看片杂记

schiff

年薪24万美金，又跳到120万美金，小孩有点问题，离婚，父亲普利策奖获得者患淋巴癌，被人泼了点快餐饮料。

发点牢骚可以，但这样唧唧歪歪的弄了一部片子，我感觉是扯淡了。看到最后实在很不耐烦的删除了。

回头一想，尼古拉斯.凯奇真正看的比较顺眼的也就一部夺命岛，这人的选片品味和演绎方式实在不适合我的口味。





戴维（尼古拉斯·凯奇 饰）是名天气预报员，可是他没有专业知识能用在工作上，当预报的天气并不理想时，观众们会在街上肆意向他丢垃圾。戴维对自己的生活感到灰暗，与妻子（霍普·戴维斯 饰）离婚更是对他的一个打击。如今他得到一个前往纽约重新工作的机会，可是他必须要面对与孩子们并不融洽的关系。儿子迈克被戒毒时认识的辅导员性骚扰；女儿雪丽的肥胖被学校的同学耻笑，性格忧郁。更令戴维伤心的是，他的小说家父亲罗伯特（迈克尔·凯恩 饰）患上了绝症。
　　戴维希望父亲能看到他的成功，他更想与前妻复合，一家人到纽约重新生活。无论做了多大的努力，他与家人的关系并没得到和缓，他依然遭到观众的垃圾袭击，他更开始抗拒前往纽约。
　　此时他看到父亲平静面对死亡的态度，并在与父亲相处的最后时光中，戴维被授予了很多人生的道理。




　宋英杰是中央气象台的预报员，也是中央电视台的气象先生。但是尼古拉斯.凯奇扮演的是气象先生，气象先生可以不懂天气，他只要帅，懂得在绿屏前比划一下就好。所以，把这部电影翻译为《气象预报员》的译法，不是音译，也不是意译，而是霸译---金山词霸译法。
　　
　　我曾经是天气预报员，这一身份对理解《气象先生》一片完全没有任何帮助。整部影片涉及到天气预报技术的部分不超过15秒，而且是用美国国语，没什么术语。国内对该片赞誉之高，让我觉得中国已经步入了中年社会，而且整个社会的形态结构是标准的橄榄球型---我们拥有强大的中产阶级。
　　
　　《气象先生》是几年前《美国美人》的回音，又一部讲述美国城市中产阶级中年危机的影片。我今年进入31岁，还没中年，有经济危机没有中年危机。我一不中年，二不中产，三不熟悉美国文化，所以对这部片子的理解非常艰难。一小时三十四分，感觉是有人在和我一直谈如何推杆上果岭，或者是谈论赛马的血统。
　　
　　我没有影评家的能力，同时跨越文化、种族和社会阶层，还能理解得深入浅出，深得三味。我只能按照一个中国人的理解来看这部片子，并且将这部片子尽量国产化：
　　
　　李大卫，男，42岁，上海电视台气象先生，有房有车，体健貌端，作风正派。这一年，一个机会摆在了他面前---央视新闻部需要一位新的气象先生，李大卫有很大可能入选。一旦入选，他就可以当着全国人民的面胡说八道而不仅仅局限于上海地区，银行户头上的现金流量也将大幅度上升。但是，李大卫就是高兴不起来，而且一点都不。
　　
　　为什么李先生不高兴？因为他觉得自己无足轻重，面对生活全然手足无措。他的父亲，李有田先生，中国作协副主席，茅盾文学奖获得者，范长江新闻奖得主。长期以来广受人民群众的尊重与爱戴，并多次受到中央领导的接见，被X老称为“国之熊猫”。最近，有田同志身体不舒服，多次接受检查。在检查过程中，心理上压力很重，甚至完全忽略了自己儿子的存在。
　　
　　李大卫的婚姻早已破裂，前妻陈红带着两个孩子过活。李先生没有再婚，也没有女朋友，没事喜欢开车在陈红楼下看看灯火和孩子们的身影。儿子李杰伦，眉清目秀，因此遭人引诱，几遭怪叔叔性侵犯。女儿李文，痴肥，遭到同学嘲笑，起外号曰肥鲍---因为肥胖，裤子又紧，因而终日寡欢，想学习射箭而射杀活物。具体是什么活物，电影里没交代。李大卫很想和陈红破镜重圆，但是终不可能。
　　
　　在日常生活中，由于气象先生的预报不可能百分百准确，所以他屡遭上海群众羞辱。上海群众羞辱的方法很别致，用食品饮料砸他。往往是听到一声：李大卫，小赤佬！然后就有MAC、KFC、三黄鸡、南翔小笼包等等等等东西飞过来。之后，身后传来一阵爽朗的笑声：戆头！死特啦！上海群众就飞快地跑掉了。久而久之，李大为对自己的工作也产生了怀疑，觉得这份工真的相当无聊，垃圾时间里的垃圾节目。
　　
　　事情在去北京面试的时候全体爆发：正当他在燕莎购物中心劝说女儿换上裙装，以避免被同学嘲笑，并且取得了良好效果的时候，打击接踵而来。首先是儿子被怪叔叔骗上车，在抗暴防身过程中引来了警察，却被怪叔叔反咬一口说是李杰伦试图盗窃他的钱包，进去了。父亲随他去301医院做检查，被确诊为淋巴癌，还有三、四个月好活。
　　
　　李大为面对着这些事情，几乎就快崔永元了---国外管这个就叫“中年危机”。国内遇见这种问题，要么就在台里忠祥了，要么就出去宾馆金斗了。但是美国文化就是不一样，毕竟是清教徒啊，怎么能那么凯歌呢？所以，他选择了中国古代君子必须学习的“六艺”之一，射！射箭。最后如何，我就不谈了，反正李大卫进了央视，李有田逝世，生活还在继续，不高不低，不好不坏。只是北京城里多了一个随时身背弓箭的男人，坚定地步行在理性的三环上。
　　
　　我不知道什么是中年危机，也理解不了那种心情。我只知道中年危机的意思就是喝闷酒，更年期的意思就是脾气怪。这里谈谈电影里我能看出来的东西。
　　
　　从风格上说，该片很冷。非常冷清的感觉，没有什么激烈的剧情。导演似乎在追求一种客观和自然的手法，描写一个中年人的生活和精神状态。尽量不多说话，而是旁观。所以整个片子很平淡，甚至有点散。其中反复出现了两次同一个镜头---无数碎冰的湖面。觉得这和本片的主旨很吻合，冰凉，一切都在破碎之中。颜色的运用上，现实镜头非常冷清，但是偶然的几个回忆镜头却反用了暖色调。导演用这种方法强调危机中主人公的感受。平淡是贯穿全片的统一风格，小小嘲讽，小小悲伤，小小调侃，小小麻烦，但是绝对不波澜起伏。美国方面的影评说，这是部黑色喜剧。
　　
　　我觉得对于中国观众来说，这是部可以敬而远之的影片。因为电影的观众大部分不是中年人，是中年人也没危机，有危机也不会采取他的办法。一句话，我们活得磁实着呢，就不要替美国中产感悟了。悟不出来的。中国有相同感悟的，又根本不看电影，正在过劳死的路上。喜欢电影艺术的朋友可以看看，不喜欢看也没有什么，那毕竟是人家的事，在那种活法下活出来的郁闷。咱们呢，还是先奔着小康去，矫情不到什么危机。






　一个芝加哥电视台的天气预报员，年届不惑了还怕著名作家老父瞧不起，很想证明自己已经成熟和成功；离了婚可还想着和前妻复合，但又拙于表达适得其反。他12岁的胖女儿开始抽烟并对什么都不感兴趣，15岁的儿子在戒毒中心碰上了恋童癖的gay，一个溜肥肠般的男人正在追求他的前妻。就连他走在街上都会倒霉——可能是因为他预测的天气不准，也可能是因为预报节目的广告词太屌，所以不时会有人往他身上丢垃圾。
　　
　　另一方面，他年薪24万刀，开着volvo s80，是住在高档公寓里的单身中产，作为公众人物可以经常把对上眼的女人带回去搞一搞。看上去啥都不缺，可是他依然很困扰。他困扰于与身边亲人不能很好相处，他困扰于孩子的成长、父亲的健康，他困扰于自己的性欲无处不在，他困扰于和前妻的关系永远糟糕，困扰于自己的小说草稿在老婆眼里很可笑，他也困扰于自己预测的天气难以精确——总之，他困扰于生活中的一切都不可预测也不可把握。
　　
　　他正应聘全国性节目“你好美国”的天气预报员，年薪可达百万，可以让他把一家人迁至纽约重建生活。
　　
　　他那罹患淋巴癌的父亲举办了一个告别晚宴，他在会场接到了纽约录用的电话后，冲向前妻报喜说我一年能挣120万了，让我们一家重新开始吧。妻子略显尴尬答道，我要嫁给肥肠了。
　　
　　作为既定的程序，他要在父亲的宴会上致辞，可他只说了一句话就停电了。那句话是“一想起父亲就想起一首名为like a rock的歌”。40分钟后来电了，客人也都就餐完毕了。没人想起他的演讲，他便以为所有人都没听到他戛然而止的那句话。
　　
　　一切都糟到不能再糟，接下来的日子里他几乎失去了生活的方向，把写了多年的小说删掉了，甚至连纽约也不想去了。他说，操，再没有什么值得期待的了。
　　
　　他的内心一度充满愤怒，找到那个企图侮辱并污蔑儿子的猥琐男臭揍一顿，还用弓箭（为培养女儿体育兴趣而放在后备箱的）瞄准了那个夺走他重建家庭希望的哥们，肥肠先生。
　　
　　就在这时，父亲来了，车里响起那首歌like a rock。
　　
　　。。。
　　“你的小说我看过了。”
　　“哦，我把它删掉了，不想再修改了。”
　　“唔，这也是我一直以来的方式，你知道，就像你预报天气很出色一样”
　　“可是我并不能预测得准，没人能，因为这风总是乱七八糟地吹着”
　　父亲喊住欲走的儿子，关上音乐，说“人生一样是乱糟糟，你必须丢弃（chuck）一些东西，必须丢弃那些粘在鞋底像狗屎一样的东西，牵挂你该牵挂的，留下你该留下的，你（相对于我）还有时间。”
　　父亲走了。
　　。。。
　　
　　
　　在这部平淡叙事如同白水的电影里，上面那段最触动我。
　　
　　年轻时，谁不想做个坚如磐石的男人，攫取一切，掌控一切，当然，也会为理想付出一切。可这一切却都不是笃定的，都不是可以预测的。我们的能力，不可能像幻想中的那么大，而且，我们的运气也不可能总是那么好。
　　
　　往往你会发现，你得到的不比失去的多，光阴的流逝、感情的破裂和亲人的别离，都不是单纯的数目字变化那么简单。生活既像飘忽不定的狂风也像不期而至的酸雨，你的方向在哪里，你的避雨处在哪里？丢弃一些不得不丢弃的东西吧，只留下那些你必须去照看的东西，就能走得更为坚定。
　　
　　虽然到底要丢弃些什么，电影里的父亲没说，不过预报员肯定懂了老爹——电影中，那段谈话后的冰雪消融，即使如我这样对镜头语言不甚了了的人也知，预报员获救了——至于他到底丢掉了些什么，看看这部电影就明白了。可那仅是他的丢弃，不值得参考更无需效仿。
　　
　　前几天看到豆友说，97岁的英国思想家说自己没有困扰是因为生活在表层http://www.douban.com/note/19616287/。现在联想起来，假如我们闯入生活就像一个猛子扎入深潭里探宝的话，不丢弃掉那些缠住我们的东西，就不能浮到水面换口气。
　　
　　每个人的生活是如此不同，所以每个人的重负也都不尽相同。所以，到底要丢弃掉什么，没有固定答案，但是去寻找这个答案的过程是艰辛的，这部电影和尼古拉斯凯奇的表演多少展示出了这个过程。从这个意义上说，人生的意义不仅在于获得什么，也在于抉择那些应该丢掉的东西。
　　
　　我们是不是都有把曾经最为珍视的东西丢掉的经历，是不是感到追悔莫及，是不是也曾感到不该丢的丢了而不该留的却留了。
　　
　　好比驾车在路上的人，为了能载上更多的小玩意，把油箱甚至是发动机扔掉，这样的家伙，是不是很蠢？
　　
　　那些给我们勇气支持我们持续向前的动力，那些我们用血脉或黄丝带把自己与之紧紧系在一起的人，那些被我们笼统称之为信念和爱的——与灵魂息息相关的精气神，都属于确保我们不会半途抛锚的动力系统。这样的想法，是不是很酸？
　　
　　无所谓了，只要这些很酸的东西还在，我们就可以坚韧而乐观地朝前走。其它的，也都无可无不可了。







谁也不知道风会把云吹到哪儿去，但我们可以在下雨的时候打一把伞。
　　
　　人们总是朝The weather man的身上扔脏东西，冰激淋、热的苹果派、上校鸡块……一次次打上他笔挺的黑色西服。后来他发现，人们朝他扔的都是食物。又过了一段时间，他总结出这些食物都是快餐。于是他开始思考，人们为什么向我扔快餐？人们宁愿这样丢掉也不吃下去？几乎在思考的一瞬间，他就得到了答案：快餐只能填饱肚子，却不能给人营养，而对于别人来说，他也不过是一份快餐。
　　
　　他是一个气象预报员，却没有气象专业资格证书。他只是将那些台词背下来，然后到摄像机前表演一番。他不会预测何时下雨，因为风总是变来变去，谁知道它会把那些云吹到哪儿去。
　　
　　他是一个父亲，有个12的女儿和一个15岁的儿子。女儿身材很胖，他却让她学习芭蕾；儿子在少管所接受教导，他所做的只是每天接他回家。他不知道女儿因为肥胖被同学嘲笑，儿子也被一个同性恋管教诱惑。
　　
　　他是一个丈夫，却总是听不进妻子说的话。让他买调味料回家，他出去后买回两大包东西，就是没有调味料。
　　
　　他是一个儿子，总是想在28岁就获得国家图书奖的父亲面前，证明自己。结果却只证明自己是个傻瓜。
　　
　　这就是他的快餐生活，他用父亲、丈夫、儿子的名义填满了儿女、妻子和父亲的生活，实际上，却对他们毫无用处，并不能真正帮助他们，和他们共同分享生活。就像他每天结束两个小时的工作后，靠在饮水机旁边望着继续忙碌的同事，他不知道自己该做些什么，因为他的工作已经结束了，剩下的只是茫然。
　　
　　当他意识到快餐生活的空虚后，他开始改变。
　　
　　他为女儿买了合适她穿的衣服，让她能在同学面前漂亮自信。他为儿子打了那个猥亵未遂又诬告儿子的管教，让儿子远离充满谎言的成人世界，回到纯真的少年时代。
　　
　　他得到了“你好，美国”节目中的工作，薪水每年120万美金，超过了他的父亲，父亲终于说：“这是个伟大的成就。”
　　
　　他试图与妻子重新开始，妻子却已经嫁人。
　　
　　这就是生活，我们把它当作快餐，它就会把我们当作快餐。In the shit life，快乐的方法是融入与分享。
　　
　　我爱这部电影，因为它诠释了生活的意义。谁也不知道风会把云吹到哪儿去，但我们可以在下雨的时候打一把伞。








