森海塞尔的百年声誉被我毁灭了！

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德语歌剧和意语歌剧，还是喜欢意语的，喜欢威尔第，更浪漫。瓦格纳作品，权利特征太明显了。

身为草民，不太喜欢，偶尔听听还行。

仨仨

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进步了！

saechinna

瓦格纳全身心的适配少年。

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2025年由Aparté厂牌发行，是Il Pomo d'Oro莫扎特交响曲全集的第三卷，收录《D大调第35交响曲“哈夫纳”》（K.385）、《C大调第36交响曲“林茨”》（K.425）及《G大调第三小提琴协奏曲》（K.216）。

   • “哈夫纳”交响曲：改编自1782年为萨尔茨堡贵族哈夫纳家族创作的《第二哈夫纳小夜曲》，莫扎特删减乐章并添加木管声部后形成交响曲，1783年维也纳首演由作曲家亲自指挥。

   • “林茨”交响曲：1783年莫扎特途经林茨时仅用四天完成，以应对临时音乐会需求，展现其创作爆发力。

1. 第35交响曲“哈夫纳”

• 第一乐章：Emelyanychev以锐利的动态对比呈现奏鸣曲式的庆典氛围，乐团以“跨越两个八度的提琴起奏”突显豪迈气魄，木管组在历史乐器加持下赋予音色古雅质感。

• 行板乐章：双簧管与大管的平行三度重奏被处理得轻盈灵巧，体现维也纳风格的优雅。

• 终曲急板：取材自歌剧《后宫诱逃》咏叹调，乐团以回旋奏鸣曲式构建欢腾尾声，弦乐疾速跑动如“刀锋般精准”。

2. 第三小提琴协奏曲

• Aylen Pritchin的独奏：在行板乐章中展现“甜美的音色与细腻的运弓”，中段与双簧管、圆号的对话充满即兴趣味；终乐章回旋曲以“俏皮的跳弓与揉弦”激活莫扎特的幽默感，与乐团形成“精灵般的呼应”。

3. 第36交响曲“林茨”

• 慢板乐章：Emelyanychev采用摇曳的节奏处理，中提琴声部在复调段落中浮现出罕见的抒情性，被乐评誉为“林茨天空下的忧郁云影”。

• 末乐章：乐团以紧绷的张力推进主题变奏，定音鼓的Historical Timpani（羊皮鼓）强化了巴洛克式节奏驱动。

遵循Harnoncourt倡导的“古典时期快速基准则”，首乐章Allegro较传统演绎提速20%，慢乐章剔除浪漫化拖沓，还原莫扎特手稿中“Allegretto替代Andante”的原始意图。使用羊肠弦提琴、古典单簧管（Boxwood Clarinet）及自然圆号，使《哈夫纳》第三乐章小步舞曲的舞蹈韵律更贴近18世纪宫廷气质。通过极端强弱对比（如突弱至ppp后爆发的ff和弦）重构“Sturm und Drang”（狂飙运动）美学，尤以《第36交响曲》发展部最为震撼。

• 《留声机》2025年度编辑精选：乐评盛赞其为“本真主义与浪漫精神的完美和解”，Pritchin的独奏“重新定义了莫扎特协奏曲的优雅边界”。

• 历史意义：专辑延续了Il Pomo d'Oro“以考古精神复活经典”的路线，与指挥Giovanni Antonini的“Haydn 2030计划”形成双峰并峙。

• 争议点：部分乐评认为《第36交响曲》末乐章过快的速度牺牲了弦乐的清晰度，但整体仍被认可为“当代莫扎特演绎的里程碑”。

此专辑不仅是历史乐器演绎的技法宝库，更通过Emelyanychev对乐谱的深度考据，揭示了莫扎特交响曲中“庆典性外壳下的情感暗流”。Pritchin如歌的琴音与乐团棱角分明的响应，共同构筑了古典主义精神的当代回响。

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“专辑为纪念肖斯塔科维奇逝世50周年而作”是波士顿交响乐团（BSO）历时十年（2015-2025）打造的“肖斯塔科维奇全辑”系列的收官之作。

