看片杂记

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《戏梦巴黎》是贝纳多·贝托鲁奇2003年的最新作品，贝托鲁奇最为中国观众熟悉的电影大概是以溥仪为题材的《末代皇帝》，只看过那部电影的人恐怕不知道这位大师的另一面——他1972年的作品《巴黎最后探戈》由于含有露骨的性爱场面，在当年成为备受争议之作并遭到了禁演的厄运。不过，这段经历并没有改变现年63岁的贝托鲁奇的本质，在《戏梦巴黎》中，他再度踏足雷区，选择了改编作家吉尔伯特·阿戴(Gilbert Adair)涉及同性性爱及兄妹乱伦情节的小说，影片以1968年法国学运为背景，讲述乱世之中一女两男之间的微妙而极端的关系。

　　《戏梦巴黎》不但标志着贝托鲁奇宝刀未老，也是1960年代文化在今日的回响。对于贝托鲁奇来说，性爱与政治都并非池中物，理想主义随风飘荡的1960年代空气才是他想呈现给观众的珠玉。按照他本人的说法，《戏梦巴黎》在今天仍然有现实意义，他希望将1960年代当作一面镜子。

　　在电影手法上，贝托鲁奇在片中引用了大量经典影片片段，是否出于致敬心态不得而知，但可以肯定的是，你对电影史了解得越多，就能从《戏梦巴黎》中得到越多。换言之，在这一点上，《戏》片与塔伦蒂诺的《杀死比尔》有异曲同工之妙。

   ◆导演特写

   ◆ 贝托鲁奇：人们都觉得我罪大恶极

　　以1968年法国学运为背景拍一部电影的想法在贝托鲁奇脑海里徘徊许多年了。不过他强调这并非出于怀旧一类的心理，他认为《戏梦巴黎》在今天仍然有很强的现实意义。影片的最后一个场景，按照导演自己的说法，是故意地影射热那亚与西雅图的示威抗议行动。贝托鲁奇想将此片作为“给当今青年的一份希望”。
　　“现在的情况和当年不太一样了。1968年，大家普遍认为世界会变得越来越好，而你会成为这个进程的一部分。但今天不是这样了，我想表达这种感受。”
　　熟悉贝托鲁奇的人会知道，拍摄敏感露骨性爱题材对他来说并非头一遭，1972年由马龙·白兰度(Marlon Brando)主演的《巴黎最后的探戈》(Last Tango in Paris)就因为出现了肛交场面，在当年引起轩然大波，不但影片被禁，贝托鲁奇本人也被剥夺了五年的民事权利并面临审讯，甚至白兰度与女主角玛丽亚·施耐德(Maria Schneider)也站在反对派一边，当年19岁的玛丽亚公开称影片毁了她的一生(她最绝的一句话是针对贝托鲁奇的：他教会了我永远不要在一个大谈艺术的中年男人面前脱下衣服)，白兰度则说感到自己“被这部电影强奸了”。但苏珊·桑塔格(Susan Sontag)等著名学者则站出来支持。此片在今天已成为影史经典。
　　在今天，贝托鲁奇回忆起这些经历时只是耸耸肩膀。“他们俩当年都过了二十一岁了，反正肯定有十八岁了。我和白兰度现在是很好的朋友。不过，玛丽亚当年可能是小了点，我想她可能不太能完整地陈述所发生的一切，所以，人们听到的都是诸如我如何罪大恶极一类的话。”
　　三十多年后，在《戏梦巴黎》中，贝托鲁奇似乎走回了老路，不过，或许是年龄的关系，极端的题材在电影里是以一种更加含蓄和微妙的形式表现出来。原著小说中，三位主角马修、席奥与伊沙贝之间的复杂微妙关系涉及兄妹乱伦与同性性爱，在电影里，贝托鲁奇将兄妹乱伦弱化成了一种发生在兄妹间的亲密而未越界的情感，而同性性爱则代之以马修与席奥相互的暧昧眼神与手势。
意大利帕尔马，年轻时当过诗人，22岁时改行当导演。1970年，《顺从者》(The Conformist)一片为他赢得了国际声誉，1987年的史诗片《末代皇帝》(The Last Emperor)使他成为奥斯卡最佳导演。其他主要影片有《遮蔽的天空》(The Sheltering Sky)、《巴黎最后的探戈》、《偷香》等。
　　贝纳多·贝托鲁奇，在1972年推出了《巴黎最后探戈》，在当时可以说是令人震惊的情色经典。这部由奥斯卡影帝马龙·白兰度主演的电影，1973年在美国上映时引起了轰动。片中大胆出位的表演，在那个还不够开放的年代，立即引起了保守人士的猛烈批评，在许多国家遭到禁映。就艺术成就而言，《巴黎最后的探戈》是一部优秀的文艺片，并非为情色而情色。影片曾入选美国电影学院评选的“百部爱情电影”。不仅如此，影片还带来了一股欧美情色风潮，可以说是上世纪70年代西方情色电影的开山之作。“《戏梦巴黎》既紧张又松弛，既粗砺又梦幻，既性感又傻气，既哀伤又深刻，你可能觉得它说教，但它同时又是开放性的，所有这一切加起来，就是如假包换的贝托鲁奇。”——《纽约客》
　　“《戏梦巴黎》是一部极度性感的、毫不掩饰地写给1968年巴黎的旧式情书。要完全地享受该片，你就必须容忍那些做作的部分，因为这是这部令人愉快的电影的成分之一。这是贝托鲁奇几年来带给我们的最好的电影。多部经典电影被明确地引用，这或许会令部分观众感到不耐烦，但这些细节强调了在那个没有录像带、没有DVD的时代里，像席奥和伊莎贝这样的电影狂热者的不幸与绝望。”——Peter　Bradshaw，《卫报》(英国)　
　　“或许不具备原著小说那种伏尔泰或王尔德式的格言式指挥，但这是一部有趣的、深邃的电影，它忠实于时代，情色而不色情，三位年轻演员的表演充满了自信，且毫不做作……在众多被引用的电影里，我们见不到大岛渚的《感官世界》与贝托鲁奇本人的《巴黎最后的探戈》——原因很简单，1968年，这两部片还没有拍出来，但，《戏梦巴黎》难道与这两部片没有相似之处吗？三者都深入探讨了在一个私密世界中发生了异变的性爱欢愉，在三部电影里，主角在道德上与肉体上的堕落都直直指向死亡。”　——Philip　French，《卫报》(英国)