　Dave的父亲在二十多岁的年纪获得了美国国家图书奖，十多年后他拿到了那一年的普利策奖，卡特总统认为他是这个国家的财富之一，人们都说他位列美国最有地位的作家。这个叫Robert的男人优雅，克制，冷静，从不说脏话，工作上的成就并没有令他付出家庭的代价，他的家庭完整、和谐，妻子是个标准的贤内助，对儿子的教育并不曾缺失。
　　
　　Robert的儿子叫Dave，就这么一个独生子。他的本职工作是在芝加哥的一家电视台当天气预报员，可是很遗憾，他没有气象专业学位，每天只能按照气象技术顾问的布置来播报天气。他常常报错，由此成为这个城市里平民们讪笑的对象。走在街上的时候，Dave时不时会被飞来的快餐击中，这种垃圾食品种类繁多，味道不错，却毫无营养。Dave说，这正像他自己。
　　
　　Dave一年挣二十四万美金，这仅仅只是出场费，他开着Volvo S80，住着高档公寓。唯一和他父亲不同的是，他的人生还做不到那么完美。于是，夫妻分居，儿子有吸食大麻的前科，女儿小小年纪便开始抽烟，对人生毫无兴趣，被学校的男生们耻笑作“骆驼趾”。Dave试图应聘纽约一家电视台王牌节目的主持人，以此来改变当下毫无进展的境遇。这正应了伟大领袖教导我们的一句话，在万恶的资本主义社会，金钱不是万能的。
　　
　　饰演Robert的是Michael Caine，饰演他的儿子的是Nicholas Cage。从头到尾，Caine是这样的冷静而面无表情，在面对乱成一锅粥的儿子和日益迫近的死亡脚步时，他至少在表面上维持了一贯的绅士和坚强。只是刚开始听到癌症上身的消息时，他的腿似乎显露出了一丝颤抖的征兆。
　　
　　他毫不动怒的批评儿子喜欢说脏字儿，也满脸堆笑的和来参加他活葬礼的朋友们叙旧，生命的尽头，他仿佛一直是在礼节性的履行和他角色地位相符的责任。当时日无多，他看到儿子陷入僵局苦恼绝望时，才将儿子叫进车里，带着恳切而非客套的微笑，说，“你要学会放弃”。我不知道，这个老人在走向死亡的路上，是不是也在思考他的一辈子是否放弃过什么呢。
　　
　　在我的印象里，Cage一直是作为一个美国中产阶级的典型样板出现的。他聪明，自信，有赚取财富的能力，也时时有些小苦恼。随着我的长大，这个中产阶级的审慎魅力也在一点点地削弱。在我最初看到的Moonstruck和Birdy里，他是过分的年轻、忧郁，年轻就够本，年轻就是最大的张力。可他也在一点一点，变老，变烦恼，于是这几年有了火柴男人，有了天气预报员。
　　
　　Weather Man这个职业很有趣，人们因为他没说准天气而诅咒他，却从没想到过，天气永远是变幻莫测的。就像Dave四十岁的人生，他不能掌握天气，不能掌握预报的尺度，不能掌握儿子和女儿的堕落，不能掌握妻子的渐趋渐远，也不能掌握父亲的癌细胞天天在扩散。幸好，这种个人的脆弱和无力并没有被编剧和导演放大，因为这些，只是我们在生命中经历苦难的必修课而已。谁也不能逃过。
　　
　　Dave的妻子很漂亮，也很能干，可她就是喜欢上了薪水没他高、长相没他帅的小矮胖子。Dave有一次想，如果他那次没忘记帮她带一瓶调味酱回家，是不是就不会导致家庭破裂？这种不切实际的幻想很快就被妻子对他的咆哮击碎：知道为什么我和你过没有激情么？因为我恨你，恨你的发型，恨你丑陋的腿，恨你那活儿放在我嘴里时的感觉！
　　
　　我不知道Dave面对他老迈的父亲时是种什么感觉，是不是也像我看到我爸想象有一天我也到这岁数时的样子。而我看到Dave的时候，有意无意的就在想象，我有一天到了这岁数是不是也是这个焦头烂额的样子。然而，避不开，任谁也避不开，避不开的东西，只好调整自己的心态去面对。就像Matrix里那个光头小和尚说，改变的不是汤匙，而是你自己。
　　
　　100分钟的电影，仍然是Cage的独角戏，活脱脱就是他，他活的无非比这好一点、坏一点，我们每个人也都是。从头到尾贯穿的音乐，也如戏里的天气，持续在冬天的泥泞中舞蹈，既没有摇滚或者R&B，也没有煽情的钢琴和提琴--清清爽爽的轻音乐，节奏感不多不少，不昏睡，也不慑人。结尾的字幕里，赫然写着：“Music By Hans Zimmer”
　　
　　Cage也同样拿手于这种活儿，美国式的小品，最激烈的时候也保持和我们平时生气愤怒同样的分贝和力度，并不试图昭示或预言着什么，也就是一出四十岁男人过日子的样板戏罢了。生活破碎的高潮被打翻在地，擦干之后，平静如初，我们对于未来，仍愿意保持一点谨慎的乐观，微微翘起嘴角。

schiff

　
美是可怕的，而美的自我毁灭就是悲剧。

不仅是悲剧，而且荒诞，不怎么看得懂。





《Mes nuits sont plus belles que vos jours》是这样一部有着古怪痛苦的电影，中文译作，我的夜晚比你的白天更美，左拉斯基导演。一个被病毒侵入大脑的电脑词语天才和一个具有透视能力的女子相遇并发生了爱情。他们的肉体和精神互相刺激，最终男人和女人一起沉入大海......
　　
　　看了不到十分钟，我就呈现这样一种状态：身体和思维各有一半溶合进去了，但另一半身体和思维则裸露在外。溶合的一半和裸露的一半交替占领导地位，它使我变得难过起来。不懂法语，对白一句也听不懂，也使我沮丧。我直觉，这部电影的译者要么不专业要么不敬业，有很多应该会精彩的句子给译得不明所以，一个又一个单词蹦出来，毫无联想，叫人摸不着头脑。
　　
　　再往下发展，出现很奇怪的冲突，裸露的一半想进去，而溶合的一半又想出来。真想有人在背后给我一棒子，将我打晕。梦境、童年、过去、现在和幻想、未来不打声招呼就挤成一团接踵而来，完全没有时间和空间的概念。我懒得分清它们的状态，也许根本就不必分清。
　　
　　也许是此类分析生存压力和心理的电影看多了，看到苏菲玛索时时流露出一脸七情六欲的时候，忍不住想套用一句王菲的歌词：永远在爱与痛的边缘，我甚至有另类琼瑶版的错觉，只是换了一套表演而已。
　　
　　法国人就这样，有时候喜欢夸张一点，小题大作。拨开云里雾里的人种和文化背景，最终我仍然清醒过来。德彪西是法国人，我一听他的奏鸣曲就四肢瘫软，内心波澜起伏，给吓得半死不活的，嘴里只剩下嘶嘶冒凉气儿的份。但是当最后一个音符落定，我镇静下来左右瞧一眼，发现这世界仍然好好的，甚至一点变化也没有，就立刻心安理得起来。
　　
　　末尾有个镜头很震撼，男人戴着白手套，从背后抓住女人的头发，将她的头用力往门两边撞去，一下，两下......男人和女人绝望的眼神。男人的童年，亲眼目睹父亲因吃醋而和母亲双双溺死在河里；女人的童年，缩在角落常常看见母亲遭到父亲虐待毒打。由于是预感得到的结局，所以看来看去，骨子里仍然脱不出钢筋森林般的颓废和落寞，但是我嫌它有几分粗糙。也许是它拍得太早了，1989年多少和现在格格不入。




一个能预测未来的女人，一个诗人似的疯子。他们俩都有一个诡异的童年，卢卡斯亲眼看着父母溺死，死的很奇怪，我不明白；苏菲玛索的童年面对的是性无能的父亲的暴力和荒淫的母亲。为什么要让她有预测未来的能力，难道是命运的指示吗？要让她永远生活在痛苦之中，因为她能看到别人最隐秘的内心，人性的惨白点，这确实很痛苦。但那个疯子的出现却为她的生命打开了新的窗户，但她知道他即将结束自己的生命，这又是一种折磨。我觉得是卢卡斯对爱情的执着战胜了一切恐惧，所以结局比较美满吧。不管怎么说，我还是不能体会这种爱情和里面对人性的洞察。

schiff

裘德洛早期作品，玄乎，创意还算独特。
值得一看。[s:20]  [s:20]:victory:




这是一个虚拟实境的系统，所采用的科技，进步到包含生物学。它远远超越时代。
　　
　　 游戏的设计者爱丽拉盖勒美丽性感，是电玩界的女王，对自己所设计的游戏，她一向全心投入。
　　
　　 X接触之所以那么真实，是因为它的驱动器，是一种类器官，可直接插入玩家的神经系统。这个驱动器可以影响玩家的记忆、焦虑与专注力，玩的人不同，游戏的方向就不同。
　　
　　 在试玩大会上，各方玩家齐聚一堂，体验爱丽拉的最新杰作。想不到半徒杀进一群反X接触的人，以一种奇怪的武器破坏驱动器。在一片混乱中，爱丽拉被泰德皮库救走。泰德在公司里职位很低，这次在试玩大会上支援当警卫。爱丽拉与泰德为了躲避抗议者，双双进入X接触。在X接触里，爱丽拉回到家中，泰德却仍然带着爱丽拉东躲西藏，逃避为了领赏追杀爱丽拉的各方杀手。
　　
　　 在爱丽拉的带领下，泰德逐渐与爱丽拉一起沉溺在游戏中。泰德逐渐取得主导地位，两人越玩越出不来，变成游戏中又有游戏，现实也越来越遥远，越来越虚幻。另一方面，反X接触的势力仍在步步逼近......
　　
　　 大卫-克郎能堡，国际影坛最富争议性、最成功的导演之一。一九七五年的处女作《THEY CAME FROM WITHIN》，以及之后的《RABID》、《VIDEODROME》都是恐怖片，一般公认这些作品都隐含了丰富的社会议题。
　　
　　 克郎能堡是加拿大人，善于探讨虚幻与现实，以及外力对这一切造成的影响。《X接触》结合紧张的动作场面，以及幻想与现实模糊的界限，是克郎能堡截至目前最有野心、最挑战的作品。　　








《eXistenZ》正是这样的影片，来自柯南伯格，1999年的作品。但放在柯南伯格所有的影片中，它更像是《变蝇人》的延续，从主题到风格，与《撞车》有一点点的相像，纠缠在金属、肉体、意识之间的神秘体验，气氛是一如既往的诡异、迷离、只是少了一点点性感。和他后来《暴力史》、《东方的承诺》中的男性、政治主题相比，相差很远。
　　
　　从片名就可以看出，这是一部拷问“存在”，这一哲学命题的影片，只不过它借用的表达形式是电脑游戏：你的生活究竟是不是只是一段游戏场景？你自己究竟是不是只是一个游戏人物？尤其是出现了 Second Life 这样的游戏之后，现实与虚拟世界之间的界限进一步模糊，柯南伯格的这种拷问变得更具意义，令人心生寒气。
　　
　　但其实，这部片子的很多想法并不新鲜。从脊柱插进管子连入主机的想法，在押井守的《攻壳机动队》里已经见识过了。从结构上说，《eXistenZ》像极了《十三阶梯》，套层结构，就像剥洋葱，不知道剥到里面的哪一层，才能走出虚拟世界，看见真的现实。好在他在结尾的地方留了一手：我们还在游戏里吗？以疑问结尾，没有答案的答案。在结构上，《eXistenZ》和《十三阶梯》的差别，就像是《K-PAX》之于《这个男人来自地球》。从风格上来说，他继承了《银翼杀手》的衰颓，以及特里·吉列姆的那种脏科幻的调调，与《十二猴子》有几分相似。尤其是延续了柯南伯格本人《变蝇人》里的那种，好像粘连着生物体体液的糜烂、腐臭的气息，转基因的生物，变态，解剖，血肉。这种很有几分恶心的化妆处理对于柯南伯格来说，似乎驾轻就熟。
　　
　　电影深不深刻与好不好看，完全是两个概念。好在，《eXistenZ》给我带来了强烈的观影快感。看得出来，这部片子是很有企图心的，但柯南伯格夹杂了他太多的想法，反倒有些过犹不及了。这部片子的男主角是漫画感很强的裘德·洛，在2年之后，他出演了斯皮尔伯格的《A.I.》。其实基奴·里维斯出演 Neo 也不是第一次触电，在4年前，他出演过一部很小众的科幻片《Johnny Mnemonic》，也是类似的主题，虚幻空间的子民。





肉感的驱动器，有点耳朵样，也很大肠；还有男主角用他的双手，粘满了油腻，将一只只变异的两栖类动物像肉骨头那样吃，那时，他说了一句：很恶心，但我控制不住。”最后，残肢组成了一把枪，一枝用牙齿作子弹，不会被高科技所查到，大概只有007才有吧。很酷，并且贯穿了全片。并且上述两栖类动物还是肉感的驱动器的材料，靠你的新陈代谢，来驱动你的游戏。

schiff

实在想不出这是08年拍出“东京奏鸣曲”这样作品的黑泽清的早期作品。

看后很压抑，关键时那个医生总是制止高部让其克制，让人很难受甚至厌恶。

高部7枪毙麻美让人舒心些。

[s:20] [s:20] [s:20]





东京连续发生数起离奇命案，所有尸体上皆刻上“X”符号，而在场的嫌犯都不记得自己所为，这令警察们大为困惑。刑警高部（役所广司饰）断定有人利用催眠术行凶，一名在海岸徘徊的半失忆青年间宫（荻原圣人饰）成为怀疑重点，与该青年接触过的教师、警察和女医生都这样杀了人。
　　随后高部着手对间宫进行审讯，却总被他的言语打乱，调查毫无进展，再加上妻子因精神疾病住院，高部的情绪变得极为糟糕。高部的朋友心理学家佐久间劝他不要再和间宫接触，自己却被无意识使用催眠术的间宫逐渐操控。不久后，间宫从精神病院逃走，而佐久间被发现自杀身亡。高部来到以前间宫提过的一间废弃小屋中，遇到了间宫并将他杀死，对方满足地死去。然而一切并没有就此结束……



1997 年的《CURE》，其故事魅力在于迷雾缭绕，又层层揭开，充满可供分析的众多章节。从片头的《蓝胡子》，到中途的Franz Mesmer，以及最后模糊人脸的照片。在催眠师和被催眠者，诱导者和诱导对象之间，影片建立了完整的对应关系，而不是简单的角色转化，它的主题在于每个人都会在高超成功的诱导下，成为无所畏惧的凶手。
　　
　　每个人都具有如《CURE》中的可受暗示性（可催眠性），只不过不同人之间的可受暗示性程度不同而已。一般来说，人的这种可受暗示性的程度是相对稳定的。但据说这种可受暗示性的程度也是受年龄的影响的，一般认为人的这种受暗示性在儿童时期是较高的。在青少年时期可以达到最高，之后，随着年龄的增长而逐渐的下降（来自维基）。Mesmer的理论与观点，正是剖析影片的良好入口。
　　
　　《CURE》里高部因怀照顾妻子的明确目的，扮演着同样重要的双重角色，精神不安的妻子，使得高部拥有足以抵御间宫催眠的强硬后盾，抵挡间宫“我是谁”的言语暗示，但随着调查深入，不可避免地受到间宫的影响，尤其是在他调查了间宫的住所后，面对猴子尸体以及书籍之海，无法制止地产生幻灭感。镜头在此处开始出现幻觉，并且暴露了间宫的内心。但随之而来的是防线不断瓦解，并且他充分意识到自己也能够拥有这样的能力。那可能是长期研究心理分析而得来，也可能，正是间宫的暗示驱使发挥了作用。
　　
　　正如《CURE》后半段所看到的不是单纯的影像，“我是谁”更不是一个可以马虎跳过的问题。在影片中，间宫被封为充满可怕催眠能力的诱导者，他没有记忆，想不起前几句话的内容，只会习惯性的催眠他人，并完成行凶。间宫永远存活于当下，他大多数的方法不过是使被催眠者完全放松（一方面是他的无攻击、无伤害可能），然后再使用暗示的方法对被催眠者进行催眠，包括言语暗示、环境暗示等。这一过程中，他是非常放松的。言语暗示将一些诱导暗示的信息内容，传达给不同的被催眠者，比如那句简单到不能再简单的“我是谁”，反复再三。然后是利用环境暗示，使被催眠者进入催眠状态，如室内灯光的光线、抽烟时点燃烟头、打火机的火光甚至是水滴水流的形态等。
　　
　　间宫没有参与连环杀人，但直接将受催眠者的第二人格或隐藏人格引诱出洞，完成骇人爆发。同样的，正因不主动参与，在《CURE》中，极少见到恐怖行凶的场面，正如依然存有的、不带情绪的两次高处坠楼，那只是表现着事实，而非用以渲染骇人气息的场景。借助观众的想象，《CURE》构筑了诡异的现代空间，所有惊悚气息在结尾突然愈发强烈，荒宅废墟的出现，标志着故事将存在无限可能。
　　
　　荒宅废墟杳无人烟，高部朋友和他前后两次来到该场景，同时都是真假难分，可能存在于幻觉中，可能是真实发生过。该场景有破败的玻璃，古旧的房间，墙上还贴有张旧相片，而正是此人当年将Mesmer理论研究传播到日本，联系起那段老旧的影像，似乎真有魔鬼在指使着人们释放他们的隐藏人格，完成无所禁忌，难以克制的爆发。
　　
　　在朋友自殉后，面对自己是个更加病重的提醒，高部跟间宫的较量更迎来决战高潮，最后以后者满足的死去为结。而此时，作为传教般的角色转换，已经被高部顺利接过。他在结尾，成功地诱导医院护士和餐厅服务员，完成她们的人格释放。X是带有仪式象征的，也就是让死者像宗教审判般残忍死去，既是惩戒又是仪式。这一点再次放回《CURE》的故事中，绝对不逊色于呼应的妻子和《蓝胡子》故事。