BSO与指挥安德里斯·尼尔森斯（Andris Nelsons）的“肖斯塔科维奇全辑”始于2015年，原计划以“斯大林阴影下的肖斯塔科维奇”为主题录制5张交响曲，后扩展为涵盖15部交响曲、主要配乐作品及协奏曲集的全集计划。该系列不仅是对肖斯塔科维奇作品的系统演绎，更融入了尼尔森斯对作曲家“在政治高压下保持艺术良知”的理解——他曾表示：“肖斯塔科维奇的音乐是‘带刺的玫瑰’，既要在体制框架内生存，又要传递人性的反抗。”

王羽佳的这张专辑是该系列的重要组成部分：
  
• 协奏曲部分：收录《C小调第一钢琴协奏曲》（Op.35）与《F大调第二钢琴协奏曲》（Op.102），前者融合爵士元素与古典结构，后者是肖斯塔科维奇为儿子马克西姆创作的生日礼物，充满“害羞而温柔”的天性；

• 独奏作品：精选《24首前奏曲与赋格》（Op.87）中的6首，以“微观叙事”展现肖斯塔科维奇对巴赫的致敬与现代性的反叛。

录制细节与艺术特色：BSO与王羽佳的“化学反应”

专辑录制于波士顿交响大厅（BSO的主场），依托其卓越的音响效果，呈现出“空间感与动态平衡”的完美融合。尼尔森斯的指挥风格为作品注入“清晰的结构性”：他注重乐队的层次感，让弦乐与木管的色彩与王羽佳的钢琴形成“对话式互动”——例如《第一钢琴协奏曲》中，小号首席托马斯·罗尔夫斯（Thomas Rolfs）的独奏与钢琴的“戏谑式回应”形成鲜明对比，尼尔森斯通过节奏的把控，让这种“对抗”更具戏剧张力。

王羽佳的演绎则以“爆发力与细腻感并存”著称：

• 《第一钢琴协奏曲》的快板乐章，她用“明快的触键”模拟爵士乐的“歪歪扭扭”，却又不失古典的严谨；  

• 《第二钢琴协奏曲》的慢板，她以“克制的乐句处理”展现肖斯塔科维奇“孩子气”的温情，与乐队的“辉煌”形成反差；

• 独奏作品中的《前奏曲与赋格》，她用“清晰的织体”与“犀利的触键”拆解巴洛克的“绝对秩序”，注入现代主义的“尖锐”。

收官的意义：肖斯塔科维奇音乐的“当代激活”

BSO的“肖斯塔科维奇全辑”系列不仅是“录音遗产”，更是“当代诠释的样本”。尼尔森斯与王羽佳的合作，让肖斯塔科维奇的音乐从“博物馆标本”变为“活着的对话”——他们没有“神圣化”作曲家，而是用“现代性的视角”解读其作品中的“矛盾性”：既保留了“社会主义现实主义”的框架，又通过“爵士、蓝调”等元素传递“人性的反抗”。

对于收藏者而言，这张专辑是“肖斯塔科维奇钢琴作品”的权威版本：它不仅收录了经典协奏曲，更通过独奏作品展现了作曲家“不为人知的一面”；同时，BSO的“十年系列”也为研究肖斯塔科维奇的音乐提供了“系统性的听觉资料”。

王羽佳与BSO、尼尔森斯合作的这张专辑，既是“肖斯塔科维奇逝世50周年”的重要纪念，也是“BSO十年肖斯塔科维奇计划”的完美收官。它通过“当代性的诠释”，让肖斯塔科维奇的音乐重新“活”在当下——既保留了历史的厚重感，又注入了现代的活力。对于古典乐迷而言，这是一张“不能错过”的专辑，它不仅能让你“听懂”肖斯塔科维奇，更能让你“爱上”他“带刺的温柔”。

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莱比锡是德国东部最具吸引力的旅游目的地之一，在这里古典音乐遗产与革命历史在历史悠久的城市中心的每个角落相遇。宏伟的市政厅占据了市场广场的中心位置，而圣尼古拉斯教堂作为马丁·路德曾经布道的场所，见证了1989年的和平革命以及随后的德国统一。

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StereoMark 发表于 2025-11-7 20:56
“专辑为纪念肖斯塔科维奇逝世50周年而作”是波士顿交响乐团（BSO）历时十年（2015-2025）打造的 ...

