金瑯新至尊，声韵G2.1套装以及个人收藏音乐分享

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    李斯特的作品录音很多，收这张碟的原因有点意思。先说说李斯特吧。

    1811年生于匈牙利雷定（Raiding）。当时匈牙利是奥匈帝国的一部分，李斯特的父亲是匈牙利人，母亲是奥地利的日耳曼族人，因此他有两个名字，分别是匈牙利和德语两种拼法。6岁起开始学习音乐，后移居维也纳。1823年来到巴黎。在音乐上他主张标题音乐，  受帕格尼尼的影响颇深。相传贝多芬听了他的演奏后，上台拥抱亲吻李斯特。1876年他创建了布达佩斯国立音乐院并任院长。1886年7月31日李斯特因肺炎死于拜罗伊特（Bayreuth）

    李斯特的作品多姿多彩、极富想象力，充分挖掘了钢琴的音响功能，是现代钢琴技术的创追者之一，对演奏者的技巧提出了很高的要求。作为那个时代最杰出的钢琴家，他对键盘音乐的发展作出了重大的贡献，在他的后期作品中最早使用了20世纪才普遍采用的和声语言。

    李斯特创造了交响诗的形式，留下13首交响诗。最重要的作品是《浮士德交响曲》、《但丁交响曲》、《匈牙利狂想曲》、交响诗《前奏曲》、《马捷帕》、两首钢琴协奏曲、《B小调钢琴奏鸣曲》、《12首超技练习曲》和《旅行岁月》。

     可以说李斯特的钢琴音乐促进了现代钢琴的发展。反过来说若是没有李斯特和他的钢琴作品，现代钢琴或许就不是现在的这个样子。其中十九世纪末诞生的斯坦威D型钢琴，也就是D-274就是在这样的背景下诞生的。之后则一直是90%的音乐家们在音乐会和录音中选择使用的钢琴。法国钢琴家罗杰·穆拉罗正是通过这个视角选择出李斯特的钢琴作品，并在斯坦威274上再现这些作品的。

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     李斯特作品的高难度，许多钢琴演奏者望而却步。过多的技巧是否会扼杀了音乐本身？关乎李斯特的这个问题至今还是具有现实意义。穆拉罗认为，他的作品让人感觉最为难的就正在于此，对李斯特这个人有所误解的前提下会认为他的作品难以演奏。穆拉罗说弹奏李斯特的作品需要运用到他向他人提出的所有建议，同时，还必须花时间研究他的音乐，以突出其中的均衡性。

   今天人们所能演奏的和写出的钢琴作品，都受恩于李斯特，而李斯特的影响远远超过了肖邦。他延伸了钢琴的极限，甚至创造出独奏音乐会的概念。李斯特利用当时钢琴制造工艺的革新（Sébastien érard在1821年发明的double échappement，即通过缩短键盘敲下去与弹回来所耗费的时间而使钢琴的允许演奏速度加快）以及键盘宽度的增加来突破技巧的极限。在他之前从未有人像他那样探索颤音、单手的跨度、通过双手重叠来加速手指运动、参差调谐在音乐中的准则、或者交替八度

据第一位官方李斯特传记作家Lina Ramann(1833-1912，德国作家、教师)所说，李斯特也给当时的钢琴家授过课，他认为不应该对技巧存有这样的想法，即“被动地为技巧奴役”，而应该“先好好地理解一首作品的内涵然后再去演奏”

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    古典音乐并不都是晦涩难懂的，也有一些曲目是通俗易懂的。比如莫扎特的土耳其和门德尔松.e小调小提琴协奏曲，都是通俗又美妙的旋律。今天推荐一张类似这种通俗易懂古典音乐作品集，适合入门的朋友欣赏。

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说说这张碟相关的。
  指挥：马尔科·伯尼（Marco Boni）意大利人，1960生。自幼学大提琴，师从音乐大师Rocco Filippini，毕业于米兰音乐学院。职业生涯始于博洛尼亚市立剧院管弦乐团的首席大提琴手，随后经常应邀与世界著名独奏家如Salvatore Accardo、Yuri Bashmet、Giuliano Carmignola、Bruno Canino等一起在重要的国际音乐节上演出。1987年，他与Sergiu Celibidache恢复联系，后者在伯尼11岁时就教会了他指挥交响乐的基本知识。1994年，伯尼的指挥生涯迎来了一个重要转折点——在意大利一些主要城市成功巡演后，他成为荷兰阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团的首席指挥。