导演黑泽清1997年的作品《X圣治》讲述了一个不同寻常的连环杀手的故事。 东京发生连续杀人事件，均系不同犯案者所为，但所有尸体颈部都有刀割的“X”字样。刑警高部一面照顾精神异常的妻子，一面深入调查此案。警方心理医生佐久间怀疑犯案者是被同一人催眠而犯下杀人罪行。一个失去记忆的青年间宫邦彦很快进入警方视线，所有杀人者犯案前均与他有过接触。但随着高部逐渐接近这个神秘的青年，真相却越发陷入迷雾中。
　　
　　
　　
　　在东京都内寻找废弃的楼房
　　
　　千叶县的海滩，拍打海岸的浪花，远远地，一个孤单、恍惚的青年的身影出现在遥远的海岸线上。青年望一望白色的天空，又看一看灰色的大海，然后沿着漫长的海岸线像镜头的方向走来。这就是电影中的“催眠者”宫间邦彦第一次出场的长镜头，整个场景充满渺小的人类面对宏大的自然时那种茫然无助的感觉。从这个场景开始，诗意、晦涩又落寞的镜头便贯穿了《X圣治》全片。
　　
　　作为一部心理分析类电影，《X圣治》给我留下的第一印象却是它的画面语言。导演黑泽清和摄影师喜久村德章都是老旧房屋的爱好者。 他们在繁杂、拥挤、高楼林立的东京都内四处寻找被废弃、但还未来得及拆除的老房屋，将房屋内部随意改造成警察局、医院、精神病院等机构，便造就了电影的拍摄场景。这些曾经被使用、如今被抛弃的旧楼房，奠定了《X圣治》怀旧、破落、雾气缭绕的整体风格。
　　
　　
　　
　　黑泽清和被催眠的“第二代人”
　　
　　黑泽清是1955年生人，在一次访谈中他曾表示，在日本，自己属于夹在墨守成规的老一辈人和追求自我的新生代之间的那一代人。老一辈人总是把社会的需要放在第一位，一生都无怨无悔地为国家服务；新生代人只把自己的需求放在第一位，他们知道自己想要什么并且勇于追求梦想。而黑泽清这样的“中间代”，则一直迷惘在自己的需求和社会的要求之间，尴尬地在社会上寻找着自己的位置。
　　
　　在我看来，《X圣治》就是一部关于这样的“第二代人”的故事。纵贯电影中出现的主要角色，警察高部和他的太太，心理医生佐久间，几个被催眠后杀人的犯案者（嫖客、小学老师、老警察和女医生），都是与黑泽清年纪相当的“第二代人”。正因为他们具有迷茫、没有信仰、道德观念模糊、对真实自我缺乏深入了解的特点，才会轻易被间宫催眠，从而似乎“自然而然”地犯下杀人的罪行。
　　
　　每一次进行催眠的时候，间宫都会用空洞的眼神看着被催眠者，不断地问：“你是谁？”一开始，每一个被催眠者都用坚定的语气与间宫对话，都以为自己比面前这个失忆的青年更清楚现时的状况，然而随着间宫问题的重复和时间的推移，他们才发现，真正不知道“我是谁”的，真正茫然的，不是这个连名字都不记得的青年，而是他们自己。
　　
　　几场催眠的戏中，又数女医生的那一场最为令人印象深刻，也最能为观众提供催眠成功原因的线索。在间宫问她为什么要在这个男尊女卑的日本成为一个医生的时候，女医生陷入沉思，却良久没有回答。于是间宫将“她只是想用刀割入男性的身体以报复社会”的观念灌输进女医生的意识，导致她后来直接杀害一名男性。
　　
　　也许在女医生的深层意识中，医生这个职业有着更高尚、更接近人生本质的意义。但作为一个彷徨的“第二代人”，女医生对这种本质的意义的信仰在社会虚妄的表层中迷失。在东京这样一个高压力、表面规则繁多的社会中，她没有时间，也没有动力去思考“我是谁”这个问题，由于缺乏对这种本质意义的探索和笃信，没有了意识对潜意识的控制和规范，她潜意识里对男性的仇恨才在催眠中轻易地占了上风。
　　
　　影片中，心理医生佐久间曾告诉高部，如果一个人真心认为杀人是不道德的，那么他就算被催眠，也不会去杀人。由此可见影片对社会悲观的态度。
　　
　　
　　
　　被催眠的观众
　　
　　《X圣治》的故事架构也是一场精心设计的催眠。从一开始展现案情，引入主角高部以及他与身边人的关系，到将注意力带到嫌疑人宫间的身上，电影简洁明了地把故事情节在20分钟内介绍完毕，十分干净利落。像那些被催眠的凶手们一样，观众在自以为清晰地看到了故事走向的时候，自以为迷雾在层层退去的时候，却发现自己被电影渐渐带入了雾气的中央，没有了出口。像主角高部一样，观众被迫面对自己意识深处的不安。然而，影片直到最后也没有真正提供走出迷雾的方法。对于接替了宫间的职责的高部来说，解决自身问题的方法，也就是他的“治愈”，不过是更多的催眠的开始。他不仅开始催眠他人去杀人，也开始催眠自己，依靠这种宗教仪式一般的过程来达到内心的平静。电影开始于清晰的故事情节，却结束在晦涩、迷惘的不确定因素中，正如催眠的过程。
　　
　　当然，电影并不是现实，只是现实的一种表现形式。电影是制造幻觉的机器，是模糊虚幻与现实界限的中间地带。电影本身就是一场催眠。《X圣治》用电影来表现催眠，本身目的就不是为观众提供走出催眠的方法，而是通过这个诗意又迷幻的过程，对观众实行了一场双重催眠的仪式。





故事中，谁遇见那个叫作麻美的男子，就将被感染，发作。他从不正面回答问题，却总是在反问。纠缠喋喋不休，他终会反客为主，占据你的灵魂。然后借你之手，去灭掉世间另一生灵。

他们，本都没有达到杀人的地步，却杀了人。麻美的催眠也罢，暗示也罢，它的基础其实是这些杀人者心中的郁结，纵然这郁结牵引出的恨是微不足道的。麻美只是施出一剂药引，它打开了紧闭着的罪恶大门，仇恨之火瞬间就吞噬掉了一颗颗所谓的善良之心。于是，X开始在那个城市的阴暗角落里肆意横行。

没有人天生就是嗜血狂魔。书上说：人之初，性本善。问题其实不在于“善”，而在于“性”。

如果说人天生是一张白纸，那么造就善恶留给后天，也不是错。但“性”却是比善与恶更复杂。有了“性”，人就有了以自我为中心的是非评判。爽和不爽，在扪心自问之际，昭然若揭。事实是，这纷繁世界之上，每个人都有自己的不爽，追溯源头，有时或许就是那些对你而言的近便之人。曾几何时，难道你没想过要拥有一枝可以射杀的枪吗？

如果非要依附古人，也说人初性善，那么这善，起初就已附着原罪。

【传播者．并发症】

其实杀人传播者的动机并不十分明确。麻美研究心理学成狂，一次意外烫伤，剔除了他大脑中庞杂的东西，只留下了暗示杀人的能力。之后，与人交流，言词闪烁，却带有超常的能量，无形中就能将一把杀人利刃传递到你手中。

无论麻美是走火入魔也好，是皈依邪教的信徒也好，他都从一个普通人转变成了一个地狱使者，一个魔鬼的代言人。当传递杀人的菌孢，成为麻美的信仰和使命。我们莫须有的恐惧，就找到了一个莫须有的源头。生存与毁灭的尖锐对立，总能让活着的人胆寒。臆想中，他拈花一笑，轻描淡写，而花，却干脆地死了。无声无息。

那杀人传染，并不是飞沫的，口罩无用。三言两语的交锋，感染者便已如斗牛，继而那跃动火焰，蔓延水流，将你送入到深红血雾的无极尽处。于是，你即地狱。他人成了一张你可以任意涂抹的尸布。

schiff

　就不评论了。





首先，这部片子作为动作片来期待的话那肯定得失望，动作设计基本上没有亮点可言，反正枪战就是轰轰轰，肉搏战就是原始人斗殴的范儿。其次，剧情上也没啥新意，而且后面大脸墨菲斯送死那段和医生变身变态那段BUG的确实很囧。墨菲斯战斗力过低也许还能解释，毕竟从那段谈话来看他已经有点精神分裂，脑残嘛，要是真呆了十季了，不被搞疯才怪。但医生关键时刻犯傻就完全不能理解了..........你说他因为是个变态杀人狂所以才会被铁血选中这个说的过去,但是明明之前看起来起码智商正常啊,这种身陷危机的时刻杀人到底有啥好处?太蛋疼了
　　
　　但是抛开这些问题,从头看到尾,你会被影片营造出的一种奇妙氛围所感染.首先场景是丛林,和第一部很像的一个丛林,但是明明如此,却有各种各样不对劲的事物存在,让人怀疑这里是否真的是普通的丛林.前半段这种带点悬疑气味的推进感觉很好,既不拖沓,又让人怀着一种探索般的渴望.最后远景一拉,天空上科幻气息十足的俩太阳(真的是太阳么- -),让人明白了这是个外星丛林,一股与第一作似像非像的气息油然而生,煞是有趣.
　　
　　应该说这部片子是以概念与想法取胜的.人类队伍的几个成员,各个看上去大有来头,而且鱼龙混杂,放在一起让人颇感违和.但毕竟场景都设置在这么一个外星丛林了,这样一支乱七八糟的杂牌军看起来不是更有搞头么?而且众人的武器倒是看上去很丰富,虽然打起来表现不怎么样.起码留了个念想
　　
　　然后,从观影角度来说整部片子的节奏也很张弛有度,看起来比较投入.一些小细节做的其实也算有心.譬如日本人通过看刀扯出铁血很早就开始玩狩猎这回事.还有俄国佬给医生看了孩子的照片,结果后来被医生偷过来伪装成自己的孩子博取同情,强奸犯因为之前拿了件他看上的铁血小背心,所以防住了一炮.这些小细节算是起到一定程度丰富电影本身的作用
　　
　　最穿越的一场,也是电影最有意思的一场,莫过于日本人单挑铁血了.这场很多人觉得没意思,没打那么几下,而且铁血看上去过于白痴,很没意思.其实你要注意环境.他们在哪儿打?草地!那时什么天色?夜晚!这可是经典的日式剑斗片的场景啊!连后面两人的一来一去,俯视镜头,都是十足的致敬.而别忘了,他们这时候身处外星丛林,这部片子叫铁血战士而不是什么忍者大战异形(貌似真有这么部片子要出了,恩).这种一本正经地致敬与穿越,不是很有意思么?

schiff

我偏爱这部片子。

阿拉斯加的风景非常优美清澈，故截图共赏之。

[s:20] [s:20] [s:20] [s:20]





　Will Dormer（阿尔·帕西诺 Al Pacino 饰）与搭档Hap Eckhart（马丁·唐文 Martin Donovan 饰）来到远离洛杉矶一处日不落的小镇阿拉斯加，调查一名17岁少女被活活殴打致死的案件。阿拉斯加一名女警察llie Burr（希拉里·斯万克 Hilary Swank 饰）对Dormer的办案手法由衷感到敬畏，努力在查案过程中学习。而此刻的多莫其实已经麻烦缠身，他在洛杉矶抓获了一个案件嫌疑人，因为要将其定罪，不得不捏造了假证据，此事已被内务部调查。Hap想向内务部坦诚真相并认为对Dormer也是好事，不过Dormer不这样想。
　　在引诱真凶的围捕中，Dormer在大雾中失误打死Hap，Hap临死前认为Dormer是故意打死自己的。在陈述事件时Dormer本能性地说那枪是凶手开的。然而在良心的压力和日不落的环境下，他患上了严重的失眠症。这时有人开始给他打电话，声称看见了雾中的一切。Dormer最后将凶手锁定在侦探小说作家Walter Finch（罗宾·威廉斯 Robin Williams 饰）身上，对方也没打算和他捉迷藏的游戏。
　　一场心理和良心的对决开始了。　　   



《失眠症》的名字吸引了我，因为我就是个不折不扣的失眠患者。
　　　　
　　　　 电影的情节并不复杂，威尔•多莫（艾尔•帕西诺饰）是洛杉矶警察局一个老练的、敬业的探员。他受命与搭档哈普到一个偏远的阿拉斯加小镇，去调查一个关于17岁少女被谋杀的案件。
　　　　
　　　　在来这里之前，多莫为了让一个没有证据可指控的罪犯落入法网，不得不用伪造证据的方法来达到目的，却不幸被上司发现。和他一起办案的哈普，和上司妥协，这意味着罪犯将逍遥法外，但若不如此，两名警察要承担起相关的责任。
　　　　
　　　　带着着内部调查组未完成的调查，他们到达了小镇，这里由于地理环境特殊，永远是白昼，太阳永远不落，没有黑夜。多莫和哈普通过某种手段吸引犯罪嫌疑人到达了案发的小屋。他们跟踪罪犯来到了礁石林立、雾气弥漫的海滩，而罪犯却突然消失在了迷雾中。正当他逃离多莫的视线时，一声枪响，哈普到在了血泊中。
　　　　
　　　　是多莫误杀了哈普，带着内疚的心情，加上极昼的影响，他连续几天陷入了失眠的境地。幻听，幻觉，焦躁，恐惧，他在清醒与模糊之间摇摆，但是对于误杀哈普的真相，却被他隐瞒了下来。
　　　　
　　　　
　　　　在迷雾中，罪犯看到了多莫的所为，他在夜半的时候打电话给多莫，通过此事要挟多莫。
　　　　
　　　　多莫在死者留下的证物中找到了罪犯的线索，即隐居小说家沃特•芬茨（罗宾•威廉斯饰），他匆忙的赶到了芬茨的家中，在追捕中被芬茨逃脱，当他再次回到芬茨家的时候，录音电话响起，芬茨在电话里冷静的跟他分析着事态的发展，要求和多莫达成协议，即两个人互不揭发。
　　　　
　　　　多莫逐渐落入芬茨的控制中，失眠的症状越发严重，他一面为自己的行为深深自责，一边为了怕事情败露而一次又一次的帮助芬茨。
　　　　
　　　　 此时，新搭档，当地的一个女警察慢慢从多莫的行迹中发现了端倪，然而在她找到证据时，死者的男友经过多莫和芬茨的设计，成了替罪羊，案子结束，多莫可以返回洛杉矶了。
　　　　
　　　　在离开的时刻，女警察去芬茨那里取得死者的信件，多莫突然惊觉不妥，飞速赶往芬茨的小屋。他赶到的时候，女警察已经被芬茨打晕，两个人在争执时，女警察醒来，听到了他们的谈话，局面变的混乱，多莫在女警察的质问下非常羞愧，这时候芬茨拿起猎枪，攻击两人。多莫将自己的枪给了女警察，在和芬茨的对抗中，双双身亡。
　　　　
　　　　影片的结尾，女警察痛苦的望着多莫，那个她非常崇拜的好警察，准备将指控多莫的证物扔掉，却被奄奄一息的多莫拒绝了，他告诉女警察要坚持自己的原则，然后在平静和满足中，终于闭上眼睛，摆脱了失眠的困扰，长眠在这个小镇。
　　　　
　　　　影片的气氛非常压抑，音乐也低沉悲凉，多莫内心的挣扎通过电影语言的叙述紧紧抓住了我的心，他最终通过死亡获得了解脱，因为他最终的话是：“让我好好睡会吧！”可是，死亡就是最好的结局吗？多莫解脱了，却把困惑留给了我。我们不断被灌输着好与坏的标准，是与非的原则，然而，真的那么容易判断吗？谁能做一个纯粹的好人呢？
　　　　
　　　　实际上，我多么希望看到多莫说出真相，在心灵的解脱中坦然承受一切，这也许就是我们对所有好人的期望。可是，如果他心理承受能力如此强的话，又怎么会患上失眠症？原因或许很简单，他算得上英雄，但他同样是人。
　　　　
　　　　是啊，人是多么的复杂啊！很多时刻，一个念头就会造就不可挽回的结局，多莫一直在问自己他是真的误杀哈普吗？有没有哈普死了一切就解决了念头？而在芬茨的叙述中，他也并不是有意要杀害女孩的，只是当他意识到女孩已经死了的时候，一切都晚了。
　　　　
　　　　或许，绝大多数人都做不到理性的生活，甚至不知道自己在做什么，死者最亲密的好友背着她和她男朋友约会，该女孩在葬礼上没有掉眼泪，但在多莫带她来到发现死者尸体时却泪流满面；多莫明明内心痛苦，却还是冷静的调换了证据，洗清了自己。一个念头，最初的念头，很可能带着人浑噩的走下去，一错再错，不知道什么时候才能真正醒悟。
　　　　
　　　　在多莫闭眼的时刻，我的心down了下去。我不知道，导演安排这样的结局，是否是他认为，只有死亡才能洗清错误，或者说罪恶。