王羽佳这张录音可以说是用特殊视角对老肖作品的现代复活。值得聆听，更值得收藏。

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Sonata for Cello and Piano, Op. 40 IV. Allegro

2018年，中提琴演奏家保罗·纽鲍尔在美国首演了肖斯塔科维奇的《即兴曲》；他和安妮-玛丽·麦克德莫特在这里与中提琴和大提琴奏鸣曲一起呈现了这部作品。

还有一些零碎的东西值得发掘，我想大多数读者会和我一样，对这部迷人又苦涩的《即兴曲》感到陌生。这部作品完成于1931年，当时肖斯塔科维奇24岁，献给格拉祖诺夫四重奏的中提琴手亚历山大·里夫金，直到2017年才被重新发现。保罗·纽鲍尔（与钢琴家吴汉合作）在次年进行了美国首演。事实上，马修·利普曼和亨利·克莱默之前有一个更好的录音，作为他们题为《上升》的混合独奏会的一部分发布（Cedille, 5/19）。虽然只是个小作品，但那些错过它的完美主义者肯定会想听听。在FHR的深思熟虑的附注中，《留声机》的理查德·怀特豪斯认为它可能是个返场曲目。在这里，它起到了插曲的作用。

我们以大提琴奏鸣曲开始，这是肖斯塔科维奇作品中的关键之作，因为它展示了他以更简单、更易接近的风格作曲，这种风格很快就被迫成为他的主要公众声音。虽然这次改编为中提琴并没有带来太多亮点，但损失也相当小。有几位演奏家进行过改编，包括维克托·库巴茨基、叶夫根尼·斯特拉科夫和安妮特·巴托尔迪。纽鲍尔表示，他“选择尽可能忠实于原版大提琴版本，将一些段落提高一个八度以适应中提琴的音域”。

一如既往，更具挑战性的聆听是中提琴奏鸣曲，这是一部自愿的告别之作，用安妮·玛丽·麦克德莫特的话来说，它“存在于一个远超出我们人类理解的宇宙中”。在这里，肖斯塔科维奇采用了施尼特凯式的态度，比往常更明显地引用贝多芬（《月光奏鸣曲》），似乎还暗示了一系列减弱的原型。尽管中提琴的开场可能是对伯格小提琴协奏曲的拨弦式引用，但我感谢罗布·考恩指出钢琴部分开始于巴托克的《弦乐、打击乐和钢片琴音乐》的回忆。怀特豪斯记录了施特劳斯的《唐吉诃德》在作品另一端的出现。部分由于纽鲍尔的音色较轻，音响效果更丰富，这感觉比1985年尤里·巴什梅特和斯维亚托斯拉夫·里赫特传达的乐谱压迫感要小。最后的慢板在蒙大拿州田园诗般的蒂佩特瑞斯艺术中心的奥利维尔音乐谷仓中，于2018年9月录制，展现了非凡深广的音响性。

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12 Études, Premier Livre, L. 136: I. Pour les cinq doigts - d'après Monsieur Czerny

有了“留声机”概念专辑奖，我们想表彰的不仅是制作精良的作品，更是一种有深意的专辑——它最好从头到尾完整欣赏，而不是像流媒体时代那样，轻易被切成单曲。我们寻找的是一张超越单曲总和的专辑，一个在卓越且富有感染力的演绎中栩栩如生的整体。

George Xiaoyuan Fu (付骁远) 的第二张专辑《Colouring Book》在Platoon平台上发布，这张专辑的核心是德彪西的《练习曲》，分为两册共12首曲子，它们为21世纪的一些练习曲提供了框架，这些新作延续了德彪西对这一体裁的探索。毫无疑问，这张专辑的成功很大程度上归功于Fu对德彪西作品的精彩演绎。Jed Distler在最初的评论中称赞了这位钢琴家“迷人的诠释”，并赞扬了他“丰富的天赋和卓越的音乐才华”。即使有像内田光子（Decca, 7/90）和Jean-Efflam Bavouzet（Chandos, 12/08）这样的标杆，以及Steven Osborne（Hyperion, 12/23）最近的录音，Fu的表现依然脱颖而出。