  小提琴手：维斯科·埃施肯纳西（Vesko Eschkenazy），保加利亚人，1970年生。20岁在当地音乐学院毕业，后往伦敦Guildhall音乐学院深造，1992年获得了独奏者的文凭。后在波兰Wieniawski比赛和伦敦Carl Flesch比赛中获奖，并在皇家爱乐乐团、伦敦爱乐乐团、布拉格交响乐团和索非亚爱乐乐团等世界级著名乐团担任独奏家。此外，他还曾在戛纳电影节（MIDEM）、瓦尔纳夏季音乐节和索非亚的新年音乐节上大放异彩。

    专辑中乐团是阿姆斯特丹协奏曲室内乐团（Concertgebouw Kamerorkest），收录了莫扎特、门德尔松与舒伯特的小提琴作品。

    第一首《A大调第五小提琴协奏曲（Violin Concerto No. 5 in A major, K219 'Turkish'）》被广泛认为是莫扎特小提琴协奏曲中最成熟的一部，这首充满活力的回旋曲以独奏的跳跃音符和异国情调的装饰音而获绰号“克莱斯勒”。

   第二首舒伯特的《A大调小提琴与弦乐队回旋曲（Rondo for violin and strings in A major, D438）》完成于1816年。抒情的旋律，自然流露、浑然天成。

   第三首《d小调小提琴协奏曲（Violin Concerto in D minor）》作于1822年，是门德尔松为柏林爱乐管弦乐团的创立者与指挥家里茨（Eduard Rietz）而写。

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对了，顺便提一句，这张录音里面，维斯科·埃施肯纳西（Vesko Eschkenazy）使用了1把1738年的瓜奈里名琴。荷兰五音（PentaTone ）的出品SACD碟的水平还是相当不错的，个人比较倾向这类厂牌的出品。

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ericyangbin 发表于 2021-6-29 12:59
网易和QQ可以找到试听的。

关于这张专辑说几句题外话：
    西方主流古典音乐社会对她的了解是从在80年代中期她旅英之后一场独奏音乐会开始。
     早在63年东德的舒曼音乐赛，她就曾拿下过钢琴的第一。
     73年前东德的舒曼协会(Zwickau)又将对舒曼音乐的演绎有突出贡献的艺术家的奖给了她。同时获奖的还有前东德钢琴家Amadeus Webersinke。这个奖项的获奖者就曾有里希特(68)、彼得·施莱埃尔(69)、尼古拉耶娃(71)、吉列尔斯(73)，后来还包括巴伦鲍伊姆、布伦德尔、席夫等。
    她是一位正传苏俄钢琴家，琴声却独树一帜，闪闪发光的ff，闪烁着银色光泽的和声、令人叫绝的pp……这些都已经不太容易听到。或许像她这样的触键的方式也绝迹了。毕竟不入钢琴教育训练的主流。
    她的录音很少。这和70年代后期淡出音乐舞台有关。一说是因为其胞姐叛逃以色列。远离音乐事业的她开始从事绘画创作，并在莫斯科办过一些个展的。直到80年代中期移居欧洲后则又开了几场独奏音乐会。
   荷兰五音推出这张专辑，是95-96年英国的几场音乐会后的录音。收容曲目亨德尔主题变奏和赋格(Op.24)、4首叙事曲(Op.10)。应该是音色最好的勃拉姆斯无疑，没有之一。也让我们有机会体验到这种亮丽的音色下的勃拉姆斯。
    后来五音又推出了老太太题为Slavonic Reflections——In Recital at Wigmore Hall的，包括肖邦玛祖卡、雅内切克、麦特奈尔和里亚多夫独奏作品的专辑。是2008-09年在Wigmore音乐厅的现场录音。这样的琴声下的肖邦无需多言。

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ericyangbin 发表于 2021-6-27 05:45
王之炅老师不但对于揉音的把握非常厉害。她对于许多跳弓片段的演奏也十分厉害，跳得极为清晰和稳准， ...