　结构
　　 同一个结构在影片中重复出现，以两个字概括之——胁迫。影片一开始，威尔的搭档就因与毒犯的关系受到风纪处的（不喜欢这个翻译）胁迫；胁迫也是是警探威尔的惯用手段，他通过老道的经验洞悉受害人男友及密友尴尬处境，并以此为条件逼问他想得知的事情；可是，最后威尔自己也因枪击搭档而陷入了与凶手的相互胁迫之中。胁迫成了推动情节发展的动力。
　　 在《罗生门》里，导演在一开始就让樵夫和和尚困惑于他们在衙门里看到的事情，并以此为切入点展开叙述。可是，樵夫作为事件的目击者，对整个事情的经过是清楚的，对各人说谎的原由也应该是最能理解的，因此，我认为樵夫说“我完全不能理解”有一点不够自然。导演之所以这样安排，一个重要原因当然为了最后引出樵夫对事件的第四种叙述，同时，导演也是在借樵夫之口向观众发问，传达导演的想表达意图。相比之下，美版《失眠症》更着力于讲故事，没有了《罗生门》这样一个形式感很强的表意意图，可是，《失眠症》同样有可以探讨的空间。
　　人性
　　 胁迫之所以无处不在，是因为人心里都有不可告人的秘密可能成为别人的把柄（女服务员：在阿拉斯加有两种人…）。秘密可以掩盖，然而自己如何面对秘密？黑泽明借和尚之口说“撒谎是人的本性，在大多数时间里我们甚至都不能对自己诚实。”欺骗自己，这是凶手费奇采取的方式。费奇用了足足十分钟虐杀少女，可他依然坚信他不是故意的，因此他可以冷静地消灭证据。在这里编剧对费奇的身份设定非常好——二流小说家——虚荣、书卷气。因此，他可以认定自己是少女的精神导师而与其展开交往，实则利用自己的阅历与财力获取少女好感。可是，少女同样是以“精神导师”欺骗自己，实则贪恋费奇的金钱与精神交流的假象。这种双方认知的错位最终在费奇亲吻少女时酿成悲剧。
　　 警探威尔曾经对霍奇说：“你花了十分钟杀掉她，却认为自己不是故意的。”这种撕破假象的冷酷（对别人和对自己）使得他不能欺骗自己。因此威尔总是在犹豫，同意了联手制造假象，又对霍奇诬陷兰迪心怀憎恶。好在他还是一个坚强的人，相信“有利”原则——做事情可以不择手段，但是结果必须“有利”——幸运的是他所坚持的“有利”还不只包括对自己有利（可这是否是另一种欺骗？）。既对自己有利，又不违背正义，总是很难达到的，因此威尔的问题归根结底还是人在面对正义时的艰难抉择这个老问题。照这样看，似乎威尔的行为最终还是走上英雄主义的路子了。
　　真实
　　 《罗生门》里探究的真实，主要还是事情本身的真相。可在《失眠症》里，事件的真实已经不重要了——所有的事情都一清二楚，但是人的意图却给能给过程清楚的事实穿上性质完全不同的外套。在人对自己都撒谎的情况下，真实变得更加难以琢磨了。因此在女探员追问威尔是否是是出于消灭证人而枪击搭档时，竟然连威尔自己都已经说不清楚了（说到底，人还是对正义缺乏信心）。前面我之所以说威尔“似乎”是英雄，正是出于这样的设想——最终威尔拒绝了女警探毁灭证据的提议，似乎这里面包含的并不是英雄主义情绪，而更象是出于对真相无法探询的焦虑。
　　 稍感欣慰的是，在这部片子里我还隐隐约约感觉到了一些不容易说清楚的东西，这种东西我在《车祸》、《大象》都有体会——我想称之为偶然性。正是有了偶然性，我们还可以设想更多的可能性。







白夜追凶，是诺兰的电影中最被忽视的一部，或许是这部电影中并没有完全体现出诺兰的电影风格，但当我在看这部电影的过程中，当我随着阿尔帕西诺一同思考，一同追寻蛛丝马迹，一同寻找凶手的时候，你会渐渐的被这部电影的情节所吸引，或许比起记忆碎片、致命魔术，这部电影的故事情节不是那么的吸引人，但一部电影不光只有故事情节，看这部电影有很重要的一点，极昼！
　　
　　 试想你每天都过着没有黑夜的生活，当午夜12点时，外面是空荡荡的小镇和明媚的阳光，极昼会给人带来一种恐惧，这种恐惧是一种空旷感、孤独感，如果是黑天，街道上一个人也没用，这看来很正常，但试想大白天，如果一个人站在那空荡荡的城市的街道上，对不习惯极昼生活的人来说，的确会有一种阴森的感觉。
　　
　　 像大多数犯罪电影一样，警探从尸体开始，追踪各种线索，寻找真凶，但这只是电影中的一条线，电影中的另一条线开始于警局内务部对阿尔帕西诺饰演的警探的调查，当在茫茫大雾中阿尔帕西诺开枪打死了自己的搭档时，影片已经彻底开始形成两条主线，电影中阿尔帕西诺是否是真的要杀人灭口还是出于无意呢，到后来连他自己都说不清，在我看来当他在白茫茫的雾中选择开枪的那一刻他或许已经看出那个人可能不是凶手，因为虽然大雾让人看不清对方的面孔，但至少看到的清大概的轮廓，即身高和体型，阿尔帕西诺和自己的搭档一起办案多年，对自己同伴的身形应该非常熟悉，况且作为一名出色的侦探，对细节的观察是不可缺少的，在当时的那种情况下，通过对身形轮廓的判断，阿尔帕西诺在当时应该可以很准确的判断出雾中的人是自己的搭档，但他选择了开枪。
　　
　　 杀死同伴并不是他精心策划好的阴谋，只是在那一刻碰巧遇到了自己的同伴，于是他选择了开枪，从电影故事的交代中，可以看出阿尔帕西诺饰演的警察是个有正义感、责任感和职业感的人，他为什么要去选择杀人呢，可以说是他一时的错误的意识，而干扰他产生这种潜意识的正是他在白昼中所犯的失眠症，漫漫的白昼中隐藏的罪恶，不光是被虐杀的少年，还有阿尔帕西诺的这一枪，对于失眠症患者来说，白天通常都是无精打采，对事情的判断会受到很大影响，阿尔帕西诺饰演的警探，在强光的刺激下，终日无法入睡，又被来自内务局的调查搞的心烦意乱，在加上办案过程中的压力，可以说在那一刻，他的判断出了问题，在那一刻他不是那个充满正义感的警察，而是一个罪犯，正如他所说的，当他看见搭档死了的时候，既紧张又有一种如释重负的感觉，接下来他所做的就是来掩盖事实，他甚至再次做出错误的决定，和凶手互相帮助，掩盖事实，但他所做的这一切还是无法逃避自己的良知，毕竟他是一个充满正义感的警察，即使他一时迷失了自己，但当他真正坐下来，控制住自己的情绪，开始思考时，他脑海中浮现出那个被害女孩儿的笑容，浮现出凶手作案后的冷静已经逃脱罪责后的得意，他又想起了死在自己怀里的同伴的愤怒，一个个画面在他脑海中闪过，白昼、强光、失眠、自责、忏悔，最后他终于选择了去面对自己犯下的错。
　　
　　


　大凡心理惊悚影片，重头戏自然是着力刻画影片角色丰富复杂的内心世界，通过“意识银幕化”的方式以可以捕捉到形态的“视听模式”艺术地再现人物的各种心理情绪，来扩充影片的内容、强化其深度和塑造角色的性格，而且，不一定要依靠血花四溅的暴力血腥场面去吸引观众，制造卖点和噱头；如何能将人物的心理意识细腻地剖析乃至运用巧妙高超的叙事手法投影到银幕上，使得观众能够感同身受到那种无形无影的恐怖气氛与时时跟着剧中人物的主观镜头去体会岌岌可危的处境才能够在心理上而不是一味只求感官上的刺激而造成的惊悚紧迫感。克里斯托弗•诺兰的这部影片《白夜追凶》算不得他最得意的作品，属于保守中带些小突破的那种类型：内心戏分的比重明显多于武戏的过度渲染，意在让观众从心理上与剧中角色产生共通的心灵默契，体会故事人物在进退维谷的境况下所面临的艰难抉择与激烈的内心冲突。
　　
　　记得以前，诺兰的一部心理惊悚影片《记忆碎片》险些让一众影迷患上精神分裂症，因为要解构和明晰这部内容如其名的影片着实会烧掉观众不少脑细胞。《蝙蝠侠》系列（侠影之谜、黑暗骑士）及《致命魔术》的问世，又印证了他在诠释黑暗、阴郁、吊诡等影片风格的成功转变。诡秘且时空交错的剧情氛围、精细又残忍的打破观影惯例的叙事架构、深入到观众骨髓的战栗心理代入感、剧中凌厉独特的角色形象定位是这位英国新锐导演鲜明的影片标签。他总能让台下的人们在观赏他的影片时就象打了一针强心剂似的亢奋起来，影迷们必须动员起身上每个细胞参与进诺兰的影像，去“聆听”他创意不断又新鲜刺激的电影语言。
　　
　　时隔两年，在《记忆碎片》之后，诺兰拍摄了《白夜追凶》。影片直译为：失眠症。有趣的是，在未看这部影片及相关介绍时，我脑海中竟然浮现出《机械师》的画面来。以为这又是讲述一个失眠症患者精神分裂的幻想之旅。不过，非也。这关乎两个谋杀犯的一场致命对决和较量。失眠症则是加重险境的一个微小的外界因素而已，一切都变得浑浑噩噩、云里雾里，人的思想因为阵阵倦意变得迟缓呆滞。诺兰用形象会意的意识流镜头传递着让人催眠又有些烦躁不安的讯号。
　　
　　一个警界的铁腕探员多默（阿尔•帕西诺），与一个落魄的小说家二人各怀鬼胎，相互牵制对方，为着两个共同又血肉相连的秘密：他们都杀了人，彼此都心知肚明的演着戏，玩着猫捉老鼠的死亡游戏。故事伊始的走向是朝着多默与他的搭档哈普到阿拉斯加的一个偏远小镇去办一件少女谋杀案去梳理情节的，实际上，慢慢的剧情就发生潜移默化的转变：办案过程已被掩盖罪行的种种行径取代。罪恶的渊薮需要丧失正义与泯灭人性为养料，盛开出腐烂的丑虐之花。至此，谋杀案的元凶及作案手段及案犯的心理剖析已不重要，影片主题彰显的丧失原则与迷失的正义感及在职业操守与私心己欲下的人性混乱影影绰绰地浮出水面。
　　
　　为了凸显多默，这个老辣精明的洛杉矶探员光芒下有阴影的形象，导演诺兰不时将一些画面分给了他身边的角色，镜头捕捉住那些探员们因为多默在侦查过程中敏锐沉静又过于霸道的办案手法而变得瞠目结舌、迷惑不解至心生叹服的脸部表情。特别是希拉里•斯万克饰演的女警员埃丽对于多默崇拜与笃信的眼神。一但散发出震慑力的警徽蒙了尘，它可能会弥漫出一种恶臭的气味。有些问题其实可以简单化，精明过头的人在无法预料严重事态后果的情况下，为了私心与不可告人的秘密都可能铤而走险、冒死一搏。多默就是犯了这样简单的错误。影片开初的俯瞰大全景镜头勾画出阿拉斯加雪谷的纯白之美，一切看起来虚幻不真实，亦如在暗示这是个易于受到蒙蔽的培养罪恶之源的滋生地。浩瀚无垠的白雪峡谷景致也是一种隐喻：暗示多默的职业生涯看似正大光明，实则有肉眼无法察觉的污点夹杂于内里，只是被隐匿得很巧妙而已。
　　
　　闪回镜头频繁地出现在多默的脑海及银幕的画面上，也反射到观众的眼中，诺兰的镜头语言在起作用，静默地述说着主人公多默在私心与原则之间徘徊挣扎的矛盾心情：痛苦到痉挛的脸与因为失眠多日涣散的眼神，渐渐模糊的画面，这一切都在压抑中静待着爆发。我想，观众和我一样，都在期待着多默最终会做出什么样的抉择，或是在末尾已猜到谁会出局，只是想要得到一个情感上的宣泄与最终回归正义底线的肯定。
　　
　　影片的男二号，小说家沃特（罗宾•威廉斯），绝不是一般意义上的罪犯，他公然地挑逗警界的铁腕探员，手里有能够掐住多默七寸的王牌，并与他进行魔鬼的交易。因为在他眼中，多默与他是同一类人，只过杀人手段不一样而已。影片最出彩的情节莫过于这二位的交手戏，这也是双方撕下伪装面具之后相互投射到彼此身上的心理戏的对战点：恶与善仅一线之隔，如同硬币的正面两面。编导对于这几场斗智斗勇的戏份驾驭得火候到位，因为重头戏就在此，一定要让观众既同情又厌恶他们的情绪被挑动出来，务求将影片的高潮在此被撩拨到至高点。观众等待二人释放内心秘密的时候到了。似乎杀人者好似都有他们充分的理由，从情理上说值得同情，从道义上讲法不容情。结局多默跳入湖边小屋的水中与影片初时办案的相似过程有首尾映衬般的妙笔生花之感，也有冥冥之中的宿命悲沧，更可看成是一种赎罪的愿望体现。
　　
　　影片分量级的卡司阵容又成为这个剧本故事的最大筹码。浪漫情人+正义的警界形象阿尔•帕西诺饰演警探多默，老少皆宜的谐星罗宾•威廉斯则挑起了狡猾奸险的小说家这个猥琐的形象戏份，他们都是影片角色的不二人选。
　　
　　影片直译为“失眠症”，六天没能睡个好觉的郁闷样子就如同帕西诺那样在镜头里所表现的：失神萎靡的眼窝深陷于眼睑，极目之处的景象天旋地转，那份极力保持清醒的意识力和难以承受的罪恶感，时而暴虐相向时而沉郁思忖的复杂表情和肢体语言。威廉斯做为在影片三分之二处出现的关键人物，则成为掀起剧情另一波高潮的看点，他还是那么笑容可掬，话态柔和，但已是棉里藏针、步步紧逼。影片的另一位女配角埃丽，《百万美元宝贝》中的硬朗美利坚女人希拉里•斯万克，应该是没有太多的表演发挥余地，这也是受到剧本设置的形象与故事情节的限制，她只能演个青涩率性的女警员，自始至终维护着正义与职业操守的形象，从侧面烘托多默在最后时刻回归良心与原则那一刹那的释怀。

[ 本帖最后由 schiff 于 2010-10-8 12:14 编辑 ]

schiff

原来看过的，记性差[s:30]




