心里不能不为老马的指挥功力和他的智慧而喝彩，因为即使你排除所有的音乐之外的声音而只关注音乐再现本身，这首曲子的演绎实在是太杰出了！它比传统的演奏方式更好听，更有品味！听众席上就坐的人大概不是干部就是文艺精英，他们从头至尾面孔严肃，不卑不亢，不喜不怒。但是不知道他们是没听懂老马还是听得太懂而产生强烈共鸣，曲终之时全体起立，给予长时间的热烈掌声，听众站起来又坐下，坐下又站起来，反复了许多次，就是不肯离席，显然是要求再来一曲，而不是仅仅的礼貌行为。但是我坚信老马不会再演奏的，结果证明我的判断是对的——老马就是不肯再来一曲，因为无论再来哪一首曲都会冲淡‘阿里郎’，都会冲淡老马的‘蓄意’！
顺便说一下：录音水准一流，比维也纳音乐会的录音强多了。很少数码味，乐器声的分离度很清晰，音场也宽阔，尤其是铜管乐器的声音，黄铜味极佳。弦乐的声音也让人回味无穷。
精准的画面聚焦力控制带出了极富立体感及景深的画质。配备有DTS5.1格式的伴音，让这张DVD的音效表现不亚于画质的水准。层次丰富、线条分明的管弦乐，显示出音乐厅适中的残响反射；固若金汤的乐器定位和分离清楚的环绕声道，让音效的包围感逼真无比；而定音鼓传出的一层层音波和乐团大合奏时爆发出来的动态，则让观众领略到此碟无懈可击的录音效果。
（此文部分内容发过一次，可能给大家印象不深，现在借此机会重写以配合纽约爱乐乐团的介绍）

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音色 Tone Color
音色是由物体振动状态决定的声音听觉属性。不同的乐器由于材料与构造的不同而产生音色的差异，同一乐器在不同音区，以不同力度及用不同方法演奏时也会产生很大的音色差异,音色是音乐重要的表现手段之一。欧洲管弦乐队编制的发展，一方面表现为由小到大的变化，另一方面就表现为由乐器品种的增多与组合的多样化而带来的音色的丰富。现代交响乐队器乐组合的扩大所带来的音色变化的可能性则是无限的。现代乐队的另一个特点就是以非常规乐队编制的小型特负乐器来产生新颖、独特的音色。事实上，到了20世纪，和声、旋律、调性、调式、节拍等音乐要素的地位都呈现出不同程度的颓势，独有音色的地位不断上升。重要作曲家韦伯恩尝试用音色来构成“音色旋律”。
人类听觉的自然属性，决定了音乐主要采用优美、悦耳的音色，大部分乐器发出的音色均具有这样的特征。然而那些包含有一定噪音成分、紧张度较高的乐音，甚至噪音，也并不一定被排除在乐音材料之外。当今音乐艺术中的声音，已经不再局限于乐音，而是扩大到无限的声音可能性，所有能够发声的器物，都有可能被选择到音乐艺术中来。问题的关键不在于用什么样的声音，而在于如何去运用这些声音，以及这些声音是出于什么表现目的而运用的，中国作曲家谭盾将不同形态的水声加入到音乐中就是一个例子。不过，20世纪的现代音乐作品中，存在着脱离内在的表现目的、为标新立异而滥用新音色的做法，由此产生的作品是奇异音乐色的杂烩，其艺术价值并不因此而有所提高。