关于这张专辑说几句题外话

古典音乐的创作不只是存在于过去，事实上我们同时代的古典音乐创作一直存在并且不俗。但是由于种种原因，这部分的发展似乎不正常的。

   买方（听众）和买方（从业者，既含演奏家，也包括唱片公司、演出经纪和制作人）之间的博弈，从市场的角度看过去，作为买方的前者像是起了源头作用的。

   小众的古典音乐爱好者之中，目前只有非常一小部分才听听当代音乐作品，说实话作为卖方的只能近乎放弃当代古典音乐，而迎合大众或小众的大部分听众的口味需求了。如果从探知的角度来看的话就显得陈腐而乏味了。

Genuin推出的王之炅的专辑(道)，一是小厂牌流量少，二是曲目的缘故，知名度低。不过我倒是觉得这张唱片是国内演奏家推出的最棒的一张专辑。

曲目选择的都是当代作曲家的著名小提琴独奏作品。包括施尼特凯和帕特的2首作品，还包括盛宗亮的小河淌水、莱拉·奥尔巴赫的无伴奏孤寂组曲和古拜杜丽娜的小提琴与钢琴的钢丝绳上的舞者。

以这样曲目开独奏音乐会，顾及国内各大城市都会票房惨淡，室内乐清冷不说，外加清一色冷僻的当代作品，只能是这样的结果。

单从经济指标考量，各大唱片公司也无可能出专辑。从这个意义上说王之炅的这张专辑还是相当牛逼的。整张专辑都是讲究演奏技巧的当代作品，是需要实实在在的技术实力来支撑的。

我个人比较喜欢古拜迪丽娜的那首钢丝绳上的舞者。prepared piano伴奏。用玻璃杯、金属针等直接在钢琴琴弦上拨、划产生出各种音响效果。用作曲家的话说，想通过小提琴与钢琴的对比达到“欲摆脱日复一日凡尘生活而遭遇的风险和艺术的追求”的表现。无论是独奏小提琴还是prepared piano的操控和效果都是有相当难度的作品。当然戏剧性效果也是极强的。效果上看，王之炅和钢琴谢亚双子的演奏近乎完美。

这张具有时代色彩的技巧派专辑，是经得起时间考验的专辑。

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      德国人马丁·赫尔姆钦（Martin Helmchen）是比较受关注的德奥钢琴家。2012年发行的这CD曾获《BBC音乐杂志》（BBC Music Magazine）月度精选，并被予以高度评价：“年轻的赫尔姆钦是个有天赋的新生代钢琴家，就像我期望多年来听到的一样。”

    他的德奥浪漫派钢琴作品的演奏的这些年口碑挺好。近10年之后看这张舒曼专辑收录的舒曼交响练习曲应该是他比较出色的演绎。交响练习曲不单是舒曼的代表作，也是德国浪漫派典型的作品。喜欢听钢琴音乐的是不能不听的。这张录音的指挥是马克‧阿布雷特（Marc Albrecht），乐团是斯特拉伯格爱乐乐团（Orchestre Philharmonique de Strasbourg）。三者配合精彩，音调的控制的准确、动态之间的连续，整体节奏的掌握，各部分相得益彰。
  他的演奏我觉得比较自然，自然之中有感情，在技术与艺术之间达到了平衡。

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放几张专辑照片

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个人简介：
   马丁·赫尔姆钦（Martin Helmchen），1982年生于柏林。6岁习琴，毕业于汉斯·埃斯勒音乐学院，后汉诺威音乐学院继续学习。

   目前活跃于国际乐坛，曾与诸多乐团合作录制古典唱片，包括莫扎特、舒曼、门德尔松、肖斯塔科维奇和乔治·本杰明等。

   合作录制演出的乐团包括：德国柏林交响乐团、斯图加特皇家交响乐团、班贝格交响乐团、NHK交响乐团、柏林广播交响乐团、德国不来梅爱乐团、皇家弗拉芒爱乐团、英国广播公司交响乐团，以及苏黎世、阿姆斯特丹、维也纳、洛桑的室内乐团，科隆和慕尼黑。

  此外，他还与妻子玛丽-伊丽莎白·赫克（Marie-Elisabeth Hecker）共同发起“卢旺达音乐之路（Music Road Rwanda）”项目，致力于讲古典音乐推动到更广阔的平台。