   ◆剧情◆

　　1968年法国学运前夕，三位年轻人因为对电影的热爱而相遇。马修是来自美国的交换生，在巴黎进修，在那里他结识了一对兄妹席奥与伊沙贝，三人因为都是狂热的电影爱好者，迅速打成一片。学运开始后，政府被迫停止运作，在动荡的五月里，大学罢课，三个年轻人无事可做，在房间里玩起了对台词的游戏，无意间，三人的关系发生了微妙而极端的变化……作为外来者的马修在异乡遇到如此奇特的情事将如何应对？

    ◆看点：与《杀死比尔》类似的观影快感◆

　　由于影片的三位主角都是狂热影迷，在片中有很多三人聚在一起聊电影的场景，充满了许多文化交流。这使得《戏梦巴黎》成了又一部“给狂热影迷看的电影”，在片中，三人会从卓别林侃到巴斯特·基顿(Buster Keaton)，并模仿戈达尔的《法外之徒》(Bande a part)中同为一女两男的三名主角跑过卢浮宫的场景(或许这是贝托鲁奇在向《法》片致敬)。我们可以看到在玛琳·黛德丽(Marlene Dietrich)的画像旁边放置着毛泽东的画像，而大画家德拉克洛瓦的名作“自由指引人民”被席奥与伊沙贝加上了玛丽莲·梦露(Marilyn Monroe)的脸。喜欢《杀死比尔》的影迷，一定可以在本片中获得同类的观影快感。◆电影配乐◆