当然，光靠一套德彪西的《练习曲》还不足以让这张专辑成为概念专辑的获奖作品。最终，《Colouring Book》不仅展示了练习曲这一体裁，还成功地将新旧音乐结合在一起，更是一个旨在庆祝色彩和音色作为钢琴演奏核心要素的节目。Ninfea Cruttwell-Reade的《三首钢琴与花盆练习曲》（2019）是对声音的研究，用花盆这样的日常物品进行富有表现力的演奏，就像敲击乐器一样。多彩的效果就像把钢琴放在一个小型甘美兰乐队的中间。Matthew Aucoin为George Fu创作的《三首练习曲》（2014），以及钢琴家自己极具创意的《基于Radiohead主题的帕萨卡利亚》（2020），都以如此精湛的技巧、自信和丰富的色彩呈现，很难想象还有更好的演绎方式。将如此富有想象力的新音乐带入主流，而不是将其边缘化，本身就是值得庆祝的事情。

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付骁远演奏的水平可以吧？钢琴演奏大赛拿一等奖，跟音乐整体制作奖项截然不同的概念。演奏大赛是评委听，选手演奏，听的是选手的水平。然而，录音制作可不是选手水平够就可以的。以前国内很不重视这一点，过分看重音乐家的能力，当然，这一点很重要。但是放到整个音乐制作体系里，音乐家的能力只是其中一个环节。

如何能将优秀的演绎记录下来？有人去学演奏，也要有人去学录音，全链条都要人才济济，才能制作出演录俱佳的音乐作品。

我们应该去太和殿，秦皇陵，这些场地去录制音乐，那一定是与众不同的。

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阁下的超大型扬声器回放哪些作品更符合它自身的气质呢？

如果您已经构建了一套，超级大型的扬声器，仅仅用它来听听普通歌曲？恐怕不能够让这套系统进入最佳工作状态。发烧友经常犯的错误就是把小型扬声器尽量往大声调，让这些可怜巴巴的小喇叭，尽量回放那些那些超出它频域宽度的录音作品。然而，真正的遇到大型系统，又会让它回放那些口水歌，小编制的音乐作品。如同大扳手搞小螺丝钉，小扳手搞大螺丝钉，典型的用错了工具。不过说实在的，要去欣赏古典音乐， 尤其那些编制规模较大的音乐，没有一套素质过硬，调试极佳的音响系统？那就只有从耳机中感受音乐的魅力了。不过就算是耳机，也有着遗憾与不可弥补的缺陷。



这张照片是感恩至死乐队现场演出时采用的音墙扩声系统。这是一套复杂到让人咂舌的现场扩声设备。耳机系统在这样的场面面前应该如何应对呢？所以欣赏音乐这件事，从来不是纯粹听力来主导的，听力只是其中重要的环节。看照片都足够震撼的，想象一下，如果亲历现场，那该有多么的让人振奋呢？

偏偏Live就是这样的遗憾，我们可以追忆，但是无法复制。作为现代人，看到如此古代的照片，也就只能缅怀与脑洞大开的去想象啦。这是全球第一套音墙演出系统，根据经历现场的乐队成员与音响工程师留下的只言片语记录，这是一场无法被超越的演出活动，给人留下了印象深刻的体验感受。

是啊，再好的耳机，欠缺的而无法弥补的始终是“体验感”。



这是专为影院而设计的全号角扩声系统，照片中身穿白大卦的神秘人是这套系统的组装工程师。他恰恰与另外一位参与曼哈顿计划的原子能工程师同名同姓，一个字母都不差。应该不是同一个人吧？这套全号角系统是用来解决古代电影院中低频浑浊的问题。它是近全音域，效率达到100dB以上的扬声器。看着就足够震撼，让人心潮澎湃。

假如一个30人的合唱团，以轻声合唱（mezzo-piano，mp），分贝值约为70-85分贝。若以正常力度（mezzo-forte，mf）演唱，分贝值约为85-100分贝。 这还并非全发力的状态呢？30人合唱团在具有水准的指挥下，齐声合唱，可以让在礼堂10米开外的你，听清每个字的发音。