一、资料篇
　　1987年，那是一个春天，啊呸，条件反射不好意思，话说1987年7月，初入好莱坞的保罗·范霍文（Paul Verhoeven）的第一部影片就一炮打响，连续占据了两周票房冠军，从此，一个崭新的好莱坞英雄诞生了，他就是RoboCop——机械战警！相比另一个译名铁甲威龙而言，俺更喜欢机械战警这个译法，香港人没事就译个威龙威豹的，像香港脚一样实在太不堪入目了。当俺还是个小P孩的时候，大陆曾经公映过这部电影，可惜具体译名早已忘记了，只记得当时上小学的我看得目瞪口呆直流口水，借用厕所尿遁大法，在电影院足足蹲了一个下午。在这里有必要先介绍一下机械战警的来历：底特律的墨菲是一个好丈夫和好父亲，更一名尽忠职守的警察，在一次追捕犯人中被匪首杀害，经过科学精密的改装后，利用他的大脑，结合了钢铁身躯，他成了无坚不摧的机器战警。《RoboCop》是这个系列的创始之作，也是最成功的一作，导演保罗·范霍文在场景、节奏、特技的掌控上均有出色表现，影片融合了犯罪、科幻、动作乃至喜剧等多种类型电影的成份，动作场面暴力震撼，十分吸引观众。爱德华·诺麦尔(Edward Neumeier)和迈克尔·迈纳(Michael Miner)的编剧也十分到位，这一系列的主题诸如：未来科技高度发展后的末世景象、反政府、反跨国企业等均铺设得丰满充分，奠定了整个系列的基调和框架。此后整个系列3部电影均由爱德华·诺麦尔操刀，他后来与保罗·范霍文还合作过《Starship Troopers》（《星河战队》）(1997)，而迈克尔·迈纳除了机械战警1、2的编剧外，还担任了最后一部关于机械战警的由加拿大拍摄的电视剧集《Robocop: Prime Directives》（一译：机械战警：终极毁灭）的编剧。系列电影中的警察拍档，也即两位男女主演，分别是彼得·威勒（Peter Weller）和南希·艾伦（Nancy Allen）。彼得·威勒据说是由于导演保罗·范霍文看中了他那张有着富有表情的嘴唇才得以入选，影片推出后他的名气也水涨船高，其后还出演过《Robocop2》、《Road to Ruin》（《毁灭之路》）（1991）和《Beyond the Clouds》（《云上的日子》）（1995），而女主角南希·艾伦除了RoboCop系列的三部电影，其它的作品都没有什么大名气。
　　故事梗概（本来不想加故事梗概了，但写完全文后觉得仍有必要，实在懒得自己写了，就从网上抄了……）：墨菲在一次追捕犯人的任务中惨遭杀害，经过科学精密的改装后，他成了无坚不摧的机器战警，警方以他来打击地方上的罪恶无往不利，却没想到竟操纵在利益团体手中，而因为他仍存有以前的记忆，为了复仇，为了铲奸除恶，决定大干一场。
　　《RoboCop》在八十年代凭借着130万的制作成本，首映就取得了800多万的票房，电影公司当然不会放过这棵摇钱树。3 年后的1990年，由伊文·克什纳（Irvin Kershner）导演的《Robocop2》再度出炉，这位导演此前还曾执导过《星球大战：帝国反击战》和《007：巡弋飞弹》。编剧除了爱德华·诺麦尔和迈克尔·迈纳以外还加入了2005年曾经编导《Sin City》（《罪恶之城》）的Frank Miller。《Robocop2》的首映票房达到了1400万，可惜在IMDB上的评分却较前作差了2.5分之多。其实《Robocop2》虽然在各方面沿袭了前作的套路，但是在主题上仍然有自己的新意（这个后面我将说到），可以说是有继承有发展，不辱机械战警的威名。
　　故事梗概：底特律因积欠OCP公司巨大债务，迫使底特律城不得不成为OCP公司中的一环。然而市警局在发展机器战警第二代时，为了寻找取代机器战警墨菲的人，竟然用上了毒贩的大脑！当第二代机器战警完成后，竟成为底特律的梦魇，墨菲要如何解决这个问题......
　　仍是三年之后，《RoboCop 3》如期在1993年登场，导演换成了弗雷德·德克尔Fred Dekker，编剧仍然是爱德华·诺麦尔和Frank Miller，机械战警改由没啥名气的罗伯特·约翰·伯克(Robert John Burke)担纲。题外话：虽说都是面具下的男人，可是人家蝙蝠侠面具下那张脸就备受观众瞩目，而我们这个铁疙瘩则无人关心，究其原因，该不会是因为人家蝙蝠侠有钱，所以是公众人物总能上小报随狗仔，而机械战警则是平头百姓囊中空空吧？现在好莱坞总爱讲什么平民英雄，其实我们这位机械战警才是真正的“贫” 民英雄呢，连身体都是借用公家的，你说贫不贫？呵呵。《RoboCop 3》的表现只能说是不过不失，虽然机械战警在这一部里能够像超人一样飞龙在天了，遗憾的是在动作场面和特技上都较前两作稍有逊色。
　　故事梗概：在日本大财团的控制下，一支“逼迁特种部队"利用暴力手法，将底特律贫民居民赶离原居地，企图进行发展，铁甲威龙梅菲凭脑细胞的一点良知，决定倒过来协助地下游击队反抗强暴。（本文作者画外音：看来哪国拆迁都一个德性啊……）
　　除了三部电影之外，《RoboCop》还有同名漫画、动画和电视连续剧，甚至是几乎全平台的电子游戏。从时间上说，应该是先有第一部电影之后，才有了漫画和动画，漫画是由Marvel在电影推出之后买断的版权。1994年美国有一季的机械战警，共23集，详细名称和首播时间如下：
　　Season 1# Episode Air Date / Prod #
　　1: The Future of Law Enforcement (1) 3/18/1994
　　2: The Future of Law Enforcement (2) 3/18/1994
　　3: Prime Suspect 3/25/1994
　　4: Trouble in Delta City 4/1/19945: Officer Missing 3/8/1994
　　6: What Money Can't Buy 4/15/1994
　　7: Ghosts of War 4/22/1994
　　8: Zone Five 4/22/1994
　　9: Provision 22 5/6/1994
　　10: Faces of Eve 5/13/1994
　　11: When Justice Fails 5/20/1994
　　12: The Human Factor 5/27/1994
　　13: Inside Crime 7/1/1994
　　14: RoboCop vs. Commander Cash 7/8/1994
　　15: Illusions 7/15/1994
　　16: The Tin Man 7/22/1994
　　17: Sisters in Crime 7/29/1994
　　18: Heartbreakers 9/9/1994
　　19: Mother's Day 9/16/1994
　　20: Nanno 9/23/1994
　　21: Corporate Raiders 11/12/1994
　　22: Midnight Minus One 11/19/1994
　　23: Public Enemies 11/26/1994
　　2000 年，加拿大拍摄了一部《Robocop: Prime Directives》，由于资料不全，不敢肯定这个是电影还是电视电影或者电视剧集或者是专为DVD拍摄的电影，从我看到的两集来看，应该是电视剧集或者是DVD电影的可能性更大一些。现在P2P里的那些什么铁甲威龙4、铁甲威龙5之类的就是出自这部剧集。
　　以上就是俺所能搜集到的全部资料了，不过凭着俺的烂英文，以上的资料还要请同好们多多检查指正了。
　　二、解析篇
　　不要以为只有骇客才是娱乐和思想结合，其实铁汉也有柔情，只是奈何人不知呀……下面，我们就来谈谈机械战警这副铁躯壳之下的隐藏着的潜台词和个中深意：
　　1、 系列母题：人与机械
　　利用人的大脑和智能，结合科技和钢铁，进而发展出全新的机械人。这种科幻情节，《RoboCop》算不上首创，但在电影领域中，也算是较早和较有影响力的一部。其实什么是人类呢？马克思理论定义人与动物的区别是：人会使用工具。正因为使用工具，人类才得以成为地球的主宰。工具是人类肢体的沿伸，论跑我们不及猎豹、论跳我们不及羚羊，论攀援不及猿猴，论游泳不及海海豚，论力气不及大象，论嘴尖牙利我们不及狼虫虎豹，但是，我们以轮为足，以铁为臂，以钢筋水泥为躯干，所以战胜了它们，那么仔细想想，机械战警与人有多大区别呢？人与机械的关系有多紧密呢？没有机械，我们还何以为人？人类几乎就是与机械相辅相生的东西，不必说各类工具了，我们甚至可以具象到钢铁骨骼、人造血浆、人造器官……我们，就是与机械一体的动物。正像骇客所表达的主题：人与机械是共存共亡的，人类的未来，注定是与机械结合的未来。从这一角度来看，《RoboCop》带给人们的，可不只娱乐这么简单。它更像是一则我们人类反观自照的寓言。
　　2、 系列主题：人性本恶
　　其实人性本恶也是个多少年说滥了的话题，但在《RoboCop》中，它自有另一种表现方式。首先，警察是正义的象征，是维护正义的具体操作者，机械的警察，其实就象征由非人类的方式裁决、执行正义。反观系列影片中有血有肉的人们都那么麻木不仁是非不分，而机械战警却大公无私严守信条，是不是很讽刺呢？骇客中的密探们轻蔑地说：Only a human。归根结底，人类只不过是一种动物，那么，动物有权并且有能力代表神去维护正义和公理这种抽象的信条吗？这实在是个很有趣很值得思考的问题。其次，影片处处都表现出人性本恶的悲观世界观，最典型的，就是我刚才说的颇有创意的第二部，第二部里出现了一个极为少见的少年匪首的角色，这个男孩年龄不大，但却残忍狡诈、怙恶不悛，不但众匪听命于他，连老匪首也自叹不如。纵观各类艺术历史，一个象征着恶的幼年人类形象可谓少之又少，这真可以说是人性 “本”恶的最佳象征了，这一点，《RoboCop2》足以因此名留史册。其实每次看见小说电影里弄些孩子是未来的希望，或者由恶心人之始祖央视开始滥觞的童声演唱，都让我觉得好笑之至，真怀疑那些编导，没生养过孩子也见人生养过，孩子就纯真善良吗？用柏杨的话讲，小孩子生来就自私，看到母亲吃东西就夺过来吃，看到有人碰母亲的乳房就哭。如果人们全都秉持着不善不恶的生理现象来看待这一切，那么也没什么好笑，可偏偏有人要拿它赋予自己强加的理念，那么，矛盾自然出现，可笑之处也就产生了。回到《RoboCop》中来，在影片的世界里，充满了无耻的欺骗、见利忘义的背叛和强权的张狂与蛮横，公道和正义最终却只能由一个机械人来主持，再联想到骇客里先知其实是机器世界里的一条程序，而最终两个世界的平衡和共存却是由这条非人类的程序来达成的，想一想这是不是对人性本善的最大讽刺和反击呢？
　　3、 系列主题：反政府、反大集团、反精英和末世情结
　　《RoboCop》系列另一个鲜明的特色就是对政府的极端失望和对大集团的强烈反感（尤其是跨国集团，不知道是不是当年日本经济发展太猛吓坏美国人了，呵呵）。在影片中，政府官员都是些自私自利、贪生怕死，警察形象虽然要好一点，但也是软弱无力等同于无（再说了，有个烂政府还能指望出现什么好警察？），而大集团、大企业中勾心斗角争权夺利的冷酷残忍和反人道更是有过之而无不及。他们勾结起来出卖人民利益，完全不顾底层人民的死活，让世界陷入一片混乱，宛如末日来临。影片在这种情节设置的背后，其实是从市民阶层角度表达了对精英主义的恐惧和憎恶，认为正是由这些精英所组成的利益集团扰乱了社会秩序，制造了动乱与灾难。爱因斯坦曾经有个留给千年后子孙的书简，里面有一句的大意是说社会科技如此进步，财富如此丰富，可还是有人挨饿受冻，这是因为一部分的人才能和智慧远远高于另一部分人。我一直觉得这句话翻译得不通，现在想来，恐怕不幸的正是它翻译得很通顺……因为人类自私自利的本性，一部分精英肯定会利用他们的能力来使另一部分人受控于自己，满足自己无止境的欲望，而不是什么共同富裕或者创造更多的财富。所以说，影片的反政府、反大集团、反精英其实是结合在一起的，而末世情结也正因无力改变这一切而来。尤其值得一提的是，影片中政府将警察托管给大公司，将公共服务商业化而带来的恶果，在今天全球行政改革的背景下，实在有种令人难以言说的效果。
　

schiff

荒谬，准烂片。




在精神病院里的朴一顺（郑智熏饰）是名强迫性适应青年，他认为自己可以窃取他人能力和思想，只要带上面具，别人就找不到他。他一直认为凡是任何能想到的东西，他都能偷过来。有一天，新来的女孩车英君（林秀晶饰）成为他的新目标。
　　一顺发现英君从来不吃饭，她饭盒里装满了电池，英君称自己是个机器人，她听收音机，有时会对着电灯、自动售卖机讲话。一顺与这个自称是机器人的女孩成了好朋友，在她不开心时偷走她的心，并喜欢上了她。
　　英君告诉一顺，机器人不能谈恋爱，一顺对英君说“你是机器人也无所谓”。英君的拒绝进食已经到了生命危险的地步，一顺为此开始想尽一切办法。




　朴赞郁是一个真正黑暗的导演。
　　但他最黑暗的地方，是他把玩“黑暗”的姿态比别人都要来得深入、细致、长久，而且天知道，他真的爱它。
　　所以当某天，在我第五遍也许第六遍重温《老男孩》之后，刚好获悉他要拍一部爱情片，我就想，这事儿不靠谱，但是太酷了。
　　
　　果然，片子拍出来有一种超现实主义的怪诞美感。
　　当我看到开头，少女切开手腕面无表情好像切开一只白兰瓜，然后认真将电线插进汩汩流血的伤口再以胶带细心固定，最后接通电源的时候，我很放心，我知道我将看到的仍然是那个黑暗的朴赞郁，不管他潜伏在多么明快的表象下面。
　　
　　朴赞郁毫不珍视两位主演的美貌。
　　他将Rain闻名遐迩的六块腹肌隐藏在宽大病号服下面，而林秀晶清丽的面孔上则有两条诡异的黄眉毛，他让他们顶着傻气的发型，穿着难看的衣服，像幼稚园初班生一样莫名其妙地相爱。
　　我得说朴赞郁这种暴殄天物的态度真是高明，它保证了整部电影氛围上的浑然。
　　
　　一间精神病院应该是怎样的？
　　大致上它应该像《飞越疯人院》和《梦旅人》中那样充满规训与惩罚，应该紧张、昏沉、四处暗藏制度的阴影和杀机。
　　但是不，那不是朴赞郁的那杯茶，这一回他“反题正做”，他的精神病院是童话系的。
　　
　　认为自己是个机器人的少女英君，决心杀光那些带走她外婆（这位慈祥的老人家认为自己是耗子）的“白衣人”。
　　但她面临两个障碍
　　——
　　其一，她克服不了自己的同情心（七宗罪之首，其余的还有：悲伤、不安、犹豫、白日梦、负罪感和感激之情）。
　　其二，她的电量不够了。
　　于是她请求能够偷走任何东西的一顺把她的同情心偷走。
　　之后她开始在幻觉中枪杀护士，却终因体力不支昏了过去。
　　
　　要知道作为机器人，英君只以充电为生，从来不吃人类的食物。
　　为了劝说英君进食，一顺跟她说，他发明了一种米饭电子管，可以把米饭的卡路里转化为电能。
　　于是秘密的机械间里，他在英君后背上开了一扇门，把米饭电子管安装进去。
　　呵，这一幕真是趣怪动人得很，难为朴赞郁他怎么想出来的。
　　
　　基本上，这部电影是关于身为异类的苦难与幸福。
　　就是当一个人生活在不懂得她的人中间，她会以什么方式悲伤，以什么方式快乐。
　　由于我们所处的是一个惯于抹杀差异的时代，这个时代不愿意承认那些它所谓的“正常”，其实只不过是一些“普通”。
　　因此精神病院的作用就是，收容被剔除的“不正常”，并且，如果有可能的话，矫正之。
　　
　　福柯曾在《疯癫与文明》中谈及，疯癫概念的功能之一，是令人想起那些未驯化的本性的神话力量。
　　真的，想想看电影里胖女人的薄荷油冰冻果子露袜子和柿子袜子，它们相互摩擦会使人体悬浮，在睡眠中飞行。
　　而一顺可以偷走星期四，偷走球技和礼貌，甚至偷来别人的歌喉为英君唱歌。
　　这世上把自身想象力发挥得最淋漓尽致的是两种人，天才和疯子，而其实我们根本无法真正区分他们。
　　
　　朴赞郁说过一番话我很喜欢，他说，描写人生的希望和爱，其实比诉说人生的失意和悲观更难，尤其是在这个如此复杂与艰难的世界，但你不能以一种伪善方式来叙述，这才是最大的挑战。
　　而今次他稍稍放软了心肠，留下一道缝隙，放爱进入。
　　他通过反社会青年和机器人少女的故事告诉我们，大爱临头，机器人也无所谓。

