电影中的音乐杂谈

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莫里斯·贾尔（Maurice Jarre）

法国人，代表作:《阿拉伯的劳伦斯》《日瓦戈医生》《印度之旅》(1984),《人鬼情未了》《云中漫步》,《春风化雨》(1989),《迷雾森林十八年》(1988),《致命诱惑》(1987),《证人》(1985)


     身为电影音乐史上最具代表性的音乐家之一， 然而在十六岁之前，莫里斯·贾尔（Maurice Jarre）却对音乐一无所知。

　　莫里斯·贾尔（Maurice Jarre），１９２４年９月１３日生于法国里昂的俄裔家庭，父亲是法国广播公司地方电台的技术工程师，在十六岁之前，他没有接受过任何正统音乐训练，他自称：那时我连A大调和C大调的差别都区分不出来。但这显然无损他对音乐的感受力和热情，十六岁那年父亲带回一些老旧的唱片，这些音乐深深的打动了Jarre，他提到：我记得那是李斯特的匈牙利狂想曲，那一刻我就立志要成为一名指挥家。不过，对乐器的学习来说，Jarre的起步还是太晚了些，尽管Jarre很希望
能学习钢琴，然而他的年纪和手指的发育都不合适此类乐器的学习。在指挥家好友Charles Munch的支持下，Jarre并没有就此放弃，Munch认为Jarre虽然不适合学习一般的演奏乐器，但他鼓励Jarre加入交响乐团的打击部门，他告诉Jarre：你有很好的节奏感，更重要的，你有一颗音乐的心。同时Munch也认为加入交响乐团有助于Jarre对音乐的了解。Jarre之后进入巴黎音乐学府Paris Conservatoire学习打击乐，并在Jacquesdela Presle，Louis Aubert和Arthur Honegger门下学习作曲，同时他也在交响乐团中担任鼓手，Jarre开始相信他的朋友是对的，他说：作为一名鼓手对我来说是很理想的，这让我有很充分的时间观察整个乐团中每一种乐器的表现。

　　除了学习作曲理论和打击乐器之外，Jarre在求学时期还研习了两项对他日后的配乐生涯有极大帮助的音乐素材，那就是民族音乐和电子合成乐。民族音乐实际上是Paris Conservatoire的规定课程，每一名学生都必须选修五个不同区域的民族音乐课程，Jarre当年的选择是俄罗斯，日本，南美，印度和阿拉伯，而电子合成乐则是Jarre的课余兴趣，电子乐器在当代并不普及，同时有浓厚的实验色彩，但Jarre对这样的音乐素材产生了独特的直觉与感受，进一步也加入Musique Concrete Form.学
习电子合成器的运用。

　　毕业之后，Jarre于１９５１年加入舞台戏剧团体Theatre National Populaire，担任音乐指导的工作，开始为戏剧作品谱写音乐，第一部电影音乐作品则是1952年，法国导演Georges Franju的反战纪录片《Hotel Des Invalides》，之后Jarre与Franju陆续合作了多部作品，也日渐成为法国电影音乐的新秀，同时Jarre也致力于其它非电影音乐的创作，包括了芭蕾，交响曲与舞台剧等各种作品，而1962年，为英国名导大卫·里恩的《阿拉伯的劳伦斯》一片配乐，不仅将Jarre的舞台由法国扩展到了
好莱坞，同时也成为Jarre音乐生涯的转折点。

　　大卫·里恩不仅是Jarre的益友，也是Jarre的良师，两人相遇之时，大卫·里恩已是权威大导 ，但Jarre方才初出茅庐，当时Jarre因为《Sundays and Cybele》一片的配乐，引起了制片人Sam Spiegel的注意，而应邀加入《阿拉伯的劳伦斯》一片的音乐制作，除了Jarre之外，受邀配乐的音乐家尚有Benjamin Britten和Aram Khachaturian两名配乐好手，这对当时名不见经传的Jarre来说，是十分兴奋的事，但工作的进行并不顺利，直到电影首映前四个月，Jarre不但没有看到任何电影片段，同时另外两名配乐家也陆续因档期问题退出，直到首映前二个月，情况并没有太大的改善，而且电影公司也一直找不到让大卫·里恩满意的替代人选， 首映迫在眉睫， 而《阿拉伯的劳伦斯》的配乐完全没有动工，Jarre也只写了主题和少数的音乐大纲，但是当大卫·里恩一听到Jarre的作品，立刻一把逮住他说：就是你，不用有别人了，小伙子，你来替我的电影完成配乐！Jarre不眠不休的在四个星期之内完成全片的作曲与录制的工作，而这部作品，不仅开启了他与大卫·里恩脍炙人口的合作生涯，同时也为他赢得了第一座奥斯卡金像奖。１９６５年，大卫·里恩执导史诗钜作《日瓦哥医生》，再次找上Jarre，当时分工精细的米高梅片厂告诉大卫·里恩：“Jarre或许对阿拉伯和沙漠很在行，不过对于冰天雪地的俄罗斯，我们有更出色的人选”，当代的好莱坞片厂分工极细，音乐部门不但有专属的配乐交响乐团，旗下网罗了各具不同专长与特色的作曲家，甚至还有专门谱写审核主题曲的部门。但大卫·里恩很干脆的回答：”不论你们怎么想，我只要上回那个年轻人，要他立刻到西班牙与我会合”，在大卫·里恩的要求和指导下，Jarre以《日瓦哥医生》二度拿下金像奖，主题曲“Lara's Theme”在当时创下单曲的卖座纪录，也成为电影音乐史上最具经典色彩的作品之一。之后大卫·里恩与Jarre还陆续合作了《雷恩的女儿》与《印度之旅》，其中《印度之旅》为Jarre带来第三座金像奖。对于莫里斯·贾尔而言，大卫·里恩不仅是最好的工作伙伴，同时也是严格的督导者，大卫·里恩会在剧本上指示哪里须要音乐，须要什么样的音乐，而且要求十分严厉固执，也总是鼓励Jarre发挥民族音乐和电子音乐的专长， 和其它导演／配乐家的组合比起来，大卫·里恩和Jarre除了伙伴之外，又多了一分师生的关系。

　　Maurice Jarre对民族音乐的运用， 一方面来自学校时期打下的基础，一方面也来自大卫·里恩的指导和鼓励，使Jarre成为在电影音乐中最早使用民族音乐，同时也是表现最出色的代表性音乐家。从《阿拉伯的劳伦斯》的荒漠炎日，《日瓦哥医生》的冰雪严冬，《危险年代》的神秘东方，《春风化雨》保守典雅的英伦气质，到充满了南美灿烂阳光的《漫步在云端》，在莫里斯·贾尔的音乐中仿佛可以神游四海。同时莫里斯·贾尔（Maurice Jarre）也是在电影音乐中使用电子合成器的先驱者之一，早在１９６５年的《日瓦哥医生》中，Jarre就尝试在音乐中融入电子合成乐，当时电子合成器并不普遍，体积大到须要一台卡车来运送，而且只有很少的功能，最初电影制作人都不信任这类“复杂的高科技音乐”，但Jarre却对这种新的音乐素材极感兴趣，只是Jarre始料未及的是，随着科技的进步，电子音乐发展的十分迅速，也变得十分“便宜简单”，电子音乐反而在７０年代成为制片人为了节省制片经费，而用来取代传统管弦配乐的利器，尽管Jarre不同意为了“省钱”而用电子乐器制造简单的配乐，但他仍致力于电子音乐的研究，试图开拓电子音乐的新风貌，在８０年代之后，Maurice Jarre陆续发表了数部以电子合成器为主的配乐作品，其中较重要的是与导演彼得·威尔合作的《证人》、《蚊子海岸》、《危险年代》和《春风化雨》等。一般来说，Jarre的电子配乐气质十分沉静冥思，音色也偏向深幽空灵，与他的管弦作品有很大的差异，这样的特质，主要是基于Jarre不希望电子音乐在电影中“喧宾夺主”，其中《证人》、《春风化雨》与《迷雾森林十八年》，不仅是早期电子配乐的先驱之作，也获得多项音乐奖的肯定。

　　莫里斯·贾尔一直被认为是最有金像奖缘的音乐家之一，然而第一次以《阿拉伯的劳伦斯》入围金像奖时，他甚至不晓得金像奖是什么，当在法国广播上听到了提名的消息，他很兴奋的打电话给电影制片Sam Spiegel，希望制片大人能提供他参加颁奖典礼的机票，结果制片告诉他：“不！不！你不用大老远来了，这种奖总是只给美国人的，你其实没什么机会的”，结果，Jarre得奖了，只是迟迟等了五个月还收不到奖座，直到五个月后，他在Sam  Spiegel的办公室里发现了他的奖座，才知道原来是Sam Spiegel“不小心”忘了要把奖座给他，总之，Jarre还是高高兴兴的要把奖座带回法国去，不料通关时却又给拦了下来，警卫问：“这是什么？”Jarre骄傲的回答：“这是我的金像奖”结果警卫说：“金像奖？那么这是金的啰？你私自带这么大一块金子出关是要坐牢的！”Jarre很是委屈的说：“不会吧？这只是个奖座而己，何况它不会真的是金的吧？”警卫一面说：“那可说不定， 这玩意儿真的挺重的！”一面又拿出小刀来刮了两道！“喔！”警卫很满意的说：“看来你没事了，这东西只是镀金的而已！”这就是Maurice Jarre拿到第一座金像奖的故事，听来有些悲惨，但Jarre在金像奖的遭遇也有温馨的一面，第二次入围金像奖时，Jarre终于出席盛会，不过周围却没有半个熟人，看来有些孤单，这时前座一个人突然回过身来，笑着对他说：“你是Maurice Jarre吧！我告诉你，我觉得这次你会得奖喔！这是我孙女说的，她说：爷爷，我很喜欢你的音乐，不过我得告诉你《日瓦哥医生》写的更棒！”，这段小小的谈话自然让人生地不熟的Jarre感到些许鼓舞，后来，Maurice Jarre才知道这个陌生人，正是好莱坞电影音乐的龙头老大Alfred Newman，当然，Alfred Newman也是该届的入围者之一。

　　金像奖确实是一项动人与诱人的荣誉，也为莫里斯·贾尔带来很大的成就感，但实际上最让莫里斯·贾尔感到自豪与欣慰的，并不是一个知名奖项的鼓励，而是这些年来，他走遍世界各地，听到各个民族的人，用各种不同的乐器和表现手法，在各种不同的场合演奏他的作品，如《阿拉伯的劳伦斯》，或者是“Lara's Theme”，其中所带来的喜悦，才是真正无与伦比的。




盖布瑞·雅德(Gabriel Yared)

     1949年10月7日出生于黎巴嫩。虽然生在黎巴嫩，盖布瑞·雅德却是在法国获得了事业上的成功。他的代表作包括《纽约的秋天》、《天使之城》、《英国病人》、《情人》、《巴黎野玫瑰》等等。熟悉盖布瑞·雅德音乐的朋友可能都了解，他的配乐极具人物个性和地域性，并且一向很讲究气氛。

　　在《英国病人》原声音乐中，盖布瑞·雅德根据影片的时代特征和地理环境，将其音乐风格划分为具有复古气息的巴洛克音乐和展现北非风土人情的阿拉伯音乐两大类。作为一部堪与《日瓦戈医生》相媲美的爱情史诗片的电影原声专辑，《英国病人》除了在巴洛克和阿拉伯式的整体音乐风格上令人动容之外，还安排了不少富有时代特征的既成音乐的歌曲，其中包括老牌爵士乐艺人和爵士乐团深情演绎的插曲。尽管这些曲子在影片经常是断断续续地出现，但这些时代音乐小品却让乐迷不知不觉沉醉在当时的背景而难以自拔。与不少靠商业性的歌曲来拼凑的所谓电影原声，盖布瑞用心良苦显而易见，也因此囊括了当年的奥斯卡、金球、格莱美、英国影艺学院等多项电影配乐大奖。



　　众所周知，与气势恢弘的美国电影配乐相比，欧洲的电影配乐一向学院气息很浓。它们讲求的是小中见大，即以简单朴素的旋律来展示人物的内心，以静态的音乐来表现动态的场景。这样有时虽会给人一种沉闷枯燥的感觉，但也值得乐迷长时间地细细咀嚼。

　　盖布瑞·雅德说："《英国病人》的主题曲本可以象《辛德勒的名单》那样感人肺腑，只是它的主旋律不如后者令人印象深刻。虽然，人们都认为这张专辑中的音乐十分符合影片的内容，但我总觉得少了些什么。由于曲目上的限制，一向擅长演奏巴洛克音乐的圣马丁室内乐团的表现也不如他们在《莫扎特传》当中的尽情发挥。但无论如何，我对乐队的钢琴师John Constable和音乐歌曲的编排还是很满意的。"

Gabriel Yared 经典配乐作品

  
英国病人 天使之城
  
巴黎野玫瑰 情人


　　奥斯卡提名电影《冷山》，导演过《英国病人》的安东尼·明格拉仍旧是请来了合作伙伴弦乐大师盖布瑞·雅德为这部电影的配乐担纲制作，盖布瑞以钢琴∕提琴∕弦乐编制，谱写出一篇强忍悲怆的柔美乐章，深沉的烙印剧中人物的内心创痛。他的配乐完美的捕捉了同时展现在电影中的阳光下意大利的迷人魅力和人性底层阴暗面蠢蠢欲动式的紧张感。

　　电影音乐往往影响一部电影的质感，但在奥斯卡得奖法则中，却是影片在其他奖项的表现影响音乐的得奖机率。对曾三次入围，并抱走其中一座奖杯的盖布瑞·雅德而言，可能会有个坏消息：《冷山》在其他奖项遭到严重冷落，恐怕会连带使得《冷山》的原著音乐一起被冷冻。但盖布瑞或许不担心，因为此时恐怕他正忙着他个人涯中最浩大的作品《特洛伊：木马屠城》呢。

盖布瑞·雅德主要作品

- 2004 - Troy - 特洛伊
- 2003 - Cold Mountain - 冷山
- 2000 - Autumn in New York - 纽约的秋天
- 1999 - The Talented Mr. Ripley - 天才雷普利
- 1999 - Message in a Bottle - 瓶中信
- 1998 - City of Angels - 天使之城
- 1996 - The English Patient - 英国病人
- 1992 - The Lover - 情人
- 1986 - Betty Blue - 巴黎野玫瑰（又名《37度2》）




尼诺·罗塔（Nino Rota）

      意大利音乐教父，仅电影配乐就写过145部，还不包括其它歌剧，管弦乐作品。他毕业于米兰音乐学院，与意大利名导费里尼合作长达三年，创出无数影音经典。而他在条件远不如好莱坞的情况下，以意大利民谣和过人天份为武器，再加上本土强悍和不屈服的民风，写出了无数脍炙人口的作品。而其中最为耀眼的则就是《教父》，以典型的西西里旋律写出的乐章富含动人的深情。
代表作品：《教父1、2》、《八部半》、《战争与和平》、《在罗马的阳光下》