用耳机的遗憾是无法去塑造这样一个鲜活的声场。阁下如果认为将大型扬声器调到大耳机的效果那才是对的？ 完全错！那只能说是很入门的水平。因为这件事在现代科技的加持下，很容易做到。只要你的扩声系统能输出足够高的声压级，那就满足了第一个重要条件。

但是要去塑造一个鲜活的现场，那就是感恩至死乐队那般，音墙，在恰当的距离与空间形成一个模拟的鲜活声场。



在18世纪早期，欧洲人就已经在研究这种听觉享受了。那时候铜管乐器还没有在古典音乐作品中被使用，直到巴赫怀着遗憾的离开这个世界，他也没能将铜管乐器融入他历经25年等待的作品中。这部作品就是他的B小调Mass，BWV232。可以说，巴赫是怀着遗憾写完《信经》Credo，离开这个世界的。铜管乐器的纳入，成为了古典主义与浪漫主义重要的分水岭。

所以，各位大师们，如要功其事，必先利其器。 如果兜里实在“米”紧，那就不如像我这样听听耳机算了。

1733年，巴赫为萨克逊选侯西格斯蒙德三世创作了《垂怜经》（Kyrie）与《荣耀经》（Gloria），旨在谋求宫廷作曲家职位。B小调Mass的原型就这样诞生了。这部作品巴赫生前未听过完整演出，首演于1845年（出版年），完整公演迟至1934年。

巴赫身为新教路德宗信徒，却采用天主教弥撒形式。因新教改革后保留了弥撒核心部分（仅删减“奉献”段落），故作品包含《垂怜经》《荣耀经》《信经》《圣哉经》《羔羊经》五部分，属“康塔塔-弥撒”（Cantata-Mass）体裁，融合歌剧式独唱、合唱对比及宏丽管弦乐色彩。

1845年，巴赫手稿整理后在瑞士出版，出版商看完乐谱后给出了极高的评价，誉其为“所有时代与民族中最伟大的作品”。 当然，那是在1845年的评价，他自然没听过音乐厅里中国爱乐者们齐声合唱《我的祖国》的震撼。指挥家斯托科夫斯基称其为“音乐领域最崇高的作品”，蕴含“全宇宙情感与意识”。无论怎么说，这部作品都受到了专业人士极高的评价。斯托科夫斯基这么说并非只是一时热情，因为这是一部首尾相接的作品，在最后一个乐章结束时，再回到第一乐章是无缝衔接的，它预示着生生不息与复活。这是巴赫临终前看到的未来的光明与希望。

最近为什么对这部作品感兴趣，是因为一位不著名的指挥家带领他的皮革马力翁乐团拿了留声机唱片的合唱大奖。BBC古典音乐给了5星评价，BBC是这样吹捧的：合唱和器乐部分在整个作品中都表现得非常严谨、特色鲜明……有无数版本的这部作品可供选择，但每位合唱音乐爱好者都应该考虑将这一动态的、富有想象力的全新演绎加入到他们的收藏中。这确实是非常杰出的。

哎呀，BBC这样评价，那么多著名乐评人应该不会不要老脸了吧？难道他比巴赫权威李希特还好？严谨？比卡拉扬还严谨？我真的不太相信呢。

留声机的评价更可气。“作为起点，音乐完全按照自己的方式呈现——基本上是皮雄的个人愿景——因此那些精心排练的、确立‘时期’词汇的陈词滥调被悄无声息地抛弃了，取而代之的是新鲜出炉的……这部B小调弥撒曲确实是最优秀的作品之一”。

古早的当属李希特在1961年的录音，被誉为“黄金十字架”版。具有现代性代表的，让巴赫染上浪漫主义色彩的当属卡拉扬在1970年代的录音，当时卡拉扬用的女高音特别厉害。当然，这个女高音不是施瓦兹科普夫，她因为是EMI老板的太太，蹭着卡拉扬录制了不少作品，就实力而言，不能说她没实力，只能说那个时代实力强悍的太多了。1970年代版是卡拉扬与女高音雅诺维茨合作的版本，这个版本在各大音乐平台极为难找。最后还是让我在网易云音乐里扒拉出来了。苹果古典里都没找到呢。光找这版唱片，我就花了不少时间。雅诺维茨可不是一般人，小克莱伯的名盘自由射手，封面是双筒枪那个，就是跟她合作的。当然她著名录音太多了，这里就不罗嗦了。