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     70年代初，菲利浦唱片公司（Philips)意识到四通道立体声（QuardraphonicRecording)录音具有惊人的临场感。然而，由于一些技术限制，这样的多通道录音资源从未实现由市场价值的商业化。

     换句话说就是一般的消费者不具备播放四通道立体声音源的设备。菲利普虽然在那个时期录制了许多四通道立体声的音源，但是没有合适的播放设备意味着用户无法享受到这样具有高临场感的录音，因此只能以两声道立体声推出唱片。这就意味着40年前播下的种子无法开花。

     现在多亏了多声道SACD技术的普及，终于有了这样的一个系统可以重播当初的录音。这些珍贵的多通道音源制作成唱片的面市了。五音公司直接从菲利普购得有限的母带使用权，我们可以以高临场感的方式体验到科瓦塞维奇和科林·戴维斯指挥的BBC交响乐团在七十年代录音的贝多芬第2、4钢琴协奏曲。当初初简化成两声道立体声而出的cd和lp就显得粗略了很多。临场感也无法和多通道的相比。

   科瓦塞维奇是从11岁起便登上舞台的神童钢琴家。擅长浪漫派钢琴独奏作品的演绎，其中勃拉姆斯的演绎颇具口碑的。七十年代在Philips留下的录音一批都是经典。

    备注：RQR(Remastered Quad Recordings)series，是荷兰Pentatone公司有期限下菲利浦Philips的四通道（Quardraphoniccording）录音音源的使用许可，并使用当时的录音母带进行DSD处理，并使用SACD多通道再现了70年代还没有商业化的4通道立体声音源。

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老规矩，上专辑照片。

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   还有一张五音出品的4声道sacd。1974年阿劳演奏的舒曼:童年情景/勃拉姆斯:帕格尼尼主题变奏曲。临场感的体验完全不同于立体声cd，很棒！

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    手上不少五音的sacd，对这个公司比较喜欢。扯几句五音。

     Penta一词是五的意思。penta源于希腊语，five源于拉丁语。tone音调的意思。Pentatone根据字面意思就是五音。简单粗暴。说到Pentatone公司，和Philips颇有渊源。原来Philips的录音制作团队，在2001年成立的唱片公司。

   五音的优势在于其SACD，尤其小编制和室内乐方面确实堪称完美。五音的主打产品也都是清一色的小编制，大量采用7-80年代Philips首创的“四相位”录音的大量库存母带，重新使用DSD技术混音，给那些经典老录音，穿上最新的技术外衣。这些重新再发的录音，也被冠以“RQR”系列。

   五音公司的官网，（http://www.pentatonemusic.com/index1.htm）官网做得非常简洁，艺术家检索功能完善，唱片在线购买试听。他们除了经典唱片的再版，也有真正的全套SACD唱片，其中也有不少受好评的新录音。和CHANNEL一样，他们是真正的SACD唱片的倡导者，也是少数还在坚持的公司。

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   说说我对sacd的感受。
   在关心作品的演绎和音乐性之外，听SACD首先面对的一定是音效问题，与从前的概念不可同日而语，得益于混合多声道技术，音色细腻，立体感惊人，动态起伏非常之大。SACD相比CD能表现出更多的声音细节，整个音乐织体的透明度也非常之高。SACD的音效正是对音乐性最直接的服务。
   举个新旧2个例子：RQR是“四相位录音重制”（Remastered Quadraphonic Recordings）的缩写，有很多顶级大师的录音母带，如利普斯、马祖尔、戴维斯、海丁克、格鲁米欧、谢林、阿劳、阿梅玲、卡巴耶等人的录音。我喜欢的阿劳这张舒曼和勃拉姆斯录音（ptc5186170），童年情景的每个乐句都那么深情款款，音乐的美感扑面而来，动感呼之欲出，算得上录音的“满分”之作。在“RQR”面前，还有谁能够挑剔音效问题呢？PentaTone的SACD终于还原1974年的阿劳。
      意大利人卡洛·庞蒂，他指挥俄罗斯国家乐团演奏的穆索尔斯基作品（PTC 5186 332）精彩纷呈，令人惊艳。展览会上的图画果真栩栩如生，如临其境，声音的逼真效果像是电影大片的配乐。