     1911年12月3日出生在意大利米兰的一个音乐世家里，他的父亲是Nino Rinaldi。Nino Rota在很小的时候便显现出极大音乐天赋，早期他就读于罗马哥斯达尼加音乐学院，他做的第一首较专业的曲子"L'infanzia di San Giovanni Battista"便在米兰和巴黎得到演奏，而那时他仅有12岁。

      后来他又在费城柯蒂斯音乐学院，米兰大学，意大利国立巴力音乐院进行进一步深造。并在20世纪40到50年代为一些歌剧，芭蕾舞剧作曲，
     Rota1933年受雇于意大利的一些电影公司，开始为电影作配乐，并与Franco Zeffirelli, Luchino Visconti Renato Castellani, Mario Monicelli这些导演进行广泛的合作.而他与传奇导演Federico Fellini的合作则最为成功。从1952年起，Rota在25年间为Fellini的16部名作谱写了配乐，其中包括："La Strada" (1954)中文翻译“大路”, "Le Notti di Cabiria"卡比里亚之夜 (1957), "La Dolce Vita" 甜蜜生活(1960), "81/2" (1963), "Satyricon" 爱情神话(1970), "Roma"罗马 (1972), "Amarcord"阿玛柯德,我的回忆,我回忆 (1973) ，"Casanova"卡萨诺瓦 (1976)

      在Rota音乐历程之中值得一提的作品还有"Il Gattopardo"豹 (1963), "Romeo & Juliet" 罗密欧与朱丽叶(1968)，当然还有那部本应为其夺得奥斯卡金像奖的"The Godfather" 《教父》(1972)（这部作品没有获奖主要是因为主题音乐出自他以前为"Fortunella" (1957)制作的配乐）而1975年他与配乐大师Carmine合作，为"The Godfather Part II"《教父2》谱写的配乐最终为他获得了奥斯卡最佳配乐奖的名誉。但可惜的是Rota于1979年4月10日在罗马的家中因病去世，享年68岁。



     费里尼与尼诺罗塔的相识趣闻：在意大利电影城，每逢下班时刻，公车站牌总是大排长龙。但是公车司机却总是将车停在尼诺罗塔面前，让他先上车。每天一起等车的费里尼看不过去，就上前理论。于是，一代导演和音乐家就这样相识了。 在意大利导演费里尼一生所拍的24部影片中，尼诺罗塔负责配乐19部。费里尼曾说：尼诺好像是上天派来帮我完成电影的人！ 尼諾羅塔的音樂在時光裡，卻像不會凋零的記憶，重複著百年電影歷史的青春時刻。

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《帝国》：十大具有里程碑意义的电影音乐

    关于电影音乐之于电影，其影响，其意义，想必无需赘言了。《帝国》杂志评选出了史上十大电影音乐，这个评选标准不单纯是好听与否，有多伟大，而是在电影史的维度来盘点这些具有里程碑意义的电影音乐。



10、《侠盗罗宾汉》（The Adventures of Robin Hood） 1938

      这部电影的原声音乐为现代好莱坞的动作电影音乐奠定了范式，换言之，没有《侠盗罗宾汉》的电影原声，就没有后来《星球大战》和《夺宝奇兵》中大气磅礴、气势如虹的音乐。



      作曲者Erich Wolfgang Korngold将古典的弦乐和繁复的管弦乐编排在一起，编织出令人心醉神迷的宏大音乐网。电影音乐第一次在艺术价值上可以与经典古典乐媲美，乐章中有回旋的华尔兹，激昂的进行曲，还有暗示着紧张与危险却又让人激动不已的切分音。那些回荡在贝多芬、莫扎特音乐中的浪漫、激情还有生命力的蓬勃昂扬，全都借尸还魂，汇入银幕上的迷人世界。


9、《三岛由纪夫传》（Mishima） 1985


     大部分的电影音乐其功能主要是烘托渲染情绪，但是Philip Glass 为保罗·斯拉德的这部人物传记片创作的电影音乐，不仅能够打动观众的心，还能影响观众的思想。



     影片以四个部分展现了三岛由纪夫的生平：（1）对真理和美学的看法；（2）艺术观点；（3）军事方面的活动；（4）剑和笔的统一。Philip Glass用不同的音乐风格来搭配三岛由纪夫人生中的不同境遇：严谨的古典主义音乐用于刻画三岛的早期生活；在他生命的最后岁月里，三岛已经成为一个极端的日本军国主义右翼分子，音乐也变为尚武的进行曲；带有印象派色彩的歌剧应和三岛的美学理念。



     Philip Glass将不同的音乐风格共冶一炉，并统一于主导的极简主义之中。有一处竟然在柔和的弦乐铺垫下演绎摇滚乐的主题，音乐内部的张力和冲撞与影片本身对人性和历史的探讨旗鼓相当。



8、《魔戒首部曲：魔戒现身》（The Fellowship of the Ring） 2001
     《帝国》盛赞这是新世纪以来电影原声中最棒的交响乐。霍华德·肖的作曲既华丽大气，又真诚质朴，它把神秘奇幻的中土世界烘托得可信而且感人。音乐中充斥的情绪容量惊人地复杂，能够在恐吓与威严两种基调之间自如游走。

　　霍华德·肖在大多数乐迷心目中，曾经是一个描写阴森景致与变态情境的高手，不过，《魔戒》系列电影的出现让霍华德·肖成功的扭转了乐迷对他的印象。《魔戒首部曲》的电影配乐为他赢得了第一座奥斯卡奖。《魔戒首部曲》里，霍华德揉合交响乐与歌剧手法，运用远古时代精灵族与鬼魅族的歌声，并广泛采撷非洲、印度、居尔特等世界音乐素材精心酝酿出新世纪的魔幻史诗。

    但让这部电影音乐傲视群雄的制胜法宝还在于其音乐的密度，音乐技巧如此深藏不露，以至于事隔六年再来聆听，还是会有新的发现和感动。虽然由恩雅演唱的主题曲是电影原声中最大的败笔，但瑕不掩瑜，这仍然是张伟大的作品。（PS：《帝国》向来这般尖酸刻薄）

7、《银翼杀手》（Blade Runner） 1982
    在评选时，《火之战车》的电影音乐差点和《银翼杀手》打成平手，尽管有点难分伯仲，但最后《帝国》还是把席位留给了Vangelis Papathanassiou的杰作。在电影公映12年后，Vangelis为这部1982年的未来感实足，又令人毛骨悚然的科幻电影《银翼杀手》创作的原声CD正式发行了，配合电影的科幻主题，配乐也多采用令人胆寒的电子乐，听者似乎可以感受到2019年洛杉矶的全金属街景。但Vangelis Papathanassiou有种天赋，他能在电子乐的冰冷气息中注入一丝忧郁和温暖。

    狂躁的萨克司演奏的那首Love Theme，已成为作者最易被人识别的经典乐章，就像一座温暖的庇护所独立于瑟瑟寒风中。专辑中的那首One More Kiss, Dear创作灵感源自于1930年代的民谣，未来感浓郁的合成器声弥漫到整张专辑中，同时伴有Rudy Vally式的低声吟唱。

　　这位作曲家创作出的旋律简直和雷德利·斯科特充满想象力和魔力的科幻杰作珠联璧合，《银翼杀手》配乐受到中东乐风和新古典主义的启发，还有布鲁斯蓝调的影响，但整部电影音乐毫无疑问是100%的Vangelis作品。



6、《金刚》 （King Kong）1933     马克思·斯坦纳堪称电影音乐之父，他毕生为150多部电影创作过音乐，其中包括《乱世佳人》和《卡萨布兰卡》这样的传世名作。但在他浩繁多产的作品中，《金刚》的电影音乐无疑是巅峰之作。进行曲是音乐的主导元素——你可以想象一下20世纪福克斯公司片头音乐的加快版，密集的鼓点加上激昂的小号，恢宏大气，但也不乏细腻动人之处。当总体音乐极力营造现实感的同时，也提供了戏剧煽情的华彩段落。


5、《人猿星球》（Planet Of The Apes） 1968    任何一个电影音乐的榜单，为了显示其包容性，都会收录一张独树一帜的无调性先锋音乐，而《人猿星球》正是最佳之选。

    杰瑞·高史密斯着意于配合这部猿猴的传奇，而非取悦人类的耳朵。凝重的打击乐是面对宇宙洪荒时的谦卑，吉他的扫弦荡漾开袅袅余情，古钢琴清悠明亮的音色为画面增添几许通透。而巴西吹奏乐器和羊角等具有异域风情的乐器运用，营造出未来与远古交叠的时空穿梭感。
    70年代是电影音乐革命的时代，高史密斯开始尝试在交响乐中融入电子合成乐，如《星舰迷航》、《本能》、《刚果》、《暗夜猎杀》、《铁面特警队》到《花木兰》，都可看到哥德斯密在电子音乐和交响音乐的运用上，取得出色的平衡与效果．

4、《冬之狮》（The Lion in Winter） 1968
     约翰·巴里（John Barry）是当代最具代表性的大师级电影音乐家之一，

     此片是一部宫廷色彩浓厚的古典戏剧作品，约翰·巴里刻意选择以中古时代的宗教音乐、葛利果圣歌，以及拉丁文歌词等体材，做为全片配乐的主要元素，最初连电影制片者，对于将一部宫廷历史剧的配乐，做的宗教色彩如此强烈，都不抱持信心，但巴里完成的作品，的确说服感动了所有人，也包括了奥斯卡的评审们，使他继《狮子与我》的最佳原创音乐与最佳原创歌曲之后，以本片配乐再次拿下最佳配乐奖。



     巴里的配乐极为考究，合声的处理呈现单音清澈的深幽风格，如Eleanor's Arrival、Allons Gai Gai Gai、The Christmas Wine与Eya Eya Nova Gaudia等作品，轻盈优美，素雅端庄，展现了唯美的旋律性与虔敬祥合的质感．而Main Title与We're Jungle Creatures等作品，则呈现了威严慎重，气质稳健的帝王风范。除了大量的将中古世纪乐风的人声结合到配乐里，约翰·巴里也运用了宫廷戏剧配乐特有的铜管鼓号来强化气氛，但作风始终清亮而不花俏，稳重而不沉重，是巴里铜管风格的典型神采。




3、《战火浮生》（The Mission）1986
     埃尼奥·莫里康内（Ennio Morricone）， 意大利电影配乐大师，欧陆电影音乐巨人，迄今参与制作的各国电影已超过400部，与尼诺·罗塔并誉为“欧洲电影音乐领航者”。60年代与导演赛尔乔·莱翁合作，长达20年，开创辉煌里程，多部作品的配乐登峰造极，并将西部片的配乐带到一个全新的境界。莫里康内作曲功力深厚，旋律富有歌唱性，配器构思独特，尤其擅用管乐吹奏乐器带有自如转折的特点，所作配乐悠扬婉转。1986年的《战火浮生》（The Mission）被誉为20世纪最重要的电影配乐之一。与导演朱塞佩·多纳托雷的几次合作更为人所称颂。2007年被授于第79届奥斯卡终身成就奖。

    《战火浮生》是配乐大师埃尼奥·莫里康内一部影响乐坛至深的作品，磅礴的唱诗班式的人声音墙层层堆砌，合成乐器与大型管弦乐团的交融，形成悠远宽广的声音图腾，时至今日，仍有许多电影配乐有着这张专辑的影子。

     在“On Earth As It Is In Heaven”这首曲子中，有一种感人至深的庄严。主题曲中远古鼓点与空灵圣歌交织回响，而“ Gabriel's Oboe ”却有一种萦绕不绝的宁静安详，这些都还只是Ennio 这部伟大作品的冰山一角。

     在斟酌埃尼奥的入选作品时，似乎《革命往事》和《美国往事》这两部具有代表性的流浪镖客系列也差可比拟，但《战火浮生》是埃尼奥毕生的集大成之作。



　　其实，用配乐大师伯纳德·赫尔曼（Bernard Herrman）的作品可以轻易地填满这整张榜单，他从20世纪30年代开始投身电影配乐工作，第一部闻名的配乐之作应属奥森·威尔斯的《公民凯恩》。四、五十年代为多部二十世纪福斯出品的电影配乐，和大导演希区柯克、马丁·斯科西斯、布莱恩·德帕尔玛的合作更是他声名的巅峰。但就Bernard Herrman和希区柯克合作的影片来说，就诞生了多部经典配乐，考虑到健康因素，《精神病患者》那样在神经上制造金属划痕的惊悚配乐就没有入选，毕竟《西北偏北》的“可听性”更高。

    赫尔曼为《西北偏北》所做的方丹戈舞曲风格（fandango）的前奏情绪亢奋，那场经典的飞机追逐戏，在乐曲“Conversation Piece”的衬托下，紧张得叫喘不过气来。这也许不是赫尔曼最典型的希区柯克配乐，却是最耐听的一张原声。



1、《外星人》（E.T.） 1982

      哪部电影音乐占据榜首合适呢？也许《星球大战》更具代表性，《夺宝奇兵》和《超人》有着更加耳熟能详的主题曲，这些毫无疑问都是上世纪电影音乐的经典之作，但在某种意义上讲，《E.T.》原声甚至是他们全部的缩影。约翰·威廉姆斯（John Williams）创作的《E.T.》原声里面有一种难以言传的魔力。它简直专为完美主义者而作，里面的每一部分都无懈可击，摘得榜首的确实至名归。威廉姆斯也凭借本片几乎摘得了所有的奖项：奥斯卡最佳配乐、金球奖最佳配乐、格莱美奖电影电视类最佳原声音乐奖……《E.T.》原声碟的巨大名气使它持续再版，从1986到2002年一共有四次再版发行，拥趸众多。

     小孩和外星人手指相触的那一刻，有多少观众潸然泪下，所有童真的记性和梦想都被唤起。这不仅仅是斯皮尔伯格镜头的魅力，威廉姆斯细腻精巧的抒情歌剧配乐也功不可没。

     配乐首曲以一段长笛演绎的奇怪的旋律开始。然后是一段低沉、阴森的管风琴旋律，这个旋律作为主题贯穿于整部影片。管风琴的音色略带宗教感，让人隐约觉得不安。接着威廉姆斯用另外一段庞大的主题旋律来书写飞行器离开地球的场景。随后追逐场面的管弦乐更是威廉姆斯式的大气旋律，听来荡气回肠。管风琴和管弦乐基调的低沉旋律配合“坏家伙”的出场，精彩绝伦。