看不懂......

schiff

　
评价甚高，但个人不很喜欢这样的电影，顶多给三星[s:20] [s:20] [s:20]

倒是发现控制室用的B&W的葫芦娃，一乐[s:30]




楚门（金•凯瑞 Jim Carrey 饰）是一个平凡得不能再平凡的人，除了一些有些稀奇的经历之外——初恋女友突然失踪、溺水身亡的父亲忽然似乎又出现在眼前，他和绝大多数30多岁的美国男人绝无异样。这令他倍感失落。他也曾试过离开自己生活了多年的地方，但总因种种理由而不能成行。
　　直到有一天，他忽然发觉自己似乎一直在被人跟踪，无论他走到哪里，干什么事情。这种感觉愈来愈强烈。楚门决定不惜一切代价逃离这个他生活了30多年的地方，去寻找他的初恋女友。
　　但他却发现自己怎样也逃不出去。真相其实很残忍。




生命中有多少这样的时刻，可以像你现在这样荣耀，你驾驶小船，漂流在一望无边的蓝色彼岸，海浪拍打着你的脸，甜蜜而伤人，你手里拿着初恋女友的照片，不想停留，只要远行。去寻找另一个世界里的爱人，或是世界上另一个你。亿万观众为你鼓掌欢呼，消费着你英雄般的逃亡和挣脱。电影放映厅里有个女孩曾跟我说过你闪耀的一刻，胜过无数人平庸的一生。我对她说：“有些狗屎我永远不懂：”
　　
　　生命中又有多少这样的时刻，可以像你现在这样屈辱，你航行到那个世界的尽头，却听到小船碰壁的咣当一响。优雅的上帝克里斯多夫、伟大的导演、狡猾的过来人将你置身于如此尴尬的境地，他只是想告诉你，你的经历和故事，是我们一个盛大地真人秀节目，而对你而言，这就是存在、青春、爱、事业、账单、飞涨的油价、上上下下的股票、橄榄球、亲昵的宠物、图书馆里对女孩的暗送秋波、给孩子洗完澡后陷进沙发里的一声叹息，这——就生活的全部，那怕你所渴望的远行、海洋、斐济的太阳和爱人、与风浪抗争后不屈的笑容、都在无处不在的监视和控制之中，在你之前，曾有位叫做孙悟空的自由主义者，在飞翔三个十万八千里之后，依然落在了等候已久的强大控制之中，依然要面对欲望被满足之后的再次增长。依然要面对理想尽头那座打不破的墙。
　　
　　你绝望的问：“And who am I?：”时，很多人哭了，上帝克里斯多夫把你放在桃源之境，放在荧屏之中时，在酒吧、在澡盆、在沙发上贪婪着注视着你一举一动的观众，管你叫super star,现在，他们渴望你从那里面走出来，来到我们身边，因为上帝克里斯多夫把我们的同类，一种叫做人的动物。一个叫做Truman的人，像一只试验小白鼠一样放在一个生存试验场里，他的试验最终会伤害到我们，看着你日复一日的存在下去，看着你早出晚归、谦虚友好、和铁哥们一起痛饮啤酒、和老婆共同干掉周末的剩饭，在老板和客户之间来回周旋。观众明白，你周围的人都是群众演员，你身边围绕着你产生的行为都带着目的而来，如果你不出来，那当然会刺痛所有人的心，因为我们看到的电影中的虚伪，何尝不是现实生活中的真实，你不逃亡，我们都会心烦意乱、坐卧不安。求你了，Truman，带着你爱人的照片，跑吧！
　　
　　优雅的上帝克里斯多夫在世界上最大的摄影棚里，在本身是摄影棚的世界尽头，设置了一个向上的阶梯、一扇通往未知的大门，隔绝着过去与未来。最重要的是，那个门上还有一个EXIT的按键，你确信要从过去的生活中完全退出吗？你确信过去的生活会像格式化电脑那么简单？轻轻一按，烟消云散。你在真人秀节目里的妻子、父母、孩子和工作。天呢，只要按一下这个大门上的退出键，就不复存在，不在留恋了。那根深蒂固的斯特哥尔摩症就一点也没有影响到你，或者说你在生活中根本就没有用到感情，你也是虚伪的一部分，比你周围的人都可恶？你恋爱时没有发过要相守一辈子的誓言？你妈喂你第一匙麦片的时候你不曾留意过她的一缕白发、你拿到第一份订单的时候没有想拥抱过那个客户，你没有在夜里为老板的一句威胁而惴惴不安？这怎么可能？既然有付出，为何放弃的如此洒脱？用看到的东西换梦到的东西。为自由而自由，就一定要你面对责任时的无动于衷吗？
　　
　　但，你按动了那个按键，面带笑容、一脸欣喜的走进了黑不见底的未来。现在，我确信，我在看一部科幻电影。它足够煽情，引发了我身边那女孩“一生的感动”，它是天才之作，然而天才也要面临to be ore not te be时的尴尬，当莎士比亚那最伟大的六个单词无人能解时，艺术家用一个EXIT的按键，就化解了电影人物在电影中的危机，而现实人物在现实中永远不可能找到墙壁上那个EXIT键，这就是最正确的现实。
　　
　　Truman，当你被克里斯多夫选中时，你的环境、朋友和经历都复制、照搬了我们的生活。当你周而复始的人类行为被你当作生活的时候，亿万观众正在电视机前靠着印有你头像的沙发坐垫，愉快的看你每一天都准备作些什么，人们都关注并试图了解你。这是一件很令你伤心的事儿，唯一告诉你这个真相的人，是你的初恋女友，她在海边告诉你，你正生活在谎言之中，在你们亲热的初吻之后，他被克里斯多夫的电视团队强行带走，十年间渺无音讯，我看到你的女友在你逃出摄影棚时的欣喜和雀跃，我看到多少年来你一直在搜集各种画报上女孩的照片，把她们的眼睛、眉毛、鼻子、耳朵、酒窝撕下来，拼凑成你心目中爱的形象，这或许是你最后进行逃亡和远行的最大动机，知道有个人在等你，是幸运的，但我不明白，当放映厅的姑娘们为你俩的爱情而潸然泪下的时候，她们是否想过，这么多年来，你的初恋女友注视着你在荧屏上的一举一动，她为何不曾再次进入桃源之境？扮演你父亲的那个群众演员，因为被冷落而心有埋怨，都曾经偷偷潜入克里斯多夫的摄影棚，试图跟你对话，以期再多抢一个镜头，你女友为何不来，她真的爱你吗？或许她只是爱着电视上的你，他为你被囚禁的命运而感到不公，可是她依然会每天准时打开电视机，看着你和妻子的亲热，办事儿，和同事调情。如果她不是个受虐狂，就一定只是个粉丝，她依然和我们一样消费着你，为和你之间曾有过的关系而留恋你的节目，这多像一场蒸腾着热情地网恋，轰轰烈烈之后面对着支离破碎的无聊残渣。我只知道当你们再次相遇时，一切都才刚刚开始，正如你对克里斯多夫所说“你不能在我头脑里装摄影机”，是的，谁也不完全能理解谁，当你再次见到你的爱人后，也请不要像过去一样，试图把一切真相都解开。否则，我想你第二次的逃亡就是从现实世界再次逃回你的真人秀片场。

schiff

能留下印象的片子有时也是烂片。

但这烂片还是可以看。





前墨西哥联邦探员弯刀（丹尼·特乔 Danny Trejo 饰）不顾上司的命令，执意追查犯罪头目特雷（史蒂文·席格 Steven Seagal 饰），结果反遭暗算，致令妻女被杀。三年后，弯刀在德州靠近墨西哥边境的地方打工糊口。偶然机缘下，他被神秘人物（杰夫·费伊 Jeff Fahey 饰）相中，受聘刺杀推行强硬移民政策的参议员约翰·迈克劳林（罗伯特·德尼罗 Robert De Niro 饰），但在行动之时弯刀再遭暗算，开始遭到雇主以及幕后黑手特雷的疯狂追杀。
　　危急时刻，弯刀得到露兹（米歇尔·罗德里格兹 Michelle Rodriguez 饰）、移民局女特工莎塔娜（杰西卡·阿尔芭 Jessica Alba 饰）以及许多朋友的帮助。他慢慢了解到这一切背后搅合了政治与毒品的丑恶阴谋，一场正义复仇随即展开……   




1.这电影没啥内涵，人家定位就是B级片，磨坊电影而已。
　　
　　2.罗德里格兹的电影总是给人感觉简单直接的爽，怎么爽就怎么玩，看的人自己去忽略那些细节。角色该死的时候死，不该死的时候不死，该脱衣服的时候脱衣服，该上床的时候上床。
　　
　　3.一个个熟脸混的和无线的艺人似的……
　　
　　4.英雄不看自己制造的爆炸场景，也不看会成为别人的爆炸场景，英雄还不会发信息，英雄更不会给予怜悯，英雄当然不会错失双飞的机会，英雄不能有身份证明，因为英雄是个传说。
　　
　　5.英雄可以一天艳遇两次，可以把人插着温度计炸上天，英雄可以合理利用人类的大肠，英雄没必要太帅，英雄就是不死族。
　　
　　6.电影另类，还存在于德尼罗居然是个肮脏的政客，史蒂文·席格也是大坏蛋，可最后是自己把自己杀了，杰西卡又来了，而且没穿衣服，罗德里格兹的两个双胞胎侄女又来玩了。主角是个天使，只不过下凡的时候脸着地了，而且着地之后还被弹了几下……
　　
　　7.看完电影，其实也没觉得过瘾，就是兴奋而已，这是导演一贯的风格，或许是因为这电影等的时间比较长了，吊足了胃口而已。
　　
　　8.强烈建议罗德里格兹拍一部辛普森一家玩玩。
　　
　　9.罪恶都市续集也该差不多了吧……
　　
　　10.昆丁与罗德里格兹，两个人的风格应该说是不同的，一个喜欢唠唠叨叨，说累了才给人来一枪，一个连给人看清脸的机会都没有直接拿下。一个喜欢胶片原生态，一个喜欢数字电影。但是说到头，都是暴力惹的祸。这种电影，越看越有安全感。

奏鸣曲

台词极为精彩，表演非常出色。

很多地方你看了不佩服不笑出来几乎是不可能的。

在车上关于平行理论唬的他弟弟的死党莫明所以+一愣一愣+心生敬意，弟弟关于学术的言简意赅的自我看法[s:97] [s:97] [s:97] [s:97] [s:97]


少见的美国产的优异作品[s:20] [s:20] [s:20] [s:20] [s:20]





倍受学生爱戴，事业如日中天的古典哲学教授比尔·金凯德（爱德华·诺顿 Edward Norton 饰）听闻自己孪生兄弟布雷迪（爱德华·诺顿 饰）的死讯后匆忙赶回奥克拉荷马州的老家，塔尔萨市的小迪克西镇。布雷迪的好友博尔格（提姆·布莱克·内尔森 Tim Blake Nelson 饰）负责接机，到家后发现布雷迪并未中弩箭而亡。比尔虽然气愤，但仍同意翌日去养老院看望十几年都没见面的母亲（苏珊·萨兰登 Susan Sarandon 饰）。布雷迪带比尔参观自己设计组装的第七代无土水栽优质大麻，并介绍他认识了当地中学的英语老师珍妮特（凯丽·拉塞尔 Keri Russell 饰）。就在比尔打算返回学校之际，他得知自己竟被卷入一起犹太毒枭（理查德·德莱福斯 Richard Dreyfuss 饰）谋杀案……   