李希特的版本很棒，我不可能在创作上挑出李大师的问题，他是在尽量的贴近巴赫时代，寻找巴赫的灵魂。这个乐团就是德国人为巴赫而缔造的。但是在合唱时，你能听到磁带哆嗦的声音，当年做阿奇夫母带修复的团队是dCS，世界一流的数码技术大师也没能解决磁带先天的问题。这一版发力合唱时会有明显早期录音动态不足的问题显露出来。如果你的回放设备足够好，你会感受到，很明显。话说回来作为模拟录音，它在弦乐和独唱段落又是那么迷人。话说回来了，作品是一个整体，它并不是切片的，它是一整部作品，而不是片段化的试音碟。




卡拉扬的作品是带着鲜明卡拉扬特点，Mass In B Minor BWV 232 / Kyrie:Kyrie Eleison一开场就让我感受到了希特勒式的征服感。总之，卡拉扬这么玩的时候，他一定不会考虑犹太人怎么想的。 卡拉扬的版本很过瘾，很激情，很浪漫，但是它唯独缺少了这部作品的魂魄，生生不息，首尾相连，重生复活。其实我想，在音色方面，巴赫如果活着，他一定会喜欢卡拉扬的。为什么呢？因为这部作品开始就是献给西格斯蒙德三世的，卡拉扬的气质更符合宫廷贵族。其实有些时候，精神上匮乏点没什么，物质上还是需要充裕的。网约车司机和快递小哥们迫切的需要马内。精不精神的，在现实中有时显得真不那么重要。




Raphal Pichon（拉斐尔·貔貅）的这一版太新了，导致AI都没有学习到。所以，这篇乐评必须我亲手敲打才行。貔貅是个法国人，从地域归属上来看，他从小就不是混德国圈子的，职业生涯最初是唱假声男高音的，这行业丁丁有没有被割还不一定呢。2006年，他创建了皮格马利翁乐团，就开始潜心钻研巴洛克音乐了。他是音乐世家的子女，如果真的割了丁丁，那还的确让人刮目相看。都说什么：“为艺术，为爱情”啊？什么是奉献？为了极致表现力，放得下身上三两三，这才是奉献呢。

反正，我只能崇拜而做不到一点的。

就是这样一个法国人，他在李希特与卡拉扬之间找到了极佳的平衡性。难怪BBC给那么高的评价，留声机给了合唱金奖。这是巴赫B小调Mass近几年难得一闻的优秀作品，演录俱佳。录音水准完胜之前的古代版本，如果你们还认为古代录音技术厉害，那不如去听听卡拉扬1961年的版本。Hertha Tpper（赫塔·托佩尔）后来有一个现场版的录音，也是一地稀碎，这可是曾经跟李希特大师合作过的女中音。录音作品就是试金石，名气，荣耀，一切在录音中都不会体现，录音反应的就是真正的实力。虽说Raphal Pichon（拉斐尔·貔貅）还没有离开这个世界，是不能参与封神的，但是这版录音绝对是难得佳作。他像李希特那样透视了巴赫的神髓，又极为克制的使用了卡拉扬般辉煌的技巧。连挑剔的欧洲乐评家们都挑不出什么毛病，我还能说什么呢？

阁下的大喇叭值得回放这种水准的作品，因为只有这样，才对的起您昂贵扬声器的身价。来吧，闭上眼睛感受从生到死，由死向生的极致音乐魅力吧。

StereoMark

今天的音乐听的不错，早点下班回去吃根美味法棍舒坦一下。

StereoMark

法棍，味道不错。老同志们都睡得晚。

saechinna

看了下片架，用力抽出一本厚盒。
1965年，卡尔李希特指挥巴赫的圣诞清唱剧（BWV.248），女高音是雅诺维茨。