    威廉姆斯几乎包办了斯皮尔伯格大部分作品的电影配乐，《大白鲨》、《第三类接触》、《侏罗纪公园》、《辛德勒的名单》都堪称传世名作，但与《外星人》比较起来，再完美无瑕的作品也会相形见拙。

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当代最具代表性的大师级电影音乐家之一John barry
John barry,英国
代表作：《007》系列 《走出非洲》《与狼共舞》《时光倒流70年》《冬之狮》《狮子与我》《午夜牛郎》


约翰·巴里是当代最具代表性的大师级电影音乐家之一，曾以《冬之狮》，《狮子与我》，《走出非洲》和《与狼共舞》获得四座最佳原著音乐金像奖，《狮子与我》的”Born Free”并获得金像奖最佳原著歌曲奖。他的早期配乐作品以００７系列最为脍炙人口，鲜明的音乐形象与历久不衰的流传魅力，比美Ennio Morricone的流浪镖客与John Williams的银河战史。近期的作品则转变成细腻唯美的浪漫史诗风格，如《时光倒流70年》，《远离非洲》和《与狼共舞》等，不仅在各项电影音乐奖项上大有斩获，也成为唱片巿场上历久不衰的长青专辑。大致上来说，我们也的确可以将John Barry的作品区分成早期的爵士音乐，与近期的唯美管弦两种典型风格．
　　John Barry原名Jonathan Barry Predergast，１９３３年９月３日生于英国。由于父亲经营多家剧院（也可当作音乐厅），因此自幼John Barry即与许多欧洲知名交响乐团或音乐家有所接触。John Barry的母亲也是一名钢琴家，而且九岁时便安排John Barry学习钢琴，为John Barry打下很好的音乐根基。加上John Barry称得上是戏院的少东，耳濡目染下，很早就迷上电影与电影音乐。他说很小都就想过自己要当一个像Max Steiner或Franz Waxman那样的电影音乐家，只是不知如何去做这样的事．
　　６０年代，John Barry结束军旅生涯返回英国，他组成爵士乐团John Barry Seven，在流行音乐界颇有一席之地．１９６２年，伊恩·弗莱明（Ian Fleming）的谍特小说００７系列首次搬上大银幕。第一部邦德电影《007》的配乐者原来签定了Monty Norman，但John Barry的朋友邀请John Barry为这部配乐补强一下，希望John Barry能帮忙写一个主题音乐。John Barry原来并不打算答应，因为他认为自己的风格和Monty Norman并不符合，但在重金引诱下，John Barry还是答应替Norman的作品做一些修改。不过John Barry坦白表示要他写的话，恐怕就要完全依他的意思改才行，Norman对这种作法表示：虽然这样让我挺没面子，不过你放手做就是！
    于是John Barry花了整个周末改写一首新的主题音乐。原来John Barry以为这个音乐只会被当成片头音乐，直到后来进了戏院才发现整部电影，到处听得到这个主题。而他不但没有被事先告知，甚至也没有挂名作者。John Barry自然得打通电话向制片人抗议一番。不过，制片告诉他，先别这么生气，因为他们已经决定把所有的邦德电影续集都交给John Barry配乐了。直至今日，邦德主题的原作者，究竟算是Monty Norman还是John Barry仍颇有争议，不过由于后来John Barry陆续谱写了１１部邦德电影音乐，因此，邦德电影音乐仍是John Barry最具代表性的招牌名作．
   
    John Barry最后为邦德电影效力是１９８７年的《黎明生机》，之后陆续由Michael Kamen，Eric Serra与David Arnold等新秀接手。邦德系列不仅让John Barry扬名影坛，建立了谍特斗智电影音乐的基本形象，同时也是John Barry爵士音乐风格的代表作。除了这个系列外，《体热》，《午夜牛郎》以及《棉花俱乐部》等作品，也都展现了John Barry道地的爵士功力，不过近年来John Barry显然较少有这一类的作品了。
　　
    大约自《时光倒流70年》之后，Jahn Barry开始以唯美管弦为主要的作品型态，让人不免为John Barry勾勒出一幅罗曼蒂克的艺术家形象。但实际上Barry的性格却是出名的火爆，这种性格也是基于他对艺术的坚持。比如他毅然退出＜西雅图夜未眠＞和＜惠妮休斯顿之终极保镖＞等卖座影片的配乐，原因都是因为他不认为一个”配乐家”，能在这样塞满歌曲的电影中表现什么。说起来Barry的管弦编曲手法并不丰富，有时几乎是千篇一律，这多少会让人觉得他的管弦作品每一部听起来都很相似。不过由于旋律上的精雕细琢与超凡脱俗的唯美情怀，在这些风格雷同的管弦作品中，John Barry仍旧打造了几部傲视影史的经典名作。也许John Barry正是一名浪漫主义的性情中人，这几部相当杰出的管弦作品，几乎都象征了他生命中的重大历程。John Barry将１９８０年的《时光倒流70年》献给了他在四个月中相继过世的双亲，１９８５年的《走出非洲》则献给因意外而过世的弟弟派屈克，８０年代末期John Barry由于健康因素，导致作品产量锐减甚至停顿（据说是因为误食不合格的“健康食品”导致食道破裂），直到１９９０年才以《与狼共舞》复出，并即刻夺下金像奖，John Barry将这部作品献给三位帮助他度过健康危机的医生。
　　邦德音乐的爵士风情和浪漫管弦这两种典型的乐风，是一般乐迷对John Barry的基本印象。１９９８年John Barry发表非电影音乐的个人专辑”The Beyondness of Things”，也是以这两类的音乐风格为主。不过其实John Barry也写过不少兼具管弦气势与古典史诗美的音乐作品，其中大多是历史剧。１９６８年的《冬之狮》尤其是代表作，也是John Barry本人最喜爱的一部作品。《冬之狮》的故事发生在比音乐记谱更早的时代，John Barry全凭个人的研究和揣摩，塑造出他认为应该存在于那个时代，而且吻合故事情境的音乐，是一部相当精彩的史诗巨构，绝对能让熟悉Barry的乐迷大感惊奇。
　　John Barry最为不愉快的一次配乐经验，大概就是接下Barbra Streisand的《潮浪王子》，他与芭芭拉·史翠珊（Barbra Streisand）始终意见不合，而且他认为Streisand对配乐家的干预太多，他无法和人这般共事，所以最后John Barry还是决定退出这部作品，后来这部配乐由新秀James Newton Howard接手。至于谈到John Barry真正最想做，却没有机会做的电影音乐，John Barry则提出两部电影，一是史丹利·库布力克的《２００１年太空漫游》，坦白说这也是当代许多配乐家渴望能接下的作品，不过最后库布力克选择了古典音乐；另一部则是《天堂电影院》，John Barry说：当然，Ennio Morricone写的音乐很完美，我之所以希望能为这部电影配乐，是因为它的故事内容，俨然就像我的童年生活一般。
　　近年来John Barry的作品数量逐年递减，主要仍是由于健康考量。虽然每年只有一部左右的作品推出，仍旧令不少乐迷引领企首。他的近期作品有《桃色交易》，《终极密码战》，《魔鬼专家》等等。当迈入2001年——Beat Girl问世四十年后，Barry在电影音乐创作上毫无懈怠之相，最近的作品包括Cry The Beloved Rising及Enigma，专辑Moviola和The Beyondness Of Things、Eternal Echoes的成功，使Barry回到伦敦皇家阿尔伯特音乐厅指挥了一系列的音乐会演奏。



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当代最具代表性的大师级电影音乐家之一John barry
John barry,英国
代表作：《007》系列 《走出非洲》《与狼共舞》《时光倒流70年》《冬之狮》《狮子与我》《午夜牛郎》


约翰·巴里是当代最具代表性的大师级电影音乐家之一，曾以《冬之狮》，《狮子与我》，《走出非洲》和《与狼共舞》获得四座最佳原著音乐金像奖，《狮子与我》的”Born Free”并获得金像奖最佳原著歌曲奖。他的早期配乐作品以００７系列最为脍炙人口，鲜明的音乐形象与历久不衰的流传魅力，比美Ennio Morricone的流浪镖客与John Williams的银河战史。近期的作品则转变成细腻唯美的浪漫史诗风格，如《时光倒流70年》，《远离非洲》和《与狼共舞》等，不仅在各项电影音乐奖项上大有斩获，也成为唱片巿场上历久不衰的长青专辑。大致上来说，我们也的确可以将John Barry的作品区分成早期的爵士音乐，与近期的唯美管弦两种典型风格．
　　John Barry原名Jonathan Barry Predergast，１９３３年９月３日生于英国。由于父亲经营多家剧院（也可当作音乐厅），因此自幼John Barry即与许多欧洲知名交响乐团或音乐家有所接触。John Barry的母亲也是一名钢琴家，而且九岁时便安排John Barry学习钢琴，为John Barry打下很好的音乐根基。加上John Barry称得上是戏院的少东，耳濡目染下，很早就迷上电影与电影音乐。他说很小都就想过自己要当一个像Max Steiner或Franz Waxman那样的电影音乐家，只是不知如何去做这样的事．
　　６０年代，John Barry结束军旅生涯返回英国，他组成爵士乐团John Barry Seven，在流行音乐界颇有一席之地．１９６２年，伊恩·弗莱明（Ian Fleming）的谍特小说００７系列首次搬上大银幕。第一部邦德电影《007》的配乐者原来签定了Monty Norman，但John Barry的朋友邀请John Barry为这部配乐补强一下，希望John Barry能帮忙写一个主题音乐。John Barry原来并不打算答应，因为他认为自己的风格和Monty Norman并不符合，但在重金引诱下，John Barry还是答应替Norman的作品做一些修改。不过John Barry坦白表示要他写的话，恐怕就要完全依他的意思改才行，Norman对这种作法表示：虽然这样让我挺没面子，不过你放手做就是！
    于是John Barry花了整个周末改写一首新的主题音乐。原来John Barry以为这个音乐只会被当成片头音乐，直到后来进了戏院才发现整部电影，到处听得到这个主题。而他不但没有被事先告知，甚至也没有挂名作者。John Barry自然得打通电话向制片人抗议一番。不过，制片告诉他，先别这么生气，因为他们已经决定把所有的邦德电影续集都交给John Barry配乐了。直至今日，邦德主题的原作者，究竟算是Monty Norman还是John Barry仍颇有争议，不过由于后来John Barry陆续谱写了１１部邦德电影音乐，因此，邦德电影音乐仍是John Barry最具代表性的招牌名作．
   
    John Barry最后为邦德电影效力是１９８７年的《黎明生机》，之后陆续由Michael Kamen，Eric Serra与David Arnold等新秀接手。邦德系列不仅让John Barry扬名影坛，建立了谍特斗智电影音乐的基本形象，同时也是John Barry爵士音乐风格的代表作。除了这个系列外，《体热》，《午夜牛郎》以及《棉花俱乐部》等作品，也都展现了John Barry道地的爵士功力，不过近年来John Barry显然较少有这一类的作品了。
　　
    大约自《时光倒流70年》之后，Jahn Barry开始以唯美管弦为主要的作品型态，让人不免为John Barry勾勒出一幅罗曼蒂克的艺术家形象。但实际上Barry的性格却是出名的火爆，这种性格也是基于他对艺术的坚持。比如他毅然退出＜西雅图夜未眠＞和＜惠妮休斯顿之终极保镖＞等卖座影片的配乐，原因都是因为他不认为一个”配乐家”，能在这样塞满歌曲的电影中表现什么。说起来Barry的管弦编曲手法并不丰富，有时几乎是千篇一律，这多少会让人觉得他的管弦作品每一部听起来都很相似。不过由于旋律上的精雕细琢与超凡脱俗的唯美情怀，在这些风格雷同的管弦作品中，John Barry仍旧打造了几部傲视影史的经典名作。也许John Barry正是一名浪漫主义的性情中人，这几部相当杰出的管弦作品，几乎都象征了他生命中的重大历程。John Barry将１９８０年的《时光倒流70年》献给了他在四个月中相继过世的双亲，１９８５年的《走出非洲》则献给因意外而过世的弟弟派屈克，８０年代末期John Barry由于健康因素，导致作品产量锐减甚至停顿（据说是因为误食不合格的“健康食品”导致食道破裂），直到１９９０年才以《与狼共舞》复出，并即刻夺下金像奖，John Barry将这部作品献给三位帮助他度过健康危机的医生。
　　邦德音乐的爵士风情和浪漫管弦这两种典型的乐风，是一般乐迷对John Barry的基本印象。１９９８年John Barry发表非电影音乐的个人专辑”The Beyondness of Things”，也是以这两类的音乐风格为主。不过其实John Barry也写过不少兼具管弦气势与古典史诗美的音乐作品，其中大多是历史剧。１９６８年的《冬之狮》尤其是代表作，也是John Barry本人最喜爱的一部作品。《冬之狮》的故事发生在比音乐记谱更早的时代，John Barry全凭个人的研究和揣摩，塑造出他认为应该存在于那个时代，而且吻合故事情境的音乐，是一部相当精彩的史诗巨构，绝对能让熟悉Barry的乐迷大感惊奇。
　　John Barry最为不愉快的一次配乐经验，大概就是接下Barbra Streisand的《潮浪王子》，他与芭芭拉·史翠珊（Barbra Streisand）始终意见不合，而且他认为Streisand对配乐家的干预太多，他无法和人这般共事，所以最后John Barry还是决定退出这部作品，后来这部配乐由新秀James Newton Howard接手。至于谈到John Barry真正最想做，却没有机会做的电影音乐，John Barry则提出两部电影，一是史丹利·库布力克的《２００１年太空漫游》，坦白说这也是当代许多配乐家渴望能接下的作品，不过最后库布力克选择了古典音乐；另一部则是《天堂电影院》，John Barry说：当然，Ennio Morricone写的音乐很完美，我之所以希望能为这部电影配乐，是因为它的故事内容，俨然就像我的童年生活一般。
　　近年来John Barry的作品数量逐年递减，主要仍是由于健康考量。虽然每年只有一部左右的作品推出，仍旧令不少乐迷引领企首。他的近期作品有《桃色交易》，《终极密码战》，《魔鬼专家》等等。当迈入2001年——Beat Girl问世四十年后，Barry在电影音乐创作上毫无懈怠之相，最近的作品包括Cry The Beloved Rising及Enigma，专辑Moviola和The Beyondness Of Things、Eternal Echoes的成功，使Barry回到伦敦皇家阿尔伯特音乐厅指挥了一系列的音乐会演奏。



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电影音乐:拾起已遗失的记忆(转)


如果你喜欢看电影，总有一些影像令你记忆深刻、总有一些声音让你难以忘怀。但是，你知道，人的记性是不好的，所以有的时候这些画面和声音会突然蹦出来告诉你曾经发生过的事和遇见过的人，所以有时候我们也会突然想起这些影像和声响，然后去猜测某段遗失的记忆和感伤。