　本片名字来自于惠特曼的诗集《草叶集》，而有趣的是《草叶集》也得名于一首诗句“哪里有土，哪里有水，哪里就有草”
　　很多人会纳闷，这样的白句也可以叫诗句，关于这个以下再做讨论，后来我把这句诗给理错了，但我觉得很贴切地表达了影片和诗集的联系，就是“哪里有土，哪里就有生长，哪里有生长，哪里就有草”
　　
　　我们来看,影片一开头，Bill在哲学课上就开始讨论人类欲望的事情，上的是古典哲学课程，就是用开门见山的方式对影片的主题的谈论，具体可以总结一句话，哪里有人类，哪里就有欲望，哪有欲望，哪里就会有冲突，哪里有冲突，那么人类的寻找宁静的幸福，就是一种奢望。（与草叶集的得名诗句相呼应）于是影片就开始围绕这个主题徐徐铺开。
　　
　　内容大致是这样，Bill和Brady是两个双胞胎兄弟，然而性格却是南辕北辙，一个举止得道的大学教授，一个是在乡村种植大麻的毒犯，还呆过监狱两年，而根据剧情我们知道，Bill曾经一度离家出走12年，甚至跟母亲一直有纠葛
　　一天Brady遇到了麻烦，写了封假报死亡的信，让Bill回到家里，到家后Bill发现Brady并没有死，一边生气，一边对这个搞恶的而又有点可爱的弟弟很是无奈。在家里呆了几天后，Brady说出自己的目的，就是希望和弟弟演出一场交换游戏，Bill假扮Brady在养老院看望母亲，做不在场证据，而自己悄然去杀死威胁自己的毒头。影片大致就是这个内容。也是该片的外线，内线是Bill和Brady和母亲之间的纠葛。我们知道诺顿从来不拍商业片，即使是绿巨人，这样的暴力片在诺顿的演绎下，都那么忧郁。
　　而本片想要表达的确是十分的隐晦.
　　甚至本片只是不断的谈话谈话谈话，所以我们理解影片的所有线索都是在这些谈话中认识的，首先我们先了解Bill
　　
　　如上所述，Bill是一个大学教授，年轻，帅气，又不失有点幽默，受尽学生的青睐，影片一下课就有女学生大胆献爱，结果他那举止无措的样子，让所有女影迷看地心花怒放。但是我们回望影片在谈话中叙述他的过往，从小身边的人就认为Brady比Bill聪明，我有理由相信，这给Bill很深阴影，他特别对于一对双胞胎兄弟来说，这样的心理情节类似于影片《她比烟花寂莫》的一对姐妹，该影片也是叙述，因为妹妹一直觉的自己没有姐姐优秀，所以嫉妒给于妹妹带来极大的生活压力，她不断地与姐姐在内心上针锋相对,从事和姐姐一样的音乐道路，为了证明自己比姐姐优秀，最后甚至要求要和姐夫上床，已证明有同样的爱。而同样的事情也发生在Bill和Brady两兄弟上，显然男人在处理这方面的事情，相对于女人少了几分嫉妒，多了些隐忍，(从Bill离开家庭12年，到成为了大学教授的路程)众观整片，Bill和Brady的感情还是很好的。Bill知道自己被Brady骗回家乡后，马上就要走人，Brady疑惑的问，到底是什么让你这么嫉恨我们。这里也可以说明以上观点。Bill说，no，i just....其实只是个借口，内心真实的想法从来不想让人知道。
　　
　　Bill小时候害怕雷雨天，而Bill为了抗拒这种恐惧，他到图书馆，翻阅关于雨天云层变化等知识，其实正常人遇到这类事情都愿意找母亲，而不幸的是，Bill的母亲是个很不靠谱的母亲，曾经一度和自己的儿子一起吸食大麻，40多岁就进驻养老院，而Bill一直因为这样的母亲而深深感到失望，但是Bill曾经也为了理解母亲也翻阅关于《60年代人的生活》但是始终没有解决两代人的纠葛。
　　Bill为了证明自己不比Brady弱，于是他不停地学习知识，这一路到大学教授，表现的无外呼是对自己脆弱的心理的弥补，于是我们看到了Bill成为了大学教授，但是Bill一直在外12年没有回家是不敢面对Brady和母亲，说明在他的内心里，即使身为教授的他也不敢去面对到底是否比Brady聪明的事实，也证明了他逃避的恐惧心理,影片中多处也对Bill这种追逐智慧而却愚昧死板的性格给了多方面的证明。
　　一：Bill回到家后，Brady拿大麻给Bill抽，洁身自好的Bill在Brady轻易的催促下就吸食起来，说明他强烈地缺乏自主。
　　二：做为影片的二号女主人公rabbi，一个女诗人,在和Bill见面的时候，评论了Bill话，她觉得大学教授都很死板。
　　三：当Brady问Bill关于论文海德格尔时说，我不明白为什么你的论文都不写自己的见解，而是去评价一个人的另一个人的观点，然后不停的写下去，确实Bill在从来没有过自己的见解，他只是不断地谈论别人的争执，因为他心理从来不敢对自己确定，他害怕自己发现自己是愚昧的，而对Brady解释，美名曰这是学术研究。可以看出Bill软弱的性格。
　　四：Bill和rabbi在河边捞鱼，Rabbi对Bill吟了一首惠特曼的诗，“你不了解你自己，只因你一生沉睡，紧闭双眼，你做的一切都是对过去的嘲笑，但那不是真实的你，你已将真实的自己深深隐蔽。”这里就对Bill的过往做了隐喻。这个真实自己，就是Bill逃避Brady，逃避母亲，恐惧害怕自己是不如Brady聪明，而身心脆弱的真实的Bill。“也许真相就在我们面前，可我们却视而不见，有一天你会发现你所寻觅的东西，都被你丢弃。”这里是隐喻后来Brady死后，Bill在说和Brady在一起的日子是最快乐的，言辞里充满了这离别12年的悔意。同一幕后面还有Bill打趣地说，我从来没有见过一个女诗人可以抓到一只40磅的鱼,Rabbi说这首诗句写的好,而Bill却认为如果诗没有韵脚，没有格式，没有标准的话，那么你怎么知道What is ture？哪一个是真实的，这里可以看出Bill一直找寻找真实的东西，为什么？假如他能抓到什么是真实的，那么对于Bill来说这真实的便是聪明的。。怡然，他就是想通过学识，表现出自己比Brady聪明，而借用印度导师克里希那穆提说的，你没办法知道什么是智慧的，因为智慧是活的，你想要知道什么是智慧的，那么它在你心里就是死的，你只能知道什么是愚蠢的。所以Bill这种欲望，只会让他越加深陷愚昧死板的泥潭，比如他拒绝新诗，追寻传统的性格。
　　五：当Brady杀死了毒头回来后，之前还蒙在谷里的Bil，看到了新闻，了解了真相后，对兄弟大大发火，他的第一句台词就是“Why?为什么？Brady,你这么聪明，怎么会这么愚蠢的事情？”我们姑且不论后半句，根据心理学来说，在这种情况下，往往会不经意说出自己的潜意识，就Brady聪明与否，对于Bill来说，是一个很重要的事情，也证明了以上论述。
　　六：Brady对Bill一翻争执后，居然让这个哲学教授，无言以对，确实是讽刺了现在教育下产生的所谓知识分子。连教授都是如此，更何况是这一代代教育下来的学生们。他们所谓的学识只是生活顶上的浮云，在现实面前不堪一击，而他们却出版书籍，出席讲座，大刀阔斧地谈论哲学，最终证明的是现在学识的一种娱乐性，毫无现实意义。
　　　　
　　　　而影片似乎更加褒扬Brady，这个带着牛仔帽子，双手纹字， 叼着烟，弹着吉他，唱着乡间民谣的痞子英雄，，他的生活过的远比BILL来的苦难，进过监狱，甚至欠了一屁股债，而他最想要的是，做一个父亲，这样的愿望对于他来说是一个奢求。于是他和世界做斗争。他种植大麻，通过大麻给生活带来平静。 于是影片也以大麻这个意想颇丰的植物作为片名。
　　　　对于影片来说，Bill更像是60年代枯燥无聊的流行乐，而Brady就是年轻充满活力的摇滚乐。
　　　　
　　　　而最终，Brady却死了，而Bill活下来了，讽刺了世界需要的是Bill这种没有冲突而愚顿的人，以前春树说过一句话，那些真正有锋芒的人都死了，剩下的只是愿意向世界妥协的人。我赞同这句话过于年轻气盛和偏激，不过我同时也正视这句话所表达的内容。
　　　　
　　　　最后一段颇为黑色幽默的情节，Bill为了Brady挨了一弩，一弥补影片中开头Bill收到Brady中了弩去世的消息，更深刻的原因是We break the world,now it's time to repair it.
　　　　我们破坏了世界的规则，现在我们必须去弥补，而影片通过了虚弱而不靠铺的黑色幽默情节弥补了这所谓的破坏。很多人认为这段内容根本不需要，我恰恰认为这是影片点睛之笔，黑色，幽默。
　　　　意味着一种现代社会，传统麻木，附和。没有英雄，只有教授，牧师，牙医，商人，这些规规矩矩生活的人，也是弥补这个社会的人。而Brady也只是这个社会上追求幸福的牺牲品，他也不是英雄，在文明的社会里，杀戮是野蛮的。
　　　　影片到此结束，当然也不忘为Bill做一个处理，在Brady死后，Bill在悼念词上说，和Brady在一起是他生命中最快乐的日子，也承认了自己的恐惧，他说，我最大的遗憾是我没有告诉他我当时有多痛苦。我真是佩服导演，影片到此还不愿意透露，依旧这么隐晦的词语。
　　　　但是往往几人能知道自己当时身边的幸福呢，人们只是在欲望面前，盲目的冲突，背叛，恐惧，逃避，甚至杀戮。
　　　　大致感叹此情可待成追忆，只是当时已枉然。
　　 整部影片Rabbi担当着自由女神的角色，对那些心灵拘困自己的人做一个鲜明的对比，母亲，Brady，Bill，等等。可以看出她每一个出场都是光着脚丫子，象征没有束缚和自由，而且她热爱自然，喜欢无拘无素的生活，充满热情。最重要她还是一个女诗人。
　　　　最后Bill坐在雷雨天下，扶着她的手，正确的面对自己的恐惧。效果不言而寓。
　　但是随后的生活又会是怎么样呢，自由是一个很深的问题。








看着看着，感情倾向就出来了。都是诺顿，我却更爱种大麻的弟弟多一些。总觉得那个更接近真正的诺顿。他相信科学，要用最先进的水栽法种植大麻，他引进最先进的设备，他的种植室宛如高端生物研究室。他收集科学家哥哥的每一篇学术著作，要知道那可是要人命的艰深晦涩的哲学论著啊。
　　
　　我时常觉得他才是诗人。一位种大麻的忧郁诗人，诺顿留长发的样子和短发的他截然不同。我更喜欢他吊儿郎当假装自己是个流氓的样子。
　　
　　这位大麻诗人内心有着强烈的对爱的渴盼。他有一个即将出世的孩子，有一个很好的老婆，有一个很肝胆的搭档，有一个其实很爱他的哥哥，有一个好莫名的年纪轻轻就进了养老院的妈妈，还有一把老吉他。
　　
　　反观哲学教授哥哥，代表着人群中依靠自己的努力进而出人头地的那一类精英。在人前有着充分的自我意识，不愿意但也不避讳自己的过去，总想脱离固有的生活轨道，却对过去的生活有着无法言明的眷念。他活得很纠葛，似乎，也不太快乐。
　　
　　只能说相比诺顿同学曾经演过的那些角色，这部电影的剧情相对薄弱，但是并不妨碍电影本身的好看。一点点暴力，小小的文艺，正如街道办事处里总隐藏着文艺青年一样，惠特曼的诗用来形容大麻的自如生长，是那么恰当，又让人忧伤。
　　
　　以善恶来评判大麻弟弟这个角色丝毫没有意义。他种大麻是为了生存，不种大麻是为了更好的生存。我痛恨的却是他竟然死在那个神经质的破产牙医枪下，多多少少带来了几丝喜感，抹煞了生活固有的残忍。同样的，用任何世俗的标准来评判我们可爱的教授也完全没有必要，他明明知道弟弟杀人，却没有大无畏地选择报警，像每一部国产片里都会出现的正义傻逼一样；当他看到弟弟倒地，下意识他开了枪，他要为弟弟还债，开始和他并不屑的各色人等打交道。似乎回到混乱的小德科西，他才更加有血有肉，还原成一个真正的人一般。
　　
　　空手捕鱼的女诗人我很喜欢。她总喜欢光着脚丫。她的诗质朴，热忱，就像九月里成熟饱满的麦粒，丝毫不知羞涩，太阳下闪闪发亮。无疑，她必定是那照亮教授生活的最亮的光。
　　
　　婴儿的啼哭声却给了我好多希望，多少弥补了我对大麻弟弟之死的耿耿于怀。人类繁衍果然很有意义，我最热爱生命的延续一说。而这，也就是大麻诗人生前至大的期望吧？
　　
　　其实，这真的只是一部很简单的电影，甚至说不出什么高尚的道理。只是一个带着点忧伤的故事。甚至可以这样说成一个国人爱用的励志故事，从前有一对双胞胎兄弟，他们长得一模一样，可是有一个很聪明又不爱念书，有一个勤奋有努力，结果不爱念书的长大后种了大麻，勤奋的长大后当了教授......好吧，写到这里，写成这样，我真的忧伤得开始蛋疼了......
　　
　　我们永远不可能成为谁。只能以自己的方式生活，或者和整个世界对抗。因此，不论种大麻背诗歌也好，还是当教授让女学生垂涎也好，本质上都是一样的，那就是以自己的方式，活在这个我们无法理解的世界。








在Tim Blake Nelson的影片《草叶》（Leaves of Grass）中，爱德华·诺顿（Edward Norton）饰演布朗大学的古典哲学教授比尔·金凯德是个完全理性驱动的严谨学者。他一出场就引用柏拉图的名言，说情感是人类的本质弱点，我们必须长久自律，不懈地抑制之，不断排除那些使我们感到疑惑、弱化我们对周围世界认知的杂念。又说，幸福生活的平衡是从不存在的。一旦我们误以为获得了这种平衡，我们就是在假扮上帝，顷刻间便会灰飞烟灭。
　　
　　生活中的金凯德教授的确在严格执行自己的信仰教条。他一心扑于学术，严词拒绝投怀送抱的年轻女学生，远离家乡小镇种植大麻为生的孪生兄弟布雷迪及早早就进敬老院虚度余生的母亲的负面影响。哈佛大学法学院也向他殷勤抛出橄榄枝，如日中天的金凯德教授简直就坐在幸福生活的平衡巅峰！可按照他所遵循的那套古典理论，下一步，他就该大下坡俯冲准备拥抱毁灭了。
　　
　　带来毁灭的不是别人，正是研制出了无土水栽第七代优质大麻的弟弟布雷迪。这个与比尔同卵双生的家伙是理性的纯反面。他做事不考虑后果，是个意气用事的性情中人；他对学问圈里不主动创新而是就一个论点你说我说他说争来争去的研究风气不屑一顾；他在屋里装紫外灯，睡水床，听黑胶老唱片；他感想敢做，甚至曾想说服自己未来的老婆和她最好的女朋友搞3P！这么一个弟弟简直让比尔头痛欲裂；但他对奥克拉荷马州家乡小镇的短暂造访并非一塌糊涂，除了布雷迪所体现出的感性之疯狂，他还遇到了感性的美丽一面——中学老师、诗人珍妮特。
　　
　　珍妮特对比尔吟诵惠特曼的《草叶集》，她把自由飞扬的真实情感看得比约定俗成的格律、规章更加重要。她对比尔“什么是真实”的答案也同时是她对《草叶集》的无上致敬：
　　
　　那一夜
　　我扭动着自己长满锯齿的皮肤
　　啖噬着你的草叶
　　在幼虫的盲暗中
　　我知道那无毒
　　也没有爱的滋润
　　只有饥饿是最终的真实
　　
　　珍妮特与比尔对同一问题的差异态度同时也就是感性与理性最大的差异。对学究比尔来说，古代先贤们总结出来的金科玉律为“真实”描绘出了唯一的形象，这个形象是严谨逻辑推理的结果，是放之四海而皆准的高度概括与总结。真实是抽象的，通透的，清而深邃。但诗人珍妮特不这样认为，她说“也许真理就在我们面前，我们也正向它靠近，只是不知其具体方位；可一旦你认为自己对一切均已明了，那剩下的还有什么意义？”这与布雷迪对“神”的解释异曲同工：人与神是两条永不相交的平行线，现实中的人即使再了解神，再拼命努力，也永不可能达到神的高度，不可能掌控一切。
　　
　　相对于比尔的抽象思维，感性的珍妮特在细节中寻找真实。她不总结规律，她用幼虫吞噬草叶的饥饿意象来再现真实。她也不规避生活。这个徒手抓鱼的姑娘让自己融入真实自然的一点一滴，细腻地感受水流、花草，还有周围的人与事。珍妮特与比尔是人之思维的优秀两极，一边是严格自律，勤奋精进；一边是敞开心扉，自由呼吸。当这两极彼此面对发生对撞时，擦出的火花无比绚烂。
　　
　　感性的另一面，是比尔口中的“罪犯加超级烂人”布雷迪。但正是这个从不畏惧生活，不惜威胁自己及他人的生命，全凭感觉意气用事的家伙才终于让比尔明白，自己生命中最幸福、最自由的快乐时光，全都来自于那一段手足之情，来自于心，而不是脑。
　　
　　与比尔-布雷迪这段矛盾复杂的兄弟情穿插的还有奥克拉荷马州图尔萨市的犹太小社区，有倾其所有支持以色列政府的慈善家大麻贩子，有诊所开不起来的疯狂牙医，还有越搞越糟的校园绯闻。导演Tim Blake Nelson把这些混乱却又彼此关联的小世界一股脑全呈现在屏幕之上，让比尔在从理性走向感性探索同时也带观众从有序奔向无序，让我们在荒谬的喜剧与沉重的悲剧之间对生活现实做一次全新的认知与体验。
　　
　　最后，在理性与感性的一次次对立、碰撞与统一中，终被激发出的是“人类本质的弱点”——情感；但也正是这个不理智的、混乱的、不能解释的元素，才终于帮助我们在这些个支离破碎的世界中找到支点，让我们不再害怕地规避，不用愤怒地抛弃，也不必颓废地沉沦；而是去一点点地修复，一寸寸地改变，让我们在理性的思考与感性的认知间能够始终鼓起勇气，坚持信仰，呵护理想，从而始终看得见那充满诗意的，绿色的希望。
　　
　　——“哪里有土，哪里有水，哪里就长着草。”

奏鸣曲

[s:20] [s:20] [s:20] [s:20]