　　原声碟重现60年代风潮 预计将掀起抢购热
　　贝托鲁奇和昆汀·塔伦蒂诺一样，是那种对流行音乐颇有心得的导演。《巴黎最后的探戈》除了影片本身的争议性外，另一大卖点就是由Gato Barbieri作的配乐，甚至这张原声碟比电影本身还要出名呢。《戏梦巴黎》由于是以1960年代为背景，在音乐上也自然有所配合。除选用1960年代文化偶像吉米·亨德里克斯(Jimi Hendrix)的一曲“Third Stone from the Sun”外，还加入了著名迷幻摇滚乐队Grateful Dead的名曲“Dark Star”(此曲由乐队为影片作特别剪辑，减短了长度)。此外，还有上世纪上半叶地位崇高的歌后Edith Piaf的“Non，Je　Ne　Regrette　Rien”也被收录(香港作家陶杰将梅艳芳比作香港的Edith Piaf)。不知是否出于致敬的心态，贝托鲁奇还分别选了特吕弗(Francois Truffaut)与戈达尔(Jean-Luc Godard)两位法国新浪潮电影先驱的三部影片(《四百击》、《精疲力尽》与《狂人皮耶罗》)中的主题曲。看来这张原声碟会像《杀死比尔》的原声一样，再度掀起抢购热潮。




《戏梦巴黎》是贝纳多·贝托鲁奇2003年的最新作品，贝托鲁奇最为中国观众熟悉的电影大概是以溥仪为题材的《末代皇帝》，只看过那部电影的人恐怕不知道这位大师的另一面——他1972年的作品《巴黎最后探戈》由于含有露骨的性爱场面，在当年成为备受争议之作并遭到了禁演的厄运。不过，这段经历并没有改变现年63岁的贝托鲁奇的本质，在《戏梦巴黎》中，他再度踏足雷区，选择了改编作家吉尔伯特·阿戴(Gilbert Adair)涉及同性性爱及兄妹乱伦情节的小说，影片以1968年法国学运为背景，讲述乱世之中一女两男之间的微妙而极端的关系。影片还未公映已受到各方瞩目，入选今年的香港电影节后，包括《南华早报》在内的香港媒体都以大幅版面做专题报道。
戏梦巴黎》不但标志着贝托鲁奇宝刀未老，也是1960年代文化在今日的回响。对于贝托鲁奇来说，性爱与政治都并非池中物，理想主义随风飘荡的 1960年代空气才是他想呈现给观众的珠玉。按照他本人的说法，《戏梦巴黎》在今天仍然有现实意义，他希望将1960年代当作一面镜子。
在电影手法上，贝托鲁奇在片中引用了大量经典影片片段，是否出于致敬心态不得而知，但可以肯定的是，你对电影史了解得越多，就能从《戏梦巴黎》中得到越多。换言之，在这一点上，《戏》片与塔伦蒂诺的《杀死比尔》有异曲同工之妙。贝纳多·贝托鲁奇生于意大利帕尔马，年轻时当过诗人，22岁时改行当导演。1970年，《顺从者》(The Conformist)一片为他赢得了国际声誉，1987年的史诗片《末代皇帝》(The Last Emperor)使他成为奥斯卡最佳导演。其他主要影片有《遮蔽的天空》(The Sheltering Sky)、《巴黎最后的探戈》、《偷香》等。贝纳多·贝托鲁奇，在1972年推出了《巴黎最后探戈》，在当时可以说是令人震惊的情色经典。这部由奥斯卡影帝马龙·白兰度主演的电影，1973年在美国上映时引起了轰动。片中大胆出位的表演，在那个还不够开放的年代，立即引起了保守人士的猛烈批评，在许多国家遭到禁映。就艺术成就而言，《巴黎最后的探戈》是一部优秀的文艺片，并非为情色而情色。影片曾入选美国电影学院评选的“百部爱情电影”。不仅如此，影片还带来了一股欧美情色风潮，可以说是上世纪 70年代西方情色电影的开山之作。
◆剧情◆
1968年法国学运前夕，三位年轻人因为对电影的热爱而相遇。马修是来自美国的交换生，在巴黎进修，在那里他结识了一对兄妹席奥与伊沙贝，三人因为都是狂热的电影爱好者，迅速打成一片。学运开始后，政府被迫停止运作，在动荡的五月里，大学罢课，三个年轻人无事可做，在房间里玩起了对台词的游戏，无意间，三人的关系发生了微妙而极端的变化……作为外来者的马修在异乡遇到如此奇特的情事将如何应对？由于影片的三位主角都是狂热影迷，在片中有很多三人聚在一起聊电影的场景，充满了许多文化交流。这使得《戏梦巴黎》成了又一部“给狂热影迷看的电影”，在片中，三人会从卓别林侃到巴斯特·基顿(Buster Keaton)，并模仿戈达尔的《法外之徒》(Bande a part)中同为一女两男的三名主角跑过卢浮宫的场景(或许这是贝托鲁奇在向《法》片致敬)。我们可以看到在玛琳·黛德丽(Marlene Dietrich)的画像旁边放置着毛泽东的画像，而大画家德拉克洛瓦的名作“自由指引人民”被席奥与伊沙贝加上了玛丽莲·梦露(Marilyn Monroe)的脸。喜欢《杀死比尔》的影迷，一定可以在本片中获得同类的观影快感。