1 Trainspotting （迷幻列车）
导演：丹尼·博伊尔
配乐：Blur、Leftfield、New Order、Pulp、Sleeper、Underworld、Primal Scream等
没有人会忘记Trainspotting，关于迷茫、关于死亡、关于磕药、关于*、关于友谊，构筑了这座纪念我们青春的墓碑。当然还少不了英伦摇滚新浪 潮的诸多代表：Blur、Leftfield、New Order、Pulp、Sleeper、Underworld，阵容之鼎盛可谓非同一般。最爱其中Lou Reed的一首《Perfect Day》，这时才发现居然生与死之间的朦胧也可以如此的安详和宁静。


2 Eleni Karaindrou（永恒的一日）
导演：安哲洛普洛斯
配乐：海伦·卡兰德罗（Eleni Karaindrou）
正如爱琴海地区的特有的风景和文化一样，希腊导演安哲洛普洛斯总是用滞缓凝重的长镜头去表现他对生命、精神、宗教的热爱。而与他一起合作了近二十年的女 作曲家海伦·卡兰德罗则为这些灰朦苦涩的画面添上充满诗意和哲思的音符。或者钢琴的清脆、或者交响乐的恢宏、或者长笛的悲鸣，即便是同样的旋律在海伦的编 曲下也呈现出不同的特质和情感。




3 Run Lola Run （疾走罗拉）
导演：汤姆·提克威（Tom Tykwer）
配乐：Tom Tykwer、Reinhold Heil、Johnny Klimek
德国是欧洲文明的发源地之一，无论是古典的音乐、哲学、文学，还是现代的电影、艺术、电子舞曲你都可以发现德国拥有一大批的优秀艺术家。《Run Lola Run》这部结合Techno、Trance舞曲的视觉盛宴、结合真人与动画的三段式机遇与命运的电影，总是令我有跑起来的冲动。


4 Round Midnight （午夜情深）
导演：Bertrand Tavernier
配乐：Herbie Hancock等
以爵士大师Bud Powell、Lester Young上世纪50年代在巴黎的真事为蓝本的电影，爵士乐史上最重要的一部电影。此片讲述了一个流落异乡的爵士乐手为了艺术和生活而挣扎，一颗受困于酒 精和毒品、渴望听众却郁郁不得志的心灵。而饰演剧中主角的萨克斯风大师Dexter Gorden亦凭藉此片，也因此获得86、87年奥斯卡以及金球奖最佳男演员提名。
在Herbie Hancock与Bertrand Tavernier的巧妙安排下，所有贯穿于影片中的演出皆为现场即兴作品，这真可谓是爵士乐的精髓所在啊！除此之外，参与演出的乐手几乎囊括了当时所有 最具实力的乐手，包括钢琴手Herbie Hancock、Cedar Walton、贝斯手Ron Carter、鼓手Tony Williams、Billy Higgins、萨克斯风手Wayne Shorter、小号手Freddie Hubbard、Chet Baker等。大碟一经推出便成为爵士乐迷争相收藏的精品。


5 The Virgin Suicides （处女之死）
导演：索非亚·科波拉Sofia Coppola
配乐：Air
提起Sofia Coppola大家可能会想到前一段时间频频获奖的《迷失东京》（Lost in Translation），也许还会想到她那位拍摄经典电影《教父》的父亲弗朗西斯·科波拉（Francis Ford Coppola）。
不过在这里我要说的是这部电影的配乐——来自法国的当红电子乐队Air为这部当时还名不见经传的电影做的13首迷幻电子小品。原本浪漫的Air在这张专 辑里表现的忧郁、压抑、哀伤、无奈，也许是配合影片中70年代的背景，音乐也略显怀旧。特别喜欢第一段《Playground Love》里萨斯风低调朴实的演奏。




6 The Million Dollar Hotel（百万美金酒店）
导演：文·温德斯（Wim Wenders）
配乐：U2等
U2乐团的主音Bono、小号手Jon Hassel、当代环境音乐宗师Brain Eno、另类民谣界的Daniel Lanois等等构成了这支所谓的MDH Band。在这部充满黑色幽默和悲*怀的电影里，我们可以看见如天使落入凡间的Milla Jovovich（米拉·尤沃维奇）、听着Bono深情真挚的歌声悼念TomTom的死去。


7 东邪西毒
导演：王家卫
配乐：陈勋奇、Roel A.Garcia
王家卫不光电影有一套，电影的配乐也非常不错。《春光乍泄》、《重庆森林》、《花样年华》都很耐听，不过我最喜欢的还是《东邪西毒》。鼓声、洞箫、扬琴与电影里的大漠、孤烟、落日相互辉映配合的天衣无缝，的确是不可多得的电影配乐。
说起这部电影的作曲陈勋奇大家也许会有些陌生，但翻开香港电影的历史我们可以发现，这个貌似平凡的人曾经做过编剧、导演、武术指导、演员、监制、作曲， 几乎有关电影的所有工作他都亲手做过，更不要说这部《东邪西毒》的音乐。人们总是在说香港电影业如何如何不景气，依我看来是人未能尽其用罢了。


8 关于莉莉周的一切（All about Lili Chou-Chou）
导演：岩井俊二
配乐：小林武史
和王家卫一样，岩井俊二在电影配乐上也是相当花心思的一个导演，比如燕尾蝶、比如四月物语。除了引用了大量德彪西的乐曲，小林武史在此片中的音乐上包含 了非常丰富的元素，从清新的钢琴和合唱曲，到电子、氛围音乐也算是从另一个侧面反映了现代社会的复杂和变化吧。说起来那首不断吟唱“I see you,you see me...I see you,you see me...”感觉颇有些中式的英文倒是令我这个英文盲多少感些到亲切。


9 攻壳机动队（The Ghost in The Shell）
导演：押守井
配乐：川井宪次
我们不得不惊叹日本动画家们把动画片和漫画所提升到的高度，他们先进的观念、敏感的社会意识和丰富创造力使众多动画片的创作者们相形见绌。《攻壳机动 队》取材于日本漫画家士郎正宗的长篇连载漫画，1995年由押守井改编为动画片；上映后因为精美的绘画、诡异的情节以及壮大的世界观在世界引起了极大的反 响，就连沃卓斯基兄弟自己都承认“黑客”系列的灵感来自于这个系列的漫画。
在恢宏磅礴的音乐背景下，女声和小提琴所演绎的主旋律充满了忧伤、迷茫和绝望，我们通过音乐所感受到的也正是士郎正宗和押守井所探索的——人与机器、虚拟与真实、数字与模拟、0与1的关系。






10 Velvet Goldmine（紫醉金迷）
导演：托德·海尼斯（Todd Haynes）
配乐：Brian Eno、Placebo、Pulp、Venus In Furs、Lou Reed等
以摇滚史上两大另类英雄Iggy Pop和David Bowie的传奇为蓝本，奢华艳丽的视觉效果、疯狂颓废的双性恋生活，为我们再现70年代Glamor Rock的不朽篇章。
以摇滚乐为始以摇滚乐为终，也算是印证了《百万美金酒店》导演Wim Wenders曾经说过的话“今天，摇滚乐与电影的联系比以往任何时候都要紧密，文学、戏剧和绘画看来似乎与电影的联系更紧密，却远没有摇滚来得贴和时代、准确直接。”

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交易区新帖推荐

这张电影原声恐怕更要超过电影本身.
57年戴维斯颠峰期之作,49年"酷之诞生",56年"午夜徘徊",再过两年59年'KIND OF BLUE"即将出世,一个伟大的JAZZ年代.




爵士巨人miles davis进入巅峰时期的一次力作
那一年路易·马勒趁着miles davis来巴黎之际 盛情邀请 软磨硬泡
美国的小号家终于允诺了法国导演的第一部电影的配乐
由于时间仓促 配乐完全是以即兴方式展开 各乐章之间的整体基调也非常接近
然而两位名家之间的这次合作获得了出乎意料的成功
《通往绞刑架的电梯》这部法国的经典黑色电影
可以说是前新浪潮时期的新电影代表作 为后来59-63年间法国的电影新浪潮做出了榜样
而miles davis的这个电影原声 时至今日仍是人们津津乐道的经典 冷爵士的代表作
常有人将此列作miles最伟大的作品之一

路易·马勒 此人一直游走于新浪潮电影的边缘
性格乖张出手怪异 时常出一些大胆而颠覆性的电影让传统卫道士头痛
而他也会拍一些特别平庸的题材 让影评人和同行摸不着头脑
他拿过威尼斯的金狮和戛纳的金棕榈 也曾因道德和政治倾向问题而臭名昭著
总之毁誉参半绝对是路易·马勒的写照
此片是他处女长片（之前他早以拍摄具有高度技巧和思辨色彩的纪录片闻名）
至今未曾得见 当真是一种憾事 不过不少评论都是对此片赞誉有嘉
一般认为希区科克的悬疑风格是此片的基调 但是路易·马勒更加讽刺和黑暗
让娜·莫罗饰演的女主角也是本片一大亮点

MILES DAVIS 可能是在中国知名度最广的爵士巨星
然而撇开他的名气 本片确实是正好属于“他的时代”的产物
他赋予这张专辑的一种绵绵不绝的黑夜效果 令人印象十分强烈
而这种对黑夜的迷醉 在miles的小号声里 却充满了人性化的特征 让人甘愿堕入黑夜



专辑曲目
1. Nuit Sur Les Champs-Elysees(take 1)
2. Nuit Sur Les Champs-Elysees (take 2)
3. Nuit Sur Les Champs-Elysees (take 3)
4. Nuit Sur Les Champs-Elysees (take 4)
5. Assassinat (take 1)
6. Assassinat (take 2)
7. Assassinat (take 3)
8. Motel
9. Final (take 1)
10. Final (take 2)
11. Final (take 3)
12. Ascenseur
13. Le Petit Bal (take 1)
14. Le Petit Bal (take 2)
15. Sequence Voiture (take 1)
16. Sequence Voiture (take 2)
17. Generique
18. L'Assassinat De Carala
19. Sur L'Autoroute
20. Julien Dans L'Ascenseur
21. Florence Sur Les Champs-Elysee
22. Diner Au Motel
23. Evasion De Julien
24. Visite Du Vigile
25. Au Bar Du Petit Bac
26. Chez Le Photographe Du Motel

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史上100首世界电影音乐之最VOL.1
20th Century Fox Fanfare-二十世纪福斯电影开场序曲
Conan:The Barbarian-王者之剑
1942:Conquest Of Paradise-1942
The Mission-教会
Blade Runner-银翼杀手
Serpico-冲突
The Fugitive-绝命追杀令
Missing-失踪
Dances With Wolves-与狼共舞
Lawrence Of Arabia-阿拉伯的劳伦斯
Chariots Of Fire-火战车
633 Squadron-六三三轰炸大队
A Passage To India-印度之旅
Once Upon A Time In The West-狂沙十万里
Bridge On The River Kwai-桂河大桥
Ghost-第六感生死恋
The Untouchables-铁面无私
The Alamo-边城英烈传
Zorba The Greek-希腊左巴

史上100首世界电影音乐之最VOL.2
The Great Escape-第三集中营
2001:A Space Odyssey-二00一年太空漫游
The Magnificent Seven-豪勇七蛟龙
Doctor Zhivago-齐瓦哥医生
Out Of Africa-远离非洲
Raiders Of The Lost Ark-法柜奇兵
The Scarlet Letter-真爱一生
Cinema Paradiso-新天堂乐园
Gone With The Wind-乱世佳人
The Lion In Winter-冬之狮
The Big Country-锦绣大地
Taxi Driver-计程车司机
E.T.-外星人
A Fistful Of Dollars-荒野大镖客
Macarthur/Pattonust For Glory-麦克阿瑟传/巴顿将军
The Pink Panther-顽皮豹
Z-焦点新闻
Jaws-大白鲨

史上100首世界电影音乐之最VOL.3
Excalibur-神剑
The Longest Day-最长的一日
Rocky-洛基
The Terminator-魔鬼终结者
Apollo 13-阿波罗十三号
North By Northwest-北西北
For A Few Dollars More-黄色双镖客
Ben-Hur-宾汉
Stagecoach-驿马车
La Strada-大路
Lifeforce-崩裂的地球
The Good,The Bad And The Ugly-地狱大决斗
Never On Sunday-痴汉艳娃
The Guns Of Navarone-大壮士
Psycho-惊魂记
Midnight Cowboy-午夜牛郎
Battle Of The Bulge-坦克大决战

史上100首世界电影音乐之最VOL.4
Star Wars-星际大战
Mission Impossible-不可能的任务
On Deadly Ground-绝地战将
Jurassic Park-侏罗记公园
Waterworld-水世界
The Hunchback Of Notre Dame-钟楼怪人
Romeo And Juliet-殉情记
Courage Under Fire-火线勇气
First Knight-第一武士
A Time To Kill-杀戮时刻
Casper-鬼马小精灵
Forrest Gump-阿甘正传
Fargo-冰血暴

史上100首世界电影音乐之最VOL.5
Independence Day-ID-4 星际终结者
Braveheart-英雄本色
Schindler`s List-辛德勒的名单
Twister-龙卷风
Phenomenon-第三类奇迹
The Age Of Innocence-纯真年代
True Lies-魔鬼大帝
Tin Cup-千万风情
Flipper-飞宝
Romeo And Juliet-罗密欧与茱丽叶
The Crow-龙族战神
Henry V-亨利五世
Sabrina-新龙凤配
Emma-艾玛姑娘要出嫁

史上100首世界电影音乐之最VOL.6
While You Were Sleeping-二见钟情
Damage-烈火情人
Secret Garden-秘密花园
The Shawsank Redemption-刺激1995
Blue Velvet-蓝丝绒
Angie-一往情深
Switch-变男变女变变变
M Butterfly-蝴蝶君
Madame Sousatzka-琴韵动我心
Golden Gate-情定金门桥
Judge Dredd-超时空战警
Carlito`s Way-角头风云
Memphis Belle-英烈的岁月
Malice-体热边缘
Witness-证人
Batman Forever-蝙蝠侠第三集
Just Cause-正当防卫
Basic Instinct-第六感追缉令
Much Ado About Nothing-都是男人惹得祸
Music Box-父女情