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结构 Texture

旋律是横向的，音符一个接着一个。“结构是附加在这个音符线上的东西。取得结构的一个方法是使用和声（harmony）。一个人不能给自己的声音配上和声，他需要一位朋友与他一起唱，或者需要一把吉他来弹拨。你如果在淋浴时歌唱，就必须与一位朋友一同淋浴才能有和声。和声使乐曲具有深度，这很像透视法使绘画作品具有深度一样。旋律是一连串乐音，而和声却是同时响起的乐音。过去认为最相关的乐音，而实际上是悦耳的相关乐音的一种结合。
和弦（chord）
即同时发出三个或三个以上的音，在和声中扮演重要角色。和弦不仅涉及到每个和音以及每个和音同它所配合的旋律之间的关系，而且还涉及到和音的律动和彼此的关系。当和弦“向前进行和发展”时，在一个和音引导出其他和音时便能感觉到它的影响。以单一旋律为主，有和弦伴奏的音乐叫作“主音音乐”（homophonic），这个词源于希腊文“homophonos”，意即“齐奏”。古典主义和浪漫主义时期的许多音乐作品（如贝多芬和李斯特的音乐作品）是主音音乐。但文艺复兴时期和巴洛克时期的大部分音乐作品（如帕莱斯特里纳和巴赫的音乐作品）却不是主音音乐。
在用旋律加和弦构成的音乐作品中，和弦往往是由“协和”（consonant）音组成的,协和音听起来悦耳、平和、稳定和不刺激人的。但是，和弦也可以用“不协和”的音组成。不协和音的音级不断变化，声音听起来刺耳，处于一种“活跃的”、“不平稳的”乐音形态。这种不协和的和弦被作曲家用来制造紧张状态，而协和的和弦则被用来缓解这种紧张状态、从一个和音到另一个和音的前后律动，就是和声的全部内涵。

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因为每一种不同的乐器都有各自不同的音色，而不同的音色可以表达不同的情感，所以谈到音色时必然联系到“配器法”。配器法就是作曲时安排不同的乐器来表现特定的乐段的方法，它是紧密围绕主题的既有规律性又有主观性的技巧，其水平的高低与音乐审美有着密切联系。
西方的古典音乐发展至今在总体上已经很成熟了，出现了那么多的伟大的作曲家和浩瀚如海的音乐作品，这是西方文艺复兴以来所创造的了不起的成就之一。但是在其中的某个方面却依然十分的幼稚，那就是对“音色与情感表现”的研究。你去翻翻世界上所有著名的音乐研究书籍，人们在这方面谈论的极少。比如“圆号”这种乐器，它的原型是法国人狩猎时使用的一种号，有的音乐家谈论圆号时就浅浅地说一下：“那是在表现狩猎的壮观场面”。于是人们想当然地一听到圆号时就在头脑里产生狩猎的集像，这就严重地束缚了乐器的表现力及其应用效果。很多初涉古典音乐的音乐爱好者反应听不懂西方古典音乐，我想，他们在听的时候对于各种乐器所表现的情感象征在头脑里可能是浆糊一片所致。为什么专家对配器的评论如此至少？可能是因为对乐器音色表现上的认知带有很强的主观性所致。也有些著名的音乐家谈到过这个话题，但也是泛泛而谈。下面我们来看看音乐家艾尔森（Arthur Elson)提出的乐器与情感对应：
小提琴——表现所有情感
中提琴——表现浓浓的愁思
大提琴——表现所有情感，但比小提琴表现的更加强烈
短  笛——表现狂欢
双簧管——表现质朴的欢乐和悲怆
小  号——表现大胆，勇武和骑兵渐进的声音
大  号——表现力量，也可能是粗狂
英国管——表现朦胧的愁思
单簧管——在中音区表现流畅和温柔
（以上大概是人们所能看到的比较全面的涉及配器方面的分析了。）
那么作为我们这些初涉古典音乐的爱好者如何去应对这种尴尬呢？我觉得除了要大量倾听之外还需要找一些配器杰出的音乐作品来反复倾听与体会，久而久之，随着自己的音乐感受能力和素质的提高，你自然地就会在乐器与情感表现方面理出个基本头绪来，它对你正确理解古典音乐作品是最重要的必备条件之一。
谈到配器杰出我自然地会想到芭蕾舞剧【红色娘子军】，你们去听听第三场（里应外合，夜袭匪巢）中的第5段——团丁大刀舞、老四拳术舞。剧情背景是给南霸天祝寿，手下的团丁争相表现来讨好主子，。乐段以4/4拍开始，使用了小号加弱音器，这段加弱音器的小号将团丁舞蹈时的谄媚心态表露的唯妙唯俏。剧情中设置的那些地方团丁队伍都是些地痞流氓的组合，一帮没有文化素养和道德缺失的无赖。其舞蹈动作和音乐的表现效果既粗野又笨拙，既猥琐又奸诈。接下来的后半乐段演示为南霸天做寿的热闹气氛，此乐段没有使用西洋乐器，而是应用了琵琶和柳琴的弹奏，如果你从来没有看过这个芭蕾舞剧，马上就去听这段音乐，我敢保证你一定能够听出来这是表现中国传统的喜庆场面。琵琶和柳琴的弹拨除了表现喜庆还恰到好处地揭示了南霸天的不可一世的傲慢与高贵心态。
好了，以上所举的例子只是原来剧情的要求，我也只是从技术上来探讨，其ZZ背景绝不代表本人的观点，在此郑重申明！