流年的飞沫
——关于贝托鲁奇《戏梦巴黎》


TT：

早上听到学校的钟声响，醒了过来。八点钟。——我们学校的报时钟还用的是《东方红》的音乐，八点钟时响倒很应景。昨天晚上要写一个《戏梦巴黎》的影评，可是革命、身体、电影之间的关系剪不断理还乱，胡思乱想到半夜还不能动笔，最后放弃了睡觉去。心里惴惴不安，因为明天要交稿子了——但明天，明天是不是会有一场革命？一次摧毁与放纵？一次秩序的解体，只留下身体与理想的激情？当然八点钟的时候，什么都没有发生。这是一个沉闷的阴天，打开电脑，一切新闻照旧。

我只好接着想我的贝托鲁奇，《戏梦巴黎》的原片名是简单严肃的“梦想者”（THE DAEAMERS），但“戏梦巴黎”这个译名很好，暗合着片子底里的一种享乐主义气氛。

最初的一个镜头是从艾菲尔铁塔的尖顶往下滑，落、落、落在塞纳河边。河水象无数的去日与来日一样流淌，行人笑语而过。革命时期，这是1968年的巴黎。贝托鲁奇为他的回忆找到了一个叙事者，其实，也许是对着这个叙事者叙事（亲爱的TT，正如我要虚构一个你）。这是马修，一个从美国来到巴黎的青年学生，长得有几分象雷奥纳多，但三十年前，马修是质朴而天真的。他用好奇的眼光看待这座城市，但就象看电影时总坐在第一排一样，他是看不到这个城市真正的人和事的。直到他转头，看到伊莎贝拉。

这个女孩子不到二十岁。长得非常美。在传单飞舞、一片混乱的校园里，她把自己铐在铁栅栏上——不是真的铐住，是做出被铐的样子。这是一个POSE，一种另类的审美造型：贝托鲁奇设计的这个形象，是不是有他的隐喻意义？是不是向往着革命，就必须先预设一种“不自由”？伊莎贝尔象是革命的形象大使，美得让人生理兴奋，又有些手足无措。马修跟着她回了家，她是一个著名作家的女儿，一个中产阶级孩子。

革命作为一个引子，很快退出了情节。这幢有着一个图书馆的房子，成了三个人的舞台：马修、席奥与伊莎贝拉。伊莎贝拉的父母度假去了，留下一张支票让他们度日，他们当然是不事生产的，在这个变异的伊甸园里，以电影为凭依，测试着身体与内心的真实程度。

——在这里，TT，我不说他们的测试欲望的、道德的或者自由的底线，是因为在这个让人不安的游戏中，欲望、道德与自由都象是太表面的理由。伊莎贝拉是个真正的个人主义者，她无限地忠实于“自我”，她探询与检测着一个“真实的自我”，并遵循着它的召唤。所以席奥与马修，是伊莎贝拉用以支撑起自我的两根支杖。她可以与温和的渐进的马修做爱，并不在意付出处子之身，但她的内心，与激进的革命的席奥才是孪生子。电影中有一个细节几乎是用来图解这个三角关系的：马修与伊莎贝拉做完爱，去了一趟洗手间，他回到小床边时，席奥躺在伊莎贝拉的身边，依偎着睡了。他叹了口气，在床下躺下。做爱并不意味着，他真正进入了伊莎贝拉的世界，他还是一个客人，一个外人。