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zt当前我国武侠电影音乐的特点和赏析


摘要：电影音乐随着电影艺术的发展应运而生，是电影艺术的重要表达手段，电影音乐和画面完美地结合在一起，体现出电影的艺术构思和美学欣赏原则。在我国武侠电影发展过程中，电影音乐正逐渐成为武侠电影的重要构成元素，从而引起了它的创作者和欣赏者的广泛关注。近期《英雄》、《十面埋伏》、《功夫》、《卧虎藏龙》等一系列武侠电影恰到好处地运用了我国的传统民族音乐，产生了重大的反响。本文试以这些主要的优秀武侠电影作品为例，来探讨当代武侠电影音乐的特点以及发展趋势。 关键词：武侠电影；音乐；赏析 一、引言 一幅幅刀光剑影的江湖画面，一段段恩恩怨怨的儿女情愁，一招招出神入化的盖世神功，一座座侠肝义胆的英雄塑像，武侠电影带给了我们这些神奇。武侠电影音乐是专门为武侠影片创作、编配的音乐，是武侠电影综合艺术的一个重要有机组成部分，是一种新的艺术体裁。武侠电影音乐最主要的一个特点就是能够使武侠电影观众把听觉形象与视觉想象结合起来，达到视听的统一和享受。我国武侠电影音乐深深植根于传统文化的沃土，在很大程度上受到中华民族的历史文化传统和民族审美心理传统的深刻影响，因此也呈现出与众不同的民族特色。我国数千年绵延不绝的中国文化，以其源远流长与博大精深的深厚底蕴赋予了我武侠电影音乐极强的生命力。 二、当前我国武侠电影音乐的特点和功能 武侠电影音乐应服从于不同类型和不同风格的武侠影视作品特定的主题思想、内容情感或人物形象、故事情节的表现需要，并与其有机结合，从而在内容情感上呈现出某种特定性。武侠电影音乐可以根据武侠作品表现的需要随时改变自己的结构形式，根据不同的情节、人物、环境，运用不同情绪的音乐去渲染和表现。武侠电影音乐往往可以运用分散穿插的结构方式，在特定的人物活动或特定的环境氛围中穿插点染，从而增强作品的艺术表现力。此外，武侠电影音乐的艺术效果必须通过武侠电影艺术整体各构成元素的有机融合去实现，通过与画面、人物语言和音响的共融，去服务于武侠人物形象和故事情节的刻画。 总的说来，武侠电影音乐可以为武侠电影营造一种特定的背景气氛，以达到深化视觉效果的作用。武侠电影音乐在发挥渲染气氛的功能时，通过音乐这种听觉手段为影片部分或者整体地创造某种气氛，增强听觉感受，使人产生身临其境的感觉。这种气氛对于音乐和画面而言，既抽象又具体，而武侠电影音乐就是把这种难以捉摸的情感色彩，借助一定的音乐形象表达出来，使武侠电影画面形象更加生动、感人。 三、近期主要优秀武侠电影音乐赏析 《黄飞鸿》系列电影可以说是我国武侠电影作品中电影音乐的成功运用的代表之一。在《黄飞鸿》系列，“男儿当自强”的歌曲或以此改变的旋律反复出现，将威武中华男儿的形象传颂四方。音乐作为声音主导动机的关键环节在刻画人物性格，表达影片主题思想方面走在前列，同时也是烘托氛围、创造节奏的有效手段。近年来，从《卧虎藏龙》的获奖，到《英雄》的中西合璧，到《十面埋伏》的好评，再到《功夫》的不断创新，武侠电影音乐从单纯的民族乐器的突现已经发展到交响式的中西合璧新民族风情，在大众文化中得到广泛流行。 张艺谋的武侠作品《十面埋伏》从中国古乐中汲取了很多特殊音乐元素，是出色利用我国传统古典音乐的典型代表制作，其中最突出的是运用了奇崛而独具震撼力的琵琶曲，在影片中起到了刻画人物形象的强烈作用。《佳人曲》这段二胡和琵琶协奏曲在《十面埋伏》中被一再应用。片尾小妹死后也响起了金捕头悲伤的歌声。《佳人曲》中的佳人和小妹的形象是互相映衬的，南国秀丽，其佳人多杏目柳腰、清艳妩媚；北国苍莽，其仕女多雪肤冰姿、妆淡情深。此歌以“北方”二字领起，开笔就给所歌佳人，带来了一种与南方迥异的晶莹素洁的风貌。 [1] [2] [] []作曲家谭盾充分地发挥了自己跨越中西、古今不羁的创作特长，在《卧虎藏龙》和《英雄》中使电影配乐发展到交响式的中西合璧新民族风情。谭盾的音乐把人生的困惑和无奈用典型的中国情结表达了出来，舒缓而优美的旋律反映了惆怅而悲伤的人生，让人感觉人即是江湖，人的爱情和人生也如江湖一样不可把握。在《卧虎藏龙》中，大部分音乐旋律单纯、朴素、统一，和声简单明了，配器清淡。《卧虎藏龙》选用了多种中国民族乐器进行补充，使整部影片的配乐统一而富有变化。《英雄》中的电影音乐也是一次视听的盛宴，是视听艺术的大胆实验。《英雄》从头至尾有一支主旋律萦绕在人心头，时而凄切、悲凉，时而雄浑、激越，时而像如泣如诉的马头琴讲述着“风潇潇兮易水寒，壮士一去兮不复还”的英雄传奇。影片中，作曲家谭盾发挥自己跨越中西、古今不羁的创作特长，让这些乐声彼此对话。影片一开始，出现了交响乐与鼓声相间的“序曲”，西洋交响乐宛转流露出二人转的曲调。而东方的鼓点却打出爵士、摇滚的节热“棋馆古琴”的一幕，使小提琴和中国古琴的乐声2000多年以来首次融合到一起。 周星驰的影片《功夫》在武侠电影音乐的运用中又创新了一步，近年来首次运用了不少毛泽东时代的音乐，令人亲切，令人振奋，给人向上的激情。周星驰的《功夫》带来的这些怀旧音乐是扎根民族，扎根民众，扎根中华文化的，只有如此，电影音乐才会有生命力。在《功夫》中，激昂慷慨的音乐几乎贯穿整部影片，尤其是在精彩的打斗时，每每有振奋人心的民乐响起。影片中出色地插入了《闯将令》《小刀会组曲》。《闯将令》以高亢的唢呐引领，具有逼人的豪迈气势，非常适合在武侠片决斗时刻引用，这在五六十年代香港粤语武侠电影中经常采用。《小刀会组曲》受到香港武侠导演普遍欢迎，它本是舞剧《小刀会》的配乐，但因其慷慨悲壮的基调和浓厚的民族色彩而成为民乐经典。此外，《四川将军令》《十面埋伏》《东海渔歌》以及《英雄们战胜了大渡河》，都能够使人不禁油然而生一种男儿当自强的豪情。 四、总结 我国的武侠电影一向留意于细腻的表达手法；我国的民族音乐，纯净而深邃，文化底蕴深厚，在表达细腻感情时如玉一样温润婉转；抒发激情时，似山河般坚定壮阔。这独有的特色与我国的武侠电影正是相得益彰。总之，武侠电影音乐是武侠电影艺术的重要表达手段，有音乐的一般共性，又有自己的特性，是武侠电影艺术语言不可缺少的载体。今后，在导演们和作曲家们的共同努力下，武侠电影音乐的表现手法必将日益丰富多彩，在武侠电影中发挥更加广泛和多方位的艺术功能。

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ZT电影《孔雀》的音乐赏析

《孔雀》是导演顾长卫的电影处女作，影片讲述的是上个世纪七十年代安阳小城里一个普通的五口之家——父亲、母亲、哥哥、姐姐、弟弟——的生活和命运。青春的微小的挣扎和无助、人在家庭里犹如困兽的喘息和窒息、家人带来的卑微和耻辱、个人在急景流年的人生里被裹挟而去的匆促和慌乱……小城对一切梦想的围困、围猎和追杀，对一切奢侈念想毫不留情的唾弃、消磨和催折……影片收束在一家人在一个冬日去动物园里看孔雀的诡异气氛里，仿佛在向我们揭示片名里所隐藏的秘密——也就是整个影片的主旋律：每个人心里都有自己的梦想，渴望自己的生活是精彩的，梦想的实现就仿佛是孔雀的开屏一样，成为平淡生活里亮丽的一笔。但现实生活总是残酷的，就像他们一样，我们也许为自己的理想努力过。也许只是怀揣着自己理想而没有行动过。但结局也许都是一样的——梦想从来没有实现过。生活是永远不会按照你自己对它的设计过下去的……
　　电影《孔雀》在故事结构上是按照分别对姐姐、哥哥、弟弟的讲述分为了三大部分，音乐也就自然的在整部影片的总体布局上也分为了三大块。其中在导演在划分这三个部分的时候，除了通过画面影像和弟弟的旁白外，音乐也是一个重要的标志。可以说，音乐在该片中的地位是很高的，是构成整部影片一个非常重要的元素。影片中有很多情节都有音乐的铺底，虽然音乐的使用率较高，但并没有给人一种凌乱的感觉，反而每次音乐的出现都让人感觉很自然也很舒服。片中运用了大量的主题音乐、场景音乐和背景音乐，并通过多样的音乐表现形式(画内乐与画外乐、音画的同步、对位与平行、音乐蒙太奇等)推动着整个影片情节的发展，为影片增色很多。下面我就分类细致地谈一下自己的看法：
　　主题音乐的在片中的成功运用是该片在音乐上的一大特色，在很多地方上的处理，让我想起了另一部非常优秀的也是我个人非常喜欢的一部片子——辛德勒的名单。《孔雀》的主题音乐简单的音符中透着一种很怀旧很伤感的情绪，每次听到这段旋律时都感觉心里很压抑。虽然它在片中多次的出现，但每次出现时几乎都是用不同的乐器演奏的，在旋律上则通过变形、变奏、延展等手法也都略有不同。例如：在影片中出现了三次全家人在走廊吃饭的场景。这三次“聚餐”的音乐都是以弦乐铺底，竖琴演奏的主题音乐片段，按常理来说全家人在一起吃饭应该是一件很开心的事情，但配上这段音乐让整个气氛变得很忧郁，旋律中透着一股伤感和怀念。另一个给我印象比较深的一场戏就是全家人正在院子里做蜂窝煤时，突然下起了大雨，雨水把煤都冲走了，全家人像疯了一样到处找砖头和塑料布保护煤，可最后还是只能眼睁睁的看着大雨和煤混成的黑水四处流淌……主题音乐再次出现了，旋律是由圆号演奏的，弦乐和竖琴铺底把整个场景的气氛渲染得更加凄凉和无奈，让人感觉在那一刻人的力量是多么渺小。那种无助和无奈的心情随着旋律流淌进每个观众的心里。
　　场景音乐是对每个具体的场景演绎的故事情节，人物在具体场景中的感情发展变化进行必要的铺垫、烘托和渲染。起着营造戏剧性高潮和推动情节发展的重要作用。片中的例子也有很多，比如：在整部影片中，姐姐、哥哥、弟弟都分别有一段自己的“快乐音乐”。姐姐的“快乐音乐”是在她看到伞兵跳伞后，骑自行车回家的路上开始的，以及在她报名参军中一直穿插着。这段旋律是一段弦乐的拨弦，轻快的三拍子，让人听了心中有一种在舞蹈的感觉，节奏轻盈欢快。准确的表达了当姐姐的理想就要实现以及和遇见了自己喜欢的英俊的年轻军官时的愉快心情，是很有情趣的一段音乐。哥哥“快乐音乐”则分别出现在妹妹和弟弟请他吃包子并送给他一只小鸭子以及他在公园相亲的一段戏。弟弟的则是离家出走多年后带着老婆和孩子再次回到家里的时候。家中电视里放出的《追捕》里的一段音乐，这属于画内音乐。这两处的音乐都十分贴切的表现了人物的内心情感，对这两场戏起到了很好的烘托效果，给人耳边一亮的感觉。
　　背景音乐是加强环境真实感的一个重要手段，有时也可以赋予它们更为丰富的内涵。例如：在片中有场参军送别的戏。背景音乐是喜庆的锣鼓声，在这属于画内音乐。同时里面还有一个音画对位的处理，姐姐想当伞兵的理想破灭了，她的心情是极度伤心和不平衡的，而画面声音却是热热闹闹欢庆的锣鼓声，更衬托了姐姐当时理想破灭极度伤感的崩溃心情。此外，影片中还有画内乐与画外乐的结合，例如：有一场戏姐姐下班在回家的路上听到有手风琴的声音。于是就随着琴声一直走到了一个小阁楼上，这时画外乐中又加入了男声的哼唱，随后走进了一间是舞蹈教室，但拉琴人的最后的出现还是从大镜子里看到的。虽然这一段前面一直是画外乐，但充分调动了演员的表情要素，给观众制造了悬念，具有比较引人入胜的“现场”艺术效果。
　　以上就是我个人对电影《孔雀》的音乐分析，最后我想引用顾长卫本人对《孔雀》片名的解释(并不是关于音乐的)作为本文的结尾：“人和人生都具有强烈的观赏性，人与人之间一生都在相互观赏，喜讯与丑闻，落魄与荣华。四周人尽收眼底。人生是个笼子，每个人都被关在里面，别人观赏我们，我们也观赏别人，同时我们也观赏自己。孔雀这种鸟好像是最具观赏性的动物。人一点也不次于它们，好比影片中的三个孩子，身上长满故事，人生的经历，如同色彩斑斓的羽毛长满人生……”。

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　电影音乐赏析――电影丛书
作者: （法）贝托米厄 著，杨围春，马琳 译
影视音乐并不只是影视画面的陪衬。音乐本身及其内涵都在一定程度上传递了观众们的价值取向和一种时代观念。凭借站一些格言警句、美妙的旋律和语调以及乐器的配合，音乐构思了一个有序世界的蓝图和即时的幻想空间，而正是这些保证了电影蕴涵的真谛和永恒，影视音乐混杂着诸多因素和多种多样的音乐语言。它朝着不很完整的音乐形式和全新的管弦编排方向发展，它注重于时间的瞬息流逝，注重于理物的细微变化。
　　 首先我们应该考虑到的是古典交响乐的传统，因为它最能体现梦想永恒的普通观念。无论在过去或现在，古典交响乐通常都起到抛砖引玉作用，用来引出一种现代主义音乐或极保守主义音乐，这是几种假想的保留形式，或者说是交响乐的最终出路。大多数情况下，我们要把交响乐的传统和其修饰过的往昔电影紧密联系在一起，而不是沉迷于对虚假处长苏电影的赞叹之中。
　　 电影音乐的历程在很大程度上是与古典或现代的好莱坞电影音乐传统相联系的，同时它不放弃与其他电影艺术形式的协调和配合，如意大利影视艺术，法兰西影视艺术、英国影视艺术，甚至东方的影视艺术。这里我们将通过描叙电影音乐的不同规则和范畴，从而更好的观察到它们的相互冲突和逐渐消亡。如比，电影音乐将其缤纷复杂的特点展露无余，而这个特点向那些只顾眼前狭隘的电影音乐形式和流派发出了挑战，从而来建立其自身的思维制作形式。　　