乌玛瑟曼的表现甚至略超过斯特里普。






说实话，我是冲着梅丽尔•斯特里普（饰心理医生，达夫的母亲）和乌玛•瑟曼（饰拉菲）才买这张碟的。这是一个关于姐弟恋的故事，拉菲37岁，达夫23岁，偶然邂逅，一见倾心，虽然相爱，终无结果。比较有看头的是斯特里普扮演的心理医生，从起初的耐心倾听热情鼓励，到得知真相后的矛盾重重理智应对，丝丝入扣，分寸感拿捏得恰到好处，尤其那些神经质的细微动作，令人叫绝。在两位大明星的光彩映照下，饰演达夫的男演员显然青涩了许多，几乎没有多少发挥的余地。
　　 影片的结尾，两人分手一年后的某天，达夫无意间看见了和朋友聚会的拉菲，隔着餐厅玻璃，四目对视，拉菲回眸一笑，达夫转身离开。双方没有一句言语，眼里又分明写满了关爱与祝福。
　　 不知道是编剧的狡猾，故意留下悬念，还是过于现实，或者难以设计两人若真的喜结连理后的剧情走向。如果细究起来，故事的发生发展似乎总有太多的巧合，但转念一想，大千世界，又有多少奇迹就是这样来得毫无预计。
　　 影片的名字叫《青春无敌（Prime）》，副题是“A Therapeutic New Comedy”。我喜欢这种带有淡淡忧伤和温馨色彩的喜剧，仿佛镜头前拉菲最后那抹恬静的笑容，其中，有曾经沧海的激情，更有云淡风轻的从容。拿得起，亦放得下，大概也只有故事里的人物才有可能做到这般的理性和平静。
　　 关于“姐弟恋”的题材，似乎总能成为影视作品的偏爱，是易于结构起伏的剧情，还是引发世人对此想象的思考，不得而知。远的不说，倘若“八卦”一点的话，近年来影视圈里不就爆出好几桩类似的新闻。明星总是惹人关注，明星的私生活更易引起大众好奇心的窥探。情义两心知，故事背后的真实细节，旁人无法了解，只有当事人自己最清楚。作为看戏的观众，本就不该干扰别人的抉择，只消送上美好的祝福足矣，实在不必太多的聒噪。
　　 中国老话有“女大三，抱金砖”的说法，但要是女方比男方大上不止三岁的话，就会遭人侧目。不像老夫少妻的结合，最多一句“老牛吃嫩草”的揶谕，潜台词里似乎还有几分嫉妒和艳羡的成分。男女择偶的标准，身份地位职业资产，样样不能少，所谓门当户对，看似平等，实则功利，说它滑稽却又暗藏玄机。虽说“年龄不是问题，身高不是距离，体重不是障碍”，可一旦即将成为现实，则难免身不由己地顾虑重重，忧思忡忡。当男人爱上女人，丘比特之箭射中彼此心田，爱情的火焰如火山喷发，谁还能在瞬间做出理性的抉断。鞋子合不合脚，婚姻幸不幸福，都是只有亲身试过后才能下的结论。所以，适与不适，在没有足够的时间权衡比较之前，是根本不可能一语道破的，那么，情浓时的山盟海誓，也就并不存在对与错的划分。
　　 《Prime》中有处小细节，不知是不是编剧的有意提醒：夜深了，达夫还坐在地板上入迷地玩着电动游戏，拉菲站在旁边停顿片刻，终于无奈地转身进了卧室。达夫回头看了她一眼，转而继续奋战。
　　 37与23，姑且不论是否编剧的夸张，十几岁的年龄差距，已然整整一代人的时间跨度，无论是学识、背景、环境、兴趣还是阅历、际遇，都会有不小的差异。或许，这差异不光体现在生理上，更多的大概还是体现在心理上。仅仅有爱，显然是不够的。没事还好，卿卿我我恩恩爱爱，一旦有事发生，可就不是轻易能够消弭的了。而矛盾一经产生，就算最终得以化解，那道裂痕仿佛植入皮下的硬物，时不时地便会磕着碰着，逢到阴天返潮，更是会隐隐作痛却又无处逃遁。
　　 这样看来，影片安排这样有因无果的结尾还是明智的。起码不要复现彼此的口角纷争，痛不欲生，那样就真成了人间悲剧而不是现在的效果了。爱过，醉过，就好；醒了，分了，也好。尽管现世中比这残忍酷烈的例子还有很多，幸亏电影里没有出现这样的不堪。
　　 女人易老，不止是容颜的衰颓，最怕是心灵的疲惫。但愿现实中那些“姐弟恋”故事的女主角，能够真的幸福长久。即便不能，也要学会像拉菲那样回眸的一笑，毕竟，生活还是要继续下去。





因为Uma去看的这部电影，当然Meryl的精湛演技也是自己在观影前非常期待的。而如今，真的是很喜欢这部电影，很喜欢Uma，很喜欢Bryan。曾经爱过，昔日的时光，简单的事。Prime，让人再一次回味爱情的甜美和脆弱。
　　很爱那个结尾，有些出人意料，却真的令人感动。 Bryan和Uma在床上深情拥抱，向彼此的爱告别（我的一个朋友在看这幕时，说自己几乎泪流满面）。她说，我不能。他不解，相信我，我能做到。她说，我知道你能，也明白你所做的一切。只是我不能。因为我爱你，我不可以这样对你，我不想这一切都让你来承受。这不是对你的放弃，最终你会发现的。有一天，你要把握好你所爱的女孩。
　　多么伟大而坚强的女子。有时，爱并不是占有，而是要让所爱的人，找到幸福。而对于Bryan来说，这段历程让他体会到爱的本质，并开始懂得温暖和伤痛。
　　一年以后，Bryan在酒吧里又一次偶遇Uma，他兴奋却紧张，有些不知所措，最后他站在门外，贴着窗子向里面凝望。她依然如故，美丽的金发，温柔的笑颜。她似乎感觉到了什么，回过头来，看着他微微一笑。他会心地回以笑容，孩子般纯真而释然的笑。
　　那段旅途，关于爱的叙述，意外邂逅，一见钟情的甜美，交往的过程，内心的斗争，彼此祝福。一切都没有改变，虽然永远也无法回到从前。感情带给我们的，从来都不是获取，而是给予。这就够了，这就够了。洁白宁静的雪缓缓飘落，小酒吧里透出金黄色的光晕，让人感觉温暖、安心。
　　其实，谁不向往天长地久的爱情呢？然而，就Prime一剧来说，整整14年的差距毕竟在那里。她只是比他更早的看到了他们身上的不同，看到了感情之外，存在着的种种不安。她是真的爱他，所以她放手，所以她希望有一天他可以找到一个真正值得他去拥有和珍惜的女孩。
　　也许，在过五年、十年甚至更久，当回首往事时，终于发现这段路彼此都走得无怨无悔，而一切都已经有了别样的美丽，那多好！
　　最后，祝福普天下的有情人都可以终成眷属。
　　Love is patient and kind. It is never jealous. Love is never rude or selfish; and it does not take offense. Love takes no pleasure in other people's sins, but delights in the truth. It is always ready to excuse, to trust, to hope, and to endure whatever comes.




好莱坞拍片子的习惯是看谁来演，我们买碟的习惯也是看谁来演，一边吃我的早饭一边看三个大牌的生活戏，PRIME被片商翻译成了《青春无敌》，而在港台上映的时候都以更加诱惑的名字出现叫做《春心荡漾》，不过看了主要的明星，我们都愿意相信她会使我的春心荡漾：吴妈·瑟曼uma thurman，主演了无数令我们感怀的片子，无论是最早的《低俗小说》还是后来的《杀死比尔》，都是那种有着鸽子般的善良和毒蛇一般的妖媚，一个女人长成这个样子值得一看。另外一位就是玛丽·厮特离谱mery streep，这是一个靠谱的老一代艺术家，打我们小时候看过《法国中尉的女人》之后，我们就知道《霓虹灯下的哨兵》里面班长的女人实在不像个女人。据说后来丫作为一代好莱坞巨星驾临沪上，那时已经知道老一代艺术家在国外是多么不受待见啊！有了这两个票房的保证，再加上一个新生代帅哥不来嗯·格林博客bryan greenberg，基本上就齐了。
　　
　　情节实际上交代的很清楚：一个37岁的高龄上班女郎吴妈，也是在曼哈顿呆久了，经常去找心理医生厮特离谱看病，估计也就是一个情感隐私的诊所版，之后在五光十色的曼哈顿夜生活中，与帅哥格林博客一眼就对上了，然后爱的昏天暗地，这个帅哥是一个天才画家，不穷但是绝对不富裕，丫也不工作，窝在家里除了画画之外主要是和一哥们儿混在一起，那个哥们儿最拿手的好戏，就是把甩他的女友给约出来，然后给一个一磅的奶油小蛋糕扔到脸上，然后人家家里的几个哥哥冲将出来，丫们一路狂奔。我估计中国农村很多的恋爱引起的械斗估计也是这么来得，主要是咱们国家的幽默比较有限度，估计也不是给你一个奶油蛋糕，而是给你一铁锹，人家哥哥估计也没有追，只是把村子给围了起来，这就是为什么纽约的故事要比什么中国北方的农村电影好看一些的基本道理。
　　
　　天才画家一眼把曼哈顿的上班女郎给叼住，吴妈也是37岁的高龄，主要是身材错落有致，而且人一看也是那种特别渴望遇上好男然过上好日子的那种离婚妇女，于是一拍即合，爽完了之后就去和心理医生去分享，估计丫在曼哈顿没有什么朋友，这里面没有出现SEX AND THE CITY里面惯有的四个8婆的研讨会，也没有像北京版的欲望都市，找来什么那硬或者蒋纹理来商量，人家花了咨询费，估计还是希望可以聊一个痛快。本来厮特离谱也是个人民的好医生，一开始吴妈看到EX男友的时候很悲痛的时候也是会递上一个手巾板儿之类的事情，但是厮特离谱多精明啊，听着听着就觉得不对劲，后来三问两问知道这一次病人吃的嫩草是老娘自己的儿子！
　　
　　这个时候戏很好看，做贼心虚的厮特离谱小心翼翼的把吴妈送走，专门在具有扭腰特色的门眼里面看了一眼走廊，（这个门眼我们在《低俗小说》里面见过，不过走廊上面伸进来的一只加了消声器的手枪。）然后开始SHIT-SHIT-SHIT,不停的骂了起来，而且老厮特离谱真是老了，这么一骂，把自己给气得要躺在沙发上顺气，结果发现老厮的体形俨然不可以再去做中尉的女人了，那简直就是一个法国司令的女人啊！
　　
　　根据整个片子的感觉来讲，实际上把吴妈请来演这部戏，这一切就是票房的保证了，估计今天的女星中，吴妈当之无愧的位列第一，无论是风情万般还是脚趾头里面蹦出一个眼球，没有人可以像她一样把善良与神秘处理的那么好的。看来LV还是有眼力的，可以把这样的人和丫们的各种包包摆在一起，除了善良之外还有一种丫们的神秘，那就是为什么可以卖的那么贵的PVC啊！
　　
　　想想如果这个角色摆在中国的话，王菲要是扮演吴妈的话，估计李亚鹏扮演格林博客就不如谢霆锋来得真实，但是谁扮演厮特离谱呢？斯琴高娃还是蒋雯莉？或者是2005年最会花钱的陈红陈老师？不过扮演这个心理医生也许倪萍更好。
　　
　　很是难忘的是最后一段，格林博客再次在酒吧巧遇吴妈的时候，双方的眼前都会浮现出一段幸福时光，看来感情就是回忆，如果总是回忆的话，那一段的感情的确是非常值得珍惜的。





　23岁的天才画家Dave和刚离婚不久37岁的成功职业女性Rafi通过朋友偶然认识,年轻,朝气蓬勃的Dave被Rafi成熟的女性气质所吸引,终于鼓起勇气约会Rafi.通过两人的相处,年轻的Dave给Rafi带来从未有过的快乐,Dave在Rafi的鼓励下,逐渐找到自信,明确了人生的方向,并在Rafi的引荐下,卖出了自己的第一幅作品,开始了职业生涯.
　　 但是年龄的差距本身就是一个焦点问题,两人的相处的过程中矛盾也随之而来,Rafi拥有自己的公寓,生活稳定,有的都是事业有成的朋友,而Dave一开始没有工作和人生方向,朋友也大多是不断更换着女友的毛头小伙.
　　 他们之间一直存在的死穴就是:37岁的Rafi想要一个baby,她的时间也不多了,但是年轻的Dave却无力承担这样沉重的责任,就连Rafi自己都对Dave说:"You're in no place to give me what I need."
　　 虽然两人的焦点是年龄问题,但也包含着其他的因素,宗教信仰,种族.......放到中国,可能就是籍贯,家庭背景了.来自家庭的阻力,也使得两人压力重重.
　　 出于对我们的爱,我们的父母总是试图根据自己的经验告诉我们应该做出的决定,而他们往往也是正确的.但年轻的我们关注的却常是自己的感觉,因为我们自己不去经历,不去尝试,又怎知其中的欢乐和痛苦呢?
　　 一年之后,Dave和Rafi在一个大雪纷飞的夜晚,在一家餐厅偶遇,来年工人默默无语,隔着玻璃互相微笑,笑容里带着伤感和无奈,更多的是感激,可以想象,在那一年里,棉队种种困难 ,两人最终还是分手了.
　　 这就是影片＜青春荡漾＞的剧情，英文译文是：Prime
　　 Prime做名词时有两个含义:1.佛晓,春天,青春
　　 2.盛年,壮年
　　 这个词汇语义双关,暗示男女主角的特征,一个朝气蓬勃,一个成熟稳重.
　　 在现实生活中,我们也常常为爱情所困,由于这样那样的原因,我们往往无法和相爱的人在一起,有时候爱我们的佳人反对我们的爱情,有时候我们爱的人离我们而去......
　　 但当我们告别爱情的时候,我们并非一无所获.也许我们应该放下一颗执着的心,像影片中说的那样:We love,we learn,and we move on ,and that's okay.

奏鸣曲

这猫 哈哈。。。。。。

[ 本帖最后由 奏鸣曲 于 2010-10-11 08:35 编辑 ]

schiff

　
因为对这样的题材兴趣不大，故也说不上什么，据说这是获得金棕榈的作品，感觉有点名不副实，虽然看那些镜头花了不少钱。[s:20] [s:20] :victory:




罗兰．约菲导演的史诗式宗教冒险片，两位男主角形象虽有点典型化，内容也有点庞杂，但映象十分壮观，某些场面的摄影美得让人窒息，杰瑞米．艾恩斯与罗伯特．德尼洛的对手戏也精彩可观。剧情描述十八世纪时，西班牙教士嘉比尔奉派到南美洲丛林为瓜拉尼族人建立教会。他碰到了奴隶贩子罗多萨，带着这个因为杀了弟弟而深感内疚的汉子一起前往目的地修行赎罪。当他们的传教任务稍具规模时，葡萄牙与西班牙政府却因为殖民地冲突而在当地发生战争屠杀，结局十分悲怆。




在罗兰-乔菲导演的这部带有史诗气质的宗教冒险片里，不缺乏典型化的主角人物，不缺乏庞杂宏大的主题设置，甚至还有着壮丽秀美的画面奇观，虽然不如Avatar那样纯粹凭空创造出的一个新世界那么赏心悦目，却也同样在漂亮得让人窒息，甚至还有杰里米-艾恩斯和罗伯特-德尼罗的精彩对手戏（私下觉得这些设置都比较讨巧，参展有些投机）。剧情则描述了艾恩斯扮演的西班牙教士嘉比尔奉命到南美丛林为“瓜拉尼族”人创立教会，而德尼罗饰演的奴隶贩子门多萨则因为杀死和自己的情人相爱的弟弟深感内疚，自愿跟随教士传道修行赎罪，但当传教稍具规模的时候，葡萄牙和西班牙政府却因为殖民冲突转而要求瓜拉尼族人搬迁领地，在遭到拒绝后上演了一出血腥屠杀，直到三位自愿站到土著人一边的主角殉道身死。
　　
　　 我说过，强势而又崇尚武力的文明对弱势文明的征伐向来只会有一个结果，绝少例外，因此，教士原先对于理想的虔诚、对于上帝的忠诚，对于皈依基督的土著人的真诚越甚，则最后他们义无反顾的或在抵抗或在秉持信念的坚守中殒命便制造了极大的戏剧冲突所带来的张力，嘉比尔殉道是忠于自己的坚持，门多萨牺牲是在拼争中赢得了救赎，所以片尾主教在反思和内疚中会说，逝者才是永生，而生者则已死。
　　
　　 只是，这种悲悯也无力改变“强权即公理”的人类社会党同伐异的天然法则，Avatar是卡梅隆在潘多拉星球创造的一个世界，本质上只是一场梦，而且还是一场有着美好结局的美梦，而目的则是在烧了5亿巨资之后掠夺全球影迷的荷包，自然，卡梅隆并不擅长剧情设计，从“You jump，I jump”到“I see you”其实也没多大长进，但这却从来不会影响他在视觉创造上的惊人天才，以及对节奏掌控、细节控制、兴奋点设置以及其他商业元素的拼贴一次次完成电影在商业层面的奇迹。追求的层面不同，所以Avatar固然能够在票房上一路突破各种极限，甚至于取道中庸的奥斯卡也很有可能再次臣服于世界之王，但是金棕榈却只会落户于残酷的反差，悠长的回味和厚重的人文思考，这就是梦幻与现实的差距。

[ 本帖最后由 schiff 于 2010-10-8 13:00 编辑 ]