而电影在这里起着什么作用呢。贝托鲁奇在影片中嵌入了许多影片，这些影片象是革命的启蒙主义者，以一种虚拟的内在真实，侵蚀着日常意识形态的基座。这三个电影青年以生活模仿戏剧，学习着戈达尔的《法外狂徒》，从卢浮宫呼啸跑过，——他们在破电影中的纪录，同时也在实践着生活的另一面可能性。马修、席奥和伊莎贝拉常常做一个游戏，他们模仿电影中的动作和台词，记不得出处的，就要受到惩罚。这种惩罚象是一个实践的借口，头一回，席奥输了，伊莎贝拉罚它在玛琳．黛德丽的照片前自慰，第二回，伊莎贝拉输了，席奥罚她在他面前与马修做爱。如果没有电影作为中介，这样的游戏就缺少一个艺术性的前提与气氛，这是必备的工具，而参与者在意识与潜意识里达成共识。

但这个小小的伊甸园是脆弱的。伊莎贝拉是个不独立的个人主义者，她时时刻刻需要依赖，她其实是依赖席奥也依赖马修的。当席奥带来一个别的女人时，内心的慌张使她狂乱不能自已，她疯狂地敲席奥的门：这是她的孪生兄弟，或者就是她自己，她极其害怕、不能允许他的离弃。但也许我又把这个情节给“过度阐释”了，在这个极其“文艺”的影片中，还是有一些俗常亲近的感受，这可以算是内心妒忌的痛苦吧。而当马修问伊莎贝尔：“如果你爸妈发现了这一切，怎么办？”伊莎贝尔说：“我自杀。”这也是一个任性而又真实，可以体会的答案。

他们把支票上的钱很快用完了，食物也吃光了。去垃圾堆里又回收了一批，三个人很共产主义地、公平地分食了最后一根香蕉。这幢中产阶级的房子在三个文艺青年的统治下很快肮脏混乱、发出腐烂的气味，微型的小革命进行了摧毁，但并不建设。伊莎贝拉在厅里搭起了土耳其式的流苏小帐，三个人喝了酒，挤在里头睡着了。——明天，明天还需要醒来吗？

父亲和母亲回来了。这是法国式的知识分子，那个父亲长得有点象罗兰巴特，他们没有吵醒孩子们，在烛台下再留下一张支票。伊莎贝拉醒来时，去厨房拿来了煤气管。但他们没有死。革命在这出室内剧就要结束时再度出席，石头打破了窗户。马修与席奥及时被吵醒，伊莎贝拉忙把煤气管拉回厨房。“这是什么味道？”她答：“革命了，这是催泪弹的味道。”

青年们顺理成章地去参加革命了。然后在与军警对峙的关头，分道扬镳。马修非暴力地退出人群，席奥挑起了战斗。音乐响起，梦想结束。

这是贝托鲁奇所叙述的1968，让我们想起那句著名的口号：要做爱，不要做战。这些孩子们在墙上帖着切．格瓦拉与毛泽东，席奥还能朗朗背诵：“革命不是请客吃饭，不是绘画绣花，不是作文章，不是那样雅致、那样从容不迫，革命是暴动，是一个阶级推翻另一个阶级的暴烈的行动。”但是在一个阶级与另一个阶级之间，他们如何自我归类？革命总是一锅大杂烩，无政府主义者，国际造势主义者（L’internationale　situation－niste），托派，毛派，人人在运动中各有立场方向，只有在把“社会”树立为一个共同对立面时，才能把不同理想汇聚在集体行动中。

贝托鲁奇对于这场风暴的态度显然是暧昧的，如果他的自我投射是电影的女主角伊莎贝尔的话，理性与激情对她来说是不平衡的两翼。对于马修的理性，贝托鲁奇有着一种法国式的嘲笑，