序
导言
一、梦弗理特沙滩上的情节
二、电影音乐不应用涉及的东西
三、音乐是否是电影的主题
第一章 全球风行的时代：好莱坞浪漫的模式
一、好莱坞电影音乐的发展史
二、好莱坞电影黄金时期的音乐形式
三、《乱世佳人》的音乐旋律
四、背景音乐
五、电影音乐如何做到让观众们满意
六、怎样进入大屏幕音乐
七、音乐的作用标记
八、抒情的旋律是最根本的
九、在时间中延续的乐典
十、对电影结局的担忧孕育了延绵不绝的音乐旋律
十一、电影音乐是否能在电影之外独立存在
十二、科恩歌德创作的纯粹无词音乐
十三、电影音乐变质的时间
第二章 无答案的问题：从永恒到瞬间
一、琼・威廉姆斯的美国西部音乐对电影音乐的概括作用
二、琼・威廉姆斯的创作形式是电影音乐的一个标准
三、《星球大战》中的音乐在5年内的变化
四、瞬时音乐和持久音乐的相互沟通
五、阿尼奥・莫里科恩将各种抵触的音乐形式结合在一起
六、音乐理念统领整个音乐总谱的方式
七、调性与无调性在电影中的并存
八、爵士乐和无调本来就是与电影相联系的
九、电影中如何运用古典主义音乐
十、电影音乐作曲家构建的是否是一部作品
十一、音乐总是与杂声和语言相冲突
十二、音乐与画面是否相抵触
十三、大卫・林奇如何将音乐变成电影声音中不可或缺的部分
十四、电影音乐是否变得稀缺了
十五、重复的、极简抽象派艺术的电影中的音乐
第三章 水与剑：电影的抒情性
结论 所有人的音谱：无国界无界限的音乐

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           zt                                   宫崎骏动漫电影音乐赏析

1984年--《风之谷》
　　相信不少动漫影迷还都在无比惦念着《风之谷》。那是动漫大师宫崎骏的开山之作，一出则震惊天下，女主角的受欢迎人气指数一直是全日本之最，其纪录直至近年才被《EVA》的零波丽所破，可见其受欢迎程度。电影剧本源自原作漫画的前三分之一，在《风》中，人与人、人与生物之间的关系成为了全剧的主要元素，女主人公娜乌茜卡在这些关系中周旋、斗争，演绎出一个深入人心的勇敢、细心和坚韧不拔的女英雄形象。而宫崎骏丰富的想象力构造出的一个与现实环境完全不同的世界，遍地的黄沙，古怪的植物、昆虫，还有代替马使用的鸵鸟，水上飞机、飞艇等等，完全是一幅幅世界末日后的"真实"景象。
　　这是久石让与宫崎骏合作的开端，之前是在经人介绍后，两人才相识。此时宫崎骏正致力于《风之谷》的创作。在听过久石让创作的"风之谷"的印象音乐后，宫崎骏被深深打动了，认为他的音乐是自己最想得到的那种"充满童心，却又能够阐释哲理"的灵性创作，是具备与神话故事同等魅力的精品。此后影片公映后更证实了宫崎骏的眼光，久石让为该片创作的配乐深深地打动了无数的观众以及评论人。因此次年宫崎骏的GHIBLI(吉卜力)工作室成立后，久石让便一直担当宫崎骏动画的音乐监督。
　　喜欢这部电影的朋友，必然不会忘记久石让为该片所创作的那一系列优美而绚烂的原声音乐。在影片获得成功之后，《风之谷》的原声CD合辑也曾风靡一时，成为不少青年音乐爱好者的首选，即便是在二十几年后的现在也具有着相当强的热度。片中的娜乌西卡是天使一般的勇者。她是希望的代表及化身，善于"用心捕捉心灵的歌声"，在人类与虫族之间架起"心"的桥梁。也许，久石让也是很多人心目中的娜乌西卡，是与娜乌西卡一样具有神奇魔力的人。他可以用"用心捕捉心灵的音乐"，在人与人之间架起"心"的桥梁，这不仅是宫崎骏的理想化造梦，同样也是久石让的音乐真谛。
　　电影《风之谷》推出引起了极大轰动，宫崎骏的威名自此如日中天，扶摇直上。而久石让的音乐，则赋予了宫崎骏电影以另一种灵魂，集想象力与灵性于一体，使得两者在同一个框架里拓展开了各自不同的创作风骨。自此，久石让的名字，开始在动漫迷的心目中拥有了与宫崎骏同等的地位，世人从此便视两人为一体，无分彼此。
　　影片中的两首歌曲《风の谷のナウシカ》与《风の妖精》，是二十多年来一直流传，并广受青年人喜爱的音乐佳作，很好地表达了对女主角的精神的赞扬和对环保的向往。但是，那却是与久石让无关的，而是著名音乐人细野晴臣、萩田光雄、白井良明几人的创作与编排。久石让所创作的音乐，是包括《風の伝説》、《鳥の人》在内的八首曲目，也有着原声版、交响版、合声版等诸多版本，多年以来历次被搬上音乐舞台，经久不衰，既是久石让在宫氏动漫配乐的开山作品，也是动漫音乐中具有划时代意义的革新之作。
　　音乐曲目：
　　01. 風の伝説
　　02. はるかな地へ
　　03. メーヴェ
　　04. 巨神兵
　　05. 腐海
　　06. 王虫
　　07. 土鬼軍の逆襲
　　08. 戦闘
　　09. 谷への道
　　10. 遠い日々
　　11. 鳥の人

1986--《天空之城》
　　这明明是一则末世的寓言，却被宫崎骏以一缕童心包装成孩童的梦。自开场，纯洁的少女从天而降，自云端俯视着日渐发达却也日渐腐朽的尘世间。仿佛那值得人们去向往一生的自由空气，只能在那凡人无可企及的天空。
　　久石让所创作的组曲，让人在心旷神怡中做着飞一样的视听体验。主题曲在纯净而愉悦的童谣曲风中，意外揉入了一点悲天悯人的味道，让人有了淡淡的哀伤感。正如那《天空之城》的神奇故事，那音乐虽然是听者的童真，却已如云端之上那般遥远，让人无法触摸。在音乐创作中，久石让与宫崎骏达到了高度的契合，均以小格局间见大情怀的方式以不同的手段阐述着同一个寓言。简单的音符中，流露着对逝去时光的祭奠与对爱的呼唤。那是怎样的一种体验，是一种让你于静默中逐渐忘我的情感。
　　主题歌《伴随着你》以及该歌曲的合唱版《空降的少女》，是目前流传得最为广泛的，在很多国家与地区都被演绎成不同的童声版本。有些则如田野间传来的童谣，有些则如教堂里轻灵的圣歌，相同的曲调，却给人以各不相同的心灵体验。你会惊诧，这么简单的曲风，这么素淡的声调，怎会有如此震撼人心的穿透力。久石让所赋予其的传神魅力，已经远远溢出宫崎骏的动漫画面之外，缔造了一个前所未见的遐想空间供听者徜徉。
　　主题音乐的交响音乐版，则更是如幻想诗一样的杰作。小提琴略带忧郁的调子，给人以一个惆怅万千的引子，那就象是一个少女在云端的企盼，在告别着自己最美好的时光与记忆。小提琴缓缓进入心跳的节奏，就像人生中终于遇到了让你心跳的事情或者人物，愉悦而欢快，一点点让人忘记伤痛，一点点地让人告别冰冷。简单的旋律，多元的演绎，直到钢琴的加入，突然升华出一种催使人落泪的煽情，旋律一再重复，渐渐有力，就像是一个跌倒的理想又被重新拣起一样，重新让人感受到自信的深呼吸。
　　另外，主题音乐还有着陶笛版与八音盒版，各自阐述着宫崎俊动漫人物希达和小杰不同境遇间的不同心境。与主题音乐的蓬勃与大气不一样的是，这两组简单到极致的演奏倒是真象是映现了孩子的梦想。一半愉悦，一半哀愁，返璞归真。
　　在这如天籁一般的音乐体验中，你会想起什么？是否能想起《天空之城》中席达与巴斯深夜在海盗船顶的倾诉，是否能想起希达与巴斯在掉下深不见底的矿洞时一起在魔法石的作用下在空中漂浮。想起了我们自己于少年时代的美好梦想，想起了我们在成人后对世界的失望以及对旧有时光的留恋。还有，那曾在银幕上闪耀，漂浮在大地上的梦想之国--天空之城……


1988年--《龙猫》
　　《龙猫》是宫崎骏在STUDIO GHIBLI的第三部电影。宫崎骏说，这个故事来自于他家乡的一个传说，都说有一种神奇的小精灵，它们就像人们的邻居一样，在大家的身边嬉戏、玩耍。只有拥有最纯真无邪心灵的小孩子，才可以捕捉到他们的形迹。如果静下心来倾听，风声里可以隐约听到他们奔跑的声音。"
　　年少的宫崎骏，也曾经认真地在小径上等待，在草丛间寻找，但是他却总是一无所获。不过，他一直都坚信自己曾是最纯真最无邪的孩子，否则也不会在成人之后还对这个传说念念不忘。为此，他创作了这个带有着点点遗憾与惆怅的幻想精品。
　　久石让在《龙猫》的音乐创作中，仍旧延续着自己与宫崎骏的高度契合，不仅使作品拥有了与电影一样的想象深度，更让其延伸到超越电影本身的幻想空间里，给人以无限遐想。音乐中，他不仅揉入了自己孩童时代在家乡长野学到的小调，更改编了乡下祭祀节日里向神祈福的歌谣。
　　主题歌《DO RO》很上口，旋律简洁而轻快，节奏鲜明而跳跃，是个孩子气十足的歌曲，一度被无数少年喜欢，至今仍在亚洲各地保持着较高的流行指数。
　　而《龙猫》的插曲《风之甬道》，就是有着日本乡间祈福歌谣风格的作品。音乐以鼓声与木琴的丁冬声为基点，佐以童声那情绪饱满的哼唱，令传说故事中那可爱又神奇的精灵邻居，一时间栩栩如生。与原本向神祈佑的风味一样，用在动画片里的这段曲子一样有着向精灵倾诉的感觉。那感觉既纯真、又神圣，象是一群孩子很庄严地呼唤对自我梦想世界的尊重。
　　配乐《Totoro ga ita》（トトロがいた），就是《风之甬道》的轻音乐版。与歌曲相得益彰，这组配乐的风格也以神圣而纯洁的感觉为主题，在一种童真气十足的音乐风骨中显现出了一种严谨、严肃的属性。这组音乐有很多种版本，诸如原声版，映像版，交响版，电子版等等。
　　影片的配乐足足有八首之多，虽说风格各不相同，但却都被改编成了交响乐的精品。在名为《交响乐故事-龙猫》的纪念专辑中，这组音乐的配备被发扬到了极致，是由久石让指挥新日本交响乐团演奏的重新编排过的龙猫音乐。交响的力量，赋予了组曲以格外的神圣感与厚重感，钢琴和大提琴的联袂，给予人们以穿渡岁月时光的感受。虽说，它让人逐渐忘却了那个曾经呼唤起无数人童心的电影故事，但却给人以另外的震撼，充满童稚，却格外神圣。
　　胖胖的龙猫，流失的梦想。音乐声中，我们会感受到来自田野乡间的泥土气息，能感受到树的呼吸，听到风的歌声。《龙猫》的魔幻现实主义风格与久石让的创作意识形态水乳交融，让观者与听众均在同一片天空下得到最真切的共鸣。

1989年--魔女宅急便
　　1989年，宫崎骏延续着自己那宛如空中翱翔一般的飞行梦幻，创作并推出了动漫经典作品《魔女宅急便》。片中那位时常骑着柄扫把出行的小魔女琪琪，是很多孩子的梦想，更勾起了多少成人的少年回忆。对于从那个年代成长起来的很多人而言，那飞在天上的小魔女就是那时人们心目中的哈利波特，带给人们无数的纯真梦想，多年都不曾让人忘却。
　　宫崎骏是个对飞行有着浓厚的偏爱，从《风之谷》画"御风使"开始，直到《天空之城》、《红猪》、《龙猫》、《哈尔的移动城堡》，飞行的画面与天空的自由想象就一直在他的作品里延续。《魔女宅急便》也无例外地发扬着这种如诗一般的幻想，在小魔女的飞行经验中完美的体验那自由的快慰。
　　琪琪在骑着扫帚以送快递的形式为人们带来便利的时候，却不小心在挫折当中迷失了自己。人情的冷淡以及温暖的缺失，居然令她为此忧郁生病，乃至于丧失了飞行的魔力。作品就是在阐释伤心的小魔女回归到天空的故事，让一个孩子在人情世故前重新找回希望与自信。与其说那是一个孩子的成长，还不如说是我们所有人都需要面对的人生蜕变历程。它让现实世界的人们去为自己的冷漠与冰冷去反省，更给成人世界的势利心态以极强的嘲讽。
　　久石让在片中的配乐很是清淡，既不如早前《天空之城》那般精致，也不如后来《幽灵公主》那般大气。但是这种清淡的风格，却格外流露出一种漂泊在外的思乡情结，甚至有着一点点对现实遭遇的无奈以及自我独白式的个人化忧郁。不过，这种淡淡的哀愁之气在片子的主题歌那轻快的节奏下终变得模糊，总算是溯寻回了一些童心未泯的稚气。
　　主题歌在八十年代末至九十年代中期一度很流行，是由一个很可爱的小女孩以童声演唱的，范晓萱在九十年代也曾翻唱过，甚至还复制了小魔女琪琪的可爱造型。不过，这首朗朗上口的主题歌可跟久石让没有太多关系，创作者是荒井由実。