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音乐审美 Music aesthetics
音乐审美就是从事音乐创作、演奏、以及欣赏等过程中对音乐作品的具体掌握，选优和评价的活动，它是一种再创造。在欣赏过程中，人们对音乐的本身得到一种认识，发生一定程度上的共鸣，产生审美愉悦，从而满足自己的审美要求。
欣赏音乐的时候，欣赏者所进行的审美体验实质上是分享另一个人所希望表达的意境。这种共享往往给人带来生命中最有意义的时光，因为她满足了一种人类最深沉的需要——交流。音乐欣赏带来的审美体验是一座沟通人与人之间内心世界的桥梁。而音乐爱好者最需要明了的一件事就是“音乐欣赏是对音乐的再次创造”。什么是伟大的音乐作品？是在拍卖会上成交价几百万的贝多芬音乐手稿？是卡拉扬指挥的柏林爱乐乐团演奏的最经典的音乐会？都是，也都不是。还要再加上优秀的欣赏者的审美体验和评判，三者加在一起共同创造了伟大作品。音乐创作与表演活动归根到底都是以欣赏为对象，所以，音乐欣赏是音乐实践的最终目的，音乐欣赏所产生的结果才是最终评判。为什么会这样呢？因为现代美学发现“音乐作品的意义不是一成不变的，而是在理解和欣赏的过程中不断生成和变化的”。因此音乐欣赏者不是作品被动的接受者，而是作为创造性的主体在音乐意义的生成过程中发挥积极的作用。听者要积极主动地用自己的想象来加以填补、充实，从而最终来构成或实现一部作品的完成。

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管弦乐队 Orchestra
这个词原先的意思是歌剧院中乐队的位置——观众和舞台之间的半圆形场地。巴罗克时期正规的主乐器是弦乐器，还有双簧管，大管，其他的乐器作为助奏。到古典时期管弦乐队开始规范化，经常使用木管、铜管和定音鼓。晚期浪漫主义乐队规模开始庞大，比较典型的乐队配置是施特劳斯的【英雄生涯】1899，现在的交响乐、协奏曲等的乐器配置仍然参照这个，以【英雄生涯】总谱为例：
木管乐器
短笛
三支长笛
三只双簧管
英国管（兼第四双簧管）
降E调单簧管
二支降B调单簧管
低音单簧管
三只大管
低音大管

铜管乐器
八只圆号
五只小号
三只长号
降B调次中音大号
低音大号

打击乐器
定音鼓
大鼓
铙钹
小鼓
次中音鼓

弦乐器
16把第一小提琴
16把第二小提琴
12把中提琴
12把大提琴
8把低音提琴
两架竖琴

在海顿，莫扎特和贝多芬的古典风范中，木管乐器虽常用于演奏主导旋律，但一般都从属于弦乐，因为只有弦乐器才能胜任快速的华彩音型，而铜管乐器用来为高潮提供支柱。
我们这些音乐爱好者了解这个有意义吗？答案是肯定的，因为音乐会的演奏中乐器配置不同其演出效果也不一样。而且配置的数量也不是固定不变的，不同的乐团指挥可能会指定不同数量甚至不同的乐器配置来显示自己的风格与特色，我们可以从中比较与体会，进而产生对音乐作品理解上的多方面审美体验。
另一方面，在音乐欣赏中能够分辨哪个乐段使用的是哪种或哪些种乐器演奏，并且推敲为什么作曲家和指挥要在这里使用这种乐器，这样的欣赏和审美体验对你提高古典音乐的素养产生很有效的推进作用！