1997年--《幽灵公主》
　　《幽灵公主》是一部在动漫界有着史诗一样意义的动画作品，比之商业化的《千与千寻》，它主题更为宏大、境界更为高远、结构更为繁复、画风更为写意壮丽。它一度被认为是患有手疾的宫崎骏的绝笔之作（宣布退出，后来又重新出山），所以也是传递出他自《风之谷》以来，苦苦反思后对"人和自然之间的冲突"的彻底失望之情，寄托着他一贯流露出的悲天悯人的大情怀。
　　在这样的一部巨作里，久石让运用了大量弦乐，在交响中展现着宏大的音乐情怀，让人在音乐中感受到了一种悲怆而厚重的历史感与沧桑味道。这一组音乐里，音乐自创作中所融会的两代情怀，就象是古典世界与现代世界在同一块舞台上的对话。而片子的结尾，米良美一优伶般的假声，是极具日本民族特色的演绎，清澈浑厚的声音就象一个妇人在讲述远古时期的传说一般，让人回味无穷。全片的配乐共分八章，每一章节都代表着不同的境遇与心境。
　　第一章《アシタカせっき》
　　该曲是《幽灵公主》的开篇序曲，此曲对整个影片来说，起着点题的作用，在片头云雾缥缈的群山中，画面由天籁推移向大地，一个充满神秘色彩的森林出现在观众眼前。开始时大提琴的低音和画面融合，如同置身于群山之中，随着画面的移动，高音部分渐起，随后进入故事情节。
　　第二章　TA?TA?RI?GAMI
　　此曲运用在影片的第一个高潮部分，就是开始时猪神由于被恶魔附体，威胁到村庄的安全，主人公骑着长角鹿成功用弓箭阻止了其前进，但也身受重伤。这个战斗过程动作流畅，音乐配合到位紧凑。
　　第三章　旅立ち～西へ～
　　这是全片音乐中最有代表性，同时也是流传程度最广泛的一个曲子。主人公由于受到恶魔的侵入，为了不连累族人，被迫离开村庄。旅途中，在此曲的伴奏下，一望无际的草原上，主人公和长角鹿慢慢的行进，风吹过，掀起一波波的草浪，美丽异常。这组交响音乐所凝聚的深邃力量令人震撼，而二胡的旋律却似孤立在交响之外，就象是主人公脱离了自身生存土壤一样，孤独而悲悯。很多港台武侠片都曾以此作为配乐，比如九十年代以来重拍的《笑傲江湖》、《天龙八部》、《射雕英雄传》等等。与其说这组音乐江湖味道浓，还不如说是它历史感更重。音乐的语境里，就象一个慷慨赴死的勇士，在岁月的湍流中逆行而上。
　　第四章　もののけ姫
　　这组音乐产生在主人公和幽灵公主初次相遇时候，交响版本中，重新加入了钢琴的独奏部分，在悲怆的音乐外衣下，赋予了其短暂的清静，拓展了沉思的空间。
　　第五章　シシ神の森
　　这一部分，是主人公进入了神秘森林时的配乐，这个部分主要使用管乐，用簧管营造出诡异的气氛，合奏渲染背景，使听众感觉置身与那个充满神秘色彩的森林。
　　第六章　レクイエム～呪われた力～
　　这曲起伏很大，时而管乐独奏，时而弦乐合奏，极力表现战斗时的紧张气氛。
　　第七章　黄泉の世界～生と死のアダージョ～
　　这是最后的决战部分所运用的配乐，巨大的森林之神出现，整个战斗出现了逆转，但当森林之神的头被和尚砍下后，发生了变化，森林之神变成了恶魔的化身，群山开始变成了死丘，森林被侵蚀，灾难发生了。这曲中鼓点使用频繁，烘托战斗的紧张气氛。
　　第八章　アシタカとサン
　　结尾部分，一切恢复了平静，树木开始发芽，死丘开始变绿，主人公和公主分手的时候也来到了，钢琴伴奏成为主旋律，蔚蓝的天空下是青山绿水，平直的交响乐合奏加上钢琴伴奏，把一个美丽的世界呈献在你我眼前。

2000年--《千与千寻》
　　《幽灵公主》制作公映后，宫崎骏原本以此部作品完成后即宣告封笔。但1999年底，宫崎骏却意外复出，主导制作了动漫巨作《千与千寻》。音乐仍旧由久石让创作。在《千与千寻》里，自然的矛盾与人类的迷失，成为被反复诉诸的议题。主人公千寻在城市与城市之间的辗转里，见证着身边的一幕幕失落的影像。他与他们，都在不断攀爬的人生旅途中被世界所遗忘，丢掉了记忆，丢掉了名字，忘记了回家的道路。
　　以单纯的眼光看，影片是关于千寻在成长过程中的一系列神奇经验。但事实上，它却是一则关于整个人类的精神寓言。人类在苦苦追寻生存出路的时候，却都无不意外地迷失在歧途，开始在精神流失的过程里丧失希望。要寻找回真正的自我，做最后的救赎，只能寄希望于千寻那样纯洁而无邪的童心。纷争，欺骗，贪婪，懒惰，利用，自私，虚伪……成人世界里的一切丑陋的侧面，都在孩子那洁净的心灵面前黯然失色。
　　久石让在《千与千寻》的音乐创作中，淡却了早前的轻佻，反而是渐渐压缓了节奏，以最简单的音符、最繁复多变的弦乐篇章去诠释小女孩千寻的情感世界。钢琴，往往是以独白的形式独立于交响空间里，给人以一种取自于复杂世界里最孤独的心灵感受。虽是细腻的抒情，但琴键之音却已没有了宫氏动画中的童趣色彩，反而是哀气十足。如其中的一章one summer day，曲调上原本是追随着《天空之城》做点题式的独白，但却在一派古典气息里被编配得老气横秋，让人在冥想中逐渐催生了年华老去的失落意境。
　　影片中的音乐与《幽灵公主》相仿，越发具有成人味道，想来久石让的音乐创作似乎也象千寻一样，经历了不同阶段的成长，逐渐开始变得老气横秋。很多人对此不太习惯，都在怀念那个纯真而跳跃的《龙猫》时代，都在怀念那个时候的久石让。但是，我们没有发觉，我们自己的心灵也已经不再单纯，也不再信奉梦想，也随着那淡淡的少年回忆的影像在短短的瞬间变得衰老。《千与千寻》的音乐与画面，其实就象是一个完整的人生一样，辗转来去，一点一点地寻回我们曾经失落的东西。久石让的音乐仍旧是充满关怀的，永远都是，就象是你心脏被刺痛的那一刹那，突然抚慰过来的一只手掌。很温暖，很人性。
　　相比于《幽灵公主》，《千与千寻》的音乐元素更为丰富，表现手法也更为老练，显示了久石让扎实精致的一贯风格，再次展现了久石让以简单琴音捕捉复杂情感的独到功力，优雅而美丽的琴音里不时随着剧情坠入调皮、可爱、奇趣、踌躇、犹疑、不安、感伤的思路，并随时与掌握惊险奇异冒险历程的管弦乐交互融合。与前作更为不同的是，《千与千寻》对古典音乐的追随显得特别鲜明了一些，很多章节已经成为音乐舞台上被反复改编演绎的新宠。而本片最为流行的，则是传统日本民谣风格的主题歌《与你同在》，这是木村弓所创作并自己亲自演唱的，而不是久石让的手笔，难怪其曲风与影片的大多配乐风格有着那么明显的出入。
　　木村弓早年一直在美国留学，学习的专业可不是演唱，而是钢琴课程。回国后，由于脊椎意外受伤，使她遭遇了人生最沉重的打击。可是她却没有放弃自己，也没有对人生失望，而是依靠歌声重新站了起来。现在总在各个公益演出与伤残理事会的活动中出现的她，有着与千寻一样美好而单纯的品质。难怪她的声音会被宫崎骏所青睐，《千与千寻》的命题不就是人生跌倒之后重新找回自我的艰辛历程吗？
　　不过熟悉古典音乐的朋友，应该不会对《与你同在》的曲调陌生。歌曲的和声部分，明显是取自于帕赫贝尔的《卡农》，除了拍子上有点变化之外，基本属同宗。在《千与千寻》所出品的电影原声中，特别收录了这个主题歌，而且后来还特别制作了交响音乐版。人们都说，这个曲子虽然与久石让无关，却有着与久石让一样的情怀，当然，也有着帕赫贝尔那不可磨灭的古典身影。

2002年--猫的报恩
　　这是个极其可爱的动画作品，而且为我们带来了两个异常可爱的经典猫咪形象"胖胖"和"男爵"。不过这两个可爱的动漫形象却并不是宫崎骏的原创，而是来源于此前一度在日本流行起来的漫画与动画短片《侧耳倾听》。事实上，早前是一个动漫主题乐园找上宫崎骏所属的吉卜力工作室，希望吉卜力工作室为他们制作一部以"猫"为主题的短片，当时宫崎骏就有了把《侧耳倾听》中出现过的猫放进故事的构想，原因很简单，那猫咪的形象实在是可爱，可爱到令宫崎骏也为此着迷。
　　在故事的源头《侧耳倾听》里，有一只神出鬼没的猫，这只猫就是"胖胖"，当时胖胖把女主角小雯带到了一间古董店，小雯在店里看到一个猫咪摆饰，叫做"男爵"，故事最精彩的部分就此展开……宫崎骏于是找来《侧耳倾听》的原作者，希望她为男爵和胖胖这两只猫发展出另一段故事，这个故事就是后来的《猫的报恩》。故事大致抵定之后，主题乐园的案子却停摆了，然而宫崎骏却不想放弃这个企划，他一方面也想透过这部片子，给新人挑大梁的机会，后来选定了曾参与《鲁邦三世》及《隔壁的山田君》的森田宏幸负责这部片子。森田宏幸全心投入的杰出表现，又让吉卜力工作室决定将《猫的报恩》搬上大银幕，森田宏幸当然也就成了这部电影的导演。
　　所以在这部影片的创作阵容里，你并不会看到宫崎骏的名字，但事实上他本人是幕后的真正指导，虽然只负责企画工作，但却给予了新人导演以很多有益的指教与帮助，乃至于仍有多数人把它算作为宫崎骏自己的作品。而音乐方面，本片也没有启用与宫崎骏多年搭档的久石让，而是由原片《侧耳倾听》的音乐制作人野见佑二负责。相比于久石让的创作，野见佑二的音乐则显得活跃有余，但思辩能力则不强，而风格也较为简单了许多。不过该片的音乐还是颇有流行素质，随着影片的流行也被人们推崇为经典，但不少音乐爱好者还都容易把这组配乐的出处认错，算到了久石让的名下，这不得不说是一个值得说道的谬误。主题曲《变成风》（《风になる》）由过亚弥乃演唱，也很是好听。在快乐而悠闲的音乐声里，象一个大懒猫一样伸伸懒腰、打个哈欠，在享受闲适时光的同时，给自己以一个美好而单纯的心情。


2004年--《哈尔的移动城堡》
　　这是宫崎骏大师首次采用别人的剧本进行创作，改编自英国的人气儿童小说家"黛安娜?W?琼斯的《魔法使哈威尔与火之恶魔》"。这是继1990年《魔女宅急便》后，宫崎骏又一部带有浓厚原著色彩的作品。影片以奇思妙想，谱写出了一段始于幻想空间里的哀伤恋歌，该片与他自己之前的《天空之城》有着很多相得益彰的地方，一样是以飞行作为梦想，以逃避人世间的纷争与侵扰。如果说《天空之城》是日本式的飞行梦，那么《哈尔的移动城堡》则完全可以城得上是欧洲式的飞行梦。
　　与《天空之城》相比，本片的故事情节更为复杂。女主人公苏菲受到魔咒变成老太婆，却无意间走进哈尔的移动城堡，移动城堡里面肮脏不堪，靠一堆鬼火加西卡维持运行。苏菲和这些人住在一起，美妙的人生由此展开……
　　久石让在影片的配乐《印象交响组曲》的创作中一反之前的风格，更多揉入了西化元素，风格也如同影片本身一样渐渐迷离而繁复起来。不过，对于多年以来一直忠实于宫崎骏动漫的拥趸们来说，起初都有些接受不了这种风格上的蜕变。也许，他们需要更多一点的童真，同样也需要那种与以往一样圣洁如诗一般的心灵感受。
　　不过对于我这样的久石让拥趸而言，这样风格上的蜕变，却是完全可以接受的。音乐本无疆界，无文化之隔阂，也无地域之分，区别只在于谁才是它的始作俑者。影片中的《印象交响组曲》，虽不象圣诗一样诱人，但却也流露着些许悲天悯人的大气。就如同一位中世纪走来的智中，在与你讲述起那很多年前，曾经有怎样的一对纯情男女为了爱情与理想，在那块自由的天空上飞舞翱翔。当你细细聆听完毕，会如同饮干那杯苦涩的咖啡一样，为之苦闷，回味无穷。深入进去，你会感受到音乐与交响那超越舞台、跨越时代的震撼力量，赋予你欲哭无泪般的情感冲动。
　　这就是久石让，他会让我们坚信，他的音乐永远都有灵性、有生命。这期待你的发掘，也期待我们抱有一颗矜持的心与放任的理想去将它唤醒……
　　如果在影片音乐中选取动漫迷们心目中的首选，那当然得首推《空中漫步》。这是一则很雅致的华尔兹舞曲，赋予了影片复杂结构外以唯一的单纯与生动。少女的梦想，与少年的果敢，在画面上下缔造了一个异常浪漫、异常惬意的空间。这对于影片残酷的战争外衣来说，是一个不小的违逆，同样也象是一则宣言，正告着真正的爱，永远不会为尘世的纷争与天空的极限所束缚。
　　片中那优美的女声吟唱是《世界的约定》，作词是谷川俊太郎，作曲仍旧是在《千与千寻》中有所表现的才女木村弓，久石让同样没有参与创作。这个唱段是日本的老牌演员倍赏千惠子，同时，她也为影片中的主人公苏菲配了音。最值得说道的，是片中的配乐《人生的旋转木马》，这是本部影片的OP，是久石让亲自操刀的倾力之作。这个曲子有几个不同风格的版本，最为经典的，那还是被钢琴协奏版以及改编后的交响乐版。虽说，《哈尔的移动城堡》的音乐远远不及久石让之前的动漫音乐创作那般流行，不过这个更为新奇、更为实践的《人生的旋转木马》还是赢得了业界优异的口碑，一度成为西方音乐舞台上被竞相演绎的经典曲目。
　　曲目 - イメージ交響組曲「ハウルの動く城」
　　01. ミステリアスワールド Mysterious World
　　02. 動く城の魔法使い Ugoku Shiro no Mahoutsukai / The Wizard of the Moving Castle
　　03. ソフィーの明日 Sophie no Ashita / Sophie's Tommorow
　　04.ボーイ Boy
　　05.動く城 Ugoku Shiro / Moving Castle
　　06.ウォーウォーウォー War War War
　　07.魔法使いのワルツ Mahoutsukai no Waltz / Wizard's Waltz
　　08.シークレットガーデン Secret Garden
　　09.暁の誘惑 Akatsuki no Yuuwaku / The Allure of Dawn
　　10.ケイヴ オブマインド Cave of Mind

schiff

                                                  《辛德勒的名单》电影音乐赏析

    从暗红色的衣袖中伸出一只柔弱的小手，上方有一只显然是男性的大手，正在坚定、有力地挽起这只小手。凸现在这寓意深刻的背景之上的，是老式打字机透过一条仿佛浸染过鲜血的色带打出的名单……这是一张注定要载入史册的原声专辑，不仅仅在于音乐的精彩，更在于深沉旋律后透出的悲伤和希望。当你凝神欣赏激光唱片上这张堪称摄影佳作的封面时，那首听过一次再也无法忘怀的旋律就会重新在耳畔响起……配乐大师约翰-威廉姆斯代表作品，著名小提琴家帕尔曼的演奏为这张原声配乐增色不少。音乐让这部感人肺腑的电影更为深沉、引人思考，重重危难中，人性的复苏成为最感人的诗篇。奥斯卡最佳原创配乐获奖当之无愧……

　　《辛德勒的名单》不仅可以说是史匹伯的重大突破，也是约翰．威廉斯一次经典且突破性的转型，威廉斯以本片再次拿下一座奥斯卡最佳原著音乐奖，在威廉斯过去得奖或提名的作品中，虽然不乏史诗风格的作品，但感觉上似乎向来以气势磅礴，力道震撼的华丽气魄见长，而《辛德勒的名单》同样深具史诗格局和撼人的情绪力量，但不论是史匹伯的电影，或者是约翰．威廉斯的配乐，都选择了用真挚无华的追思，去思考感受历史伤痛，以及其中所散发的人性力量，特别值得一提的还有以萨．帕尔曼的演出，也使这张原声带成为非常具有代表性的演出版本．

　　约翰．威廉斯不使用他个人善长的大型交响乐，反而以小提琴独奏作为整个音乐的基调，实际上形成了更出色的诠释力，这种音色让整个配乐呈现了温和的怀旧色彩，也贴切的呼应了史匹伯带有纪录片气息的黑白摄影．”感伤”或”哀恸”或许不是形容这部作品最好的字眼，它带给我的感受固然也有一些感伤，但实际上大多数的时候并不全然是如此，它带给我的感觉，固然有对历史悲剧的同情怜悯，但更多的时候，是对生命的强韧与人性的尊严，油然而生的感动．

　　两个主题旋律Theme From Schindler\\\'s List和Rememberance，在旋律风格和交响编曲的曲风上，都采取十分平实的气质，但在情绪上却相当深刻，这其中当然也要归功于帕尔曼精湛的独奏演出，小提琴的独语充满了省思和缅怀的温淳气质，不是对人间悲剧的控诉，而是对历史错误的沈思，帕尔曼的表现风格内敛但沈稳深情，威廉斯在交响乐的部分则善尽烘托陪衬的角色，让音乐成为深具说服力和感染力的历史独白．

　　将主题命名为Rememberance，不难感受到，史匹伯和威廉斯并不想以历史秘辛或历史批判的眼光来处理这个题材，不是再去揭开历史的伤口，加深它的痛楚，而是去检视这个事件和它对当事人与时代的影响，并且将这个影响化做忠诚的记录与忠告，传递给不曾经历的人，并希望悲剧不会在历史上重演，这是一个旋律性很优美的主题，提琴独奏版本的凄测自是不在话下，但以弦乐合奏的版本，也另有一番平敛柔和的美感．

　　Theme From Schindler\\\'s List以在I Could Have Done More中最为凄恻，描述辛德勒在战争结束后身份沦为战犯，展开逃亡，临行前”辛德勒的犹太人”送给他一只金戒指，上面刻烙”救了一个人等于救了全世界”，这段音乐中，帕尔曼的表现手法流露出相当强烈的情绪煽动力，闻之著实令人动容，影片结束时的终曲Theme From Schindler\\\'s List (Reprise)，也是一段相当动人的变奏，主题以静諡的钢琴和舒缓的弦乐，在犹太墓碑的长道上徐徐流动著，这一条屈辱先人的小径，虽然无言而沈默，却让人感受到一个民族的悲伤和坚强，令人百感交集，这段主题变奏虽然没有华丽煽情的摧化手法，但却完美呼应了Rememberance的追思与感念，深刻而绵长．

当这首曲子响起的时候，画面上流动的是纳粹正在大屠杀，一切都是黑白色，只有一个小女孩穿着红色的衣服，在地狱般的世界里穿行．

生命是多么的美好，音乐是多么的美好，但愿世界和平．

schiff

《魔戒》电影音乐赏析——解读音乐在电影中的作用

《魔戒》三部曲系列影片试电影史上的里程碑之一。它的成功得源于史诗般的原著、近乎完美的改编剧本、优秀而敬业的演职人员，当然更少不了与之匹配相称的美妙音乐。由于《魔戒》故事庞大、结构复杂，其主题旋律也达五十个之多，本文只能试对其中一部分作一些赏析，并借此评判音乐作为电影的一种艺术表现手法的作用。

首先，影片序幕的开头由管弦乐与打击乐合奏出一段雄壮强烈的音乐，代表着故事中第二纪末精灵与人类的联盟共同对抗黑暗魔君的那场激战。乐曲曲调越升越高，最后达到这一段的高潮，同时黑暗魔君也被击败。响亮的铜钹声后，沉寂了几秒钟。接着小提琴拉出一个缓慢的调子，这个乐句反复变奏，其他管弦乐也依次加入，使乐句逐渐增强，观众便感受到那枚凝聚这魔君大部分力量的至尊魔戒从失落在大河里、沉睡了两千五百年，到被一个普通的小哈比人发现并带到大山下的深穴中，直至五百年后又被另一个哈比人拾获并带回他的家乡这样一个起伏的过程。由弱渐强的音乐暗示着人们已经遗忘的邪恶之源已被寻获并将再度苏醒。

序幕过后，镜头转向拾到魔戒的哈比人的故乡夏尔。这里有如世外桃源，风景优美，看上去赏心悦目，居住于此的哈比人也是一个善良淳朴的种族，所以夏尔的主题音乐听起来也令人心旷神怡。它先由小提琴拉出短促、轻快的音符，代表着哈比人天生乐观的性格。然后是锡口笛独奏的悠扬旋律，呼应了影片中的人物所说的“哈比人一直快乐地住在这里，并将永远这样生活下去”这句话，接着小提琴所奏的曲调也转为悠长，跳跃般的音符改为由低沉的大提琴奏出。整个夏尔的主题音乐表达的是一种和平，欢快而又深沉的情绪。使观众也喜欢上这安宁的地方，并担心苏醒的恶魔将会破坏这里的祥和，增强了戏剧张力。

化身为黑骑士的九名魔戒幽灵是受到魔戒力量控制的黑暗爪牙，强大而又邪恶，他们的主题音乐也有这样的特点。铜管乐奏出的旋律非常强烈，大鼓敲出的沉闷的鼓点加上男声合唱团的男中音伴唱，震撼着观众的心脏，营造出恐怖的气氛。

另一个笼罩在黑暗下的地方——艾辛格——的音乐风格与黑骑士又有所不同。这段主题旋律采用的是四五节拍，听上去有种不确定的怪异感觉，正好符合艾辛格统治者白袍巫师萨茹曼由一个善良的智者沦为野心家的扭曲变态心理。大号低沉的音色令人感到阴森恐怖，钢板沉重有力的敲击有如铁匠的锤子和砧板的撞击声，象征着这里已经成为一个罪恶的工业基地，正在源源不断地生产兵器和盔甲，密谋发动侵略战争。整个艾辛格的主题旋律都弥漫着怪异可怕的色彩。

精灵聚居地洛丝萝林是个古老而又神秘的地方，它的主题音乐采用了古印度风格的乐器和曲调式，充满了异国风情，再加上女声合唱团的轻声吟唱，给人以如梦如幻的感觉。萝林的主题音乐在故事的主角们到达萝林本土时第一次出现。这时候它的曲调是舒缓而稍带忧伤的，女声的伴唱也是空灵飘渺，使观众身临其境，与电影主人公一起感受到如入仙境般的心灵震撼。随着故事的发展，萝林派出军队支援人类的国家罗翰，履行精灵与人类的古老同盟誓约，这时萝林的主题音乐再次响起。但与前次相比，它加入了小鼓急促的节奏，吟唱速度也稍微加快，音乐力度增强，展现了另一种慷慨激昂的风格。

另一个人类王国冈多的首都白城是一座凿山而建、上下共七层的雄伟城市。观众第一次看到它是跟随着纵马飞奔的主角风驰电掣般从最底层一圈圈环绕而上至最高层。这样的镜头固然能带给观众一定的视觉冲击，但真正让人感受到白城恢宏气势的是那背景音乐。圆号、长号、单簧管的合奏稳重、浑厚而又高低起伏，威严的王者之风不言而喻。若没有了这样气势磅礴的音乐，影片的这一部分对观众的感染力必将大打折扣。

当大战 即将来临、白城危在旦夕时，它的统治者摄政王却萎靡不振，不肯采取任何行动，只想坐以待毙。而电影主人公却背着摄政王悄悄点燃了向同盟国罗翰求救的烽火。随着烽火台的亮起，小提琴奏出了高亢、尖利、急促的音符，将沮丧的情绪一扫而空，带来令人精神一振的希望。紧接着白城主题音乐也一同响起，但又比刚才那段多加了大号和大鼓低沉的和音，象征着古老的盟约与誓言将再度生效。随着高大的山脉上的烽火台一个个亮起，背景音乐也越来越雄壮有力，最后金属打击乐的两声合奏更显激昂，将点燃烽火的这一段推上最高峰，观众也因此被激励得热血沸腾。

经过分析以上这些例子。我们可以看出，音乐在电影中是不可或缺的一门艺术语言。通过音乐，可以将观众的视觉与听觉结合起来，加深影片对感官的刺激与对心灵的震撼，使观众更加深入地了解影片所要传达的信息，从而帮助观众更好地理解这部电影的内涵。

要达到上述这些效果，就必须善于运用各种音乐元素：乐器、旋律、节奏、力度以及人声等，才能对电影情节起到推波助澜的作用。以下再举两例：

罗翰国第一次出现在电影中时正处在艾辛格的阴影的威胁下，岌岌可危。此时它的主题音乐节奏较缓，力度也很弱，自然显现出忧伤的情绪。到了后期，罗翰国人民在主角们的帮助下重新振奋起来，击败了艾辛格，并准备履行他们的诺言，响应冈多国的烽火求救信号，前去救援。这时罗翰国的主题音乐旋律虽然没有便，却一改先前深沉悲痛的风貌，且与之恰恰相反，音乐的力度大大加强，速度也变快了，激扬的铜管乐如同鼓舞士气的号角声，将罗翰骑士们跃跃欲试的情绪带给观众。

而在影片进行到故事的最高潮，历经艰险的主角即将把至尊魔戒投入末日火山的烈焰以摧毁这邪恶之源时，背景音乐先是表现出一阵兴奋。然而英雄因为受魔戒力量的蛊惑而迟迟不把它扔下去，于是音乐又随之变得慌乱，音调上下波动，节奏越来越急，带出极其紧张的情绪，使观众的心也越揪越紧，戏剧张力达到最高点。

音乐自有声电影出现以来，已成为它的一个重要组成部分，恰到好处地运用音乐，可以在无言中打动观众，这在整部电影给观众心目中留下的印象分例占有相当大的比重。渲染气氛、调动观众情绪，这就是音乐在电影中的作用。

老王头

狗日的SCHIF    江苏南通赵峰！

Fly Mouse

前面大家推荐的电影音乐都很不错，但是从来没有哪一张CD能象下面这张一样收藏如此众多的美妙音乐，每一首都是经典。
Yo-Yo Ma Plays Ennio Morricone


意大利国宝级作曲家颜尼欧·莫利克奈重新为「海上钢琴师」、「新天堂乐园」、「教会」、「四海兄弟」、「真爱伴我行」、「黄昏三镖客」、「铁面无私」、「越战创伤」、「狂沙十万里」、[嘉莉珐夫人]、[摩西传]、[马可波罗]这些跨越半世纪的电影音乐创作重新编排全新的管弦乐编曲，莫利克奈保留了原乐章的结构，同时为马友友的大提琴编排乐章情绪的切入点，让马友友跟他的大提琴有最精彩的挥洒与表达的空间。而马友友在演绎过程中，一再地赞叹这些旋律带给他的震撼与内心的非凡感动，在这样的心情下，马友友捕捉莫利克奈旋律的情感，不但与旋律本身演出精采的对位，更释放出如慕如诉戏味十足的琴音，无论是「教会」里那种哀莫大于心死的慨叹，还是「黄昏三镖客」中紧绷的江湖霸气，我们彷佛又笼罩在莫利克奈那种揉合意大利豪迈情怀与前卫音乐的创作思维的空间，并再次体验到电影音乐捕捉影像灵魂的精髓。而大提琴音特有的音色，更为每首曲子增添了深入内心的浪漫伤怀。
　　
　　这个前所未有的梦幻合作，由莫利克奈为马友友亲自指挥罗马交响乐团伴奏演出。莫利克奈盛赞，马友友为大提琴与管弦乐之间创造了一份情同手足的深刻情谊，而这些乐章在大提琴演奏下，更是依然保有每一部电影原来的情境气氛。在与颜尼欧莫利克奈合作过后，马友友以简单诚挚的话语赞美这位传奇的配乐大师--「对我来说，你就是一位伟大的音乐家。」　
　
THE MISSION
教会
01 Gabriel’s Oboe [教会]贾布利耶的双簧管
02 The Falls [教会]瀑布

GIUSEPPE TORNATORE SUITE
义大利导演朱赛贝扥纳多雷导演作品组曲
03 Legend Of 1900: Playing Love [海上钢琴师] 爱之曲
04 Cinema Paradiso: Nostalgia (from) [新天堂乐园] 乡愁
05 Cinema Paradiso: Looking for You [新天堂乐园] 寻觅
06 Malena: Main Theme [真爱伴我行] 主题曲
07 A Pure Formality: Main Theme [幽国车站] 主题曲

SERGIO LEONE SUITE
义大利国宝级导演塞吉奥里昂尼导演作品组曲
08 Once Upon A Time In America: Deborah’s Theme [四海兄弟] 黛博拉主题曲
09 Once Upon A Time In America: Cockey’s Song [四海兄弟] 柯奇之歌
10 Once Upon A Time In America: Main Theme [四海兄弟] 主题曲
11 Once Upon A Time In The West: Main Theme [狂沙十万里] 主题曲
12 The Good, The Bad And The Ugly: Ecstasy Of Gold [黄昏三镖客] 黄金狂喜

BRIAN DE PALMA SUITE
美国惊悚/动作名导布莱恩狄帕玛导演作品组曲
13 Casualties of War: Main Theme [越战创伤] 主题曲
14 The Untouchables: Death Theme [铁面无私] 死亡主题

MOSES AND MARCO POLO SUITE
电视迷你影集组曲
15 Moses: Journey [摩西传] 旅程
16 Moses: Main Theme [摩西传] 主题曲
17 Marco Polo: Main Theme [马可波罗] 主题曲

THE LADY CALIPH
嘉莉珐夫人
18 Dinner [嘉莉珐夫人] 晚宴
19 Nocturne [嘉莉珐夫人] 夜曲

BONUS TRACKS
20 The Legend Of 1900: Playing Love [海上钢琴师] 大提琴与钢琴版
21 The Mission: Gabriel’s Oboe [教会] 大提琴与钢琴版

马友友 / 大提琴、颜尼欧．莫利克奈指挥罗马交响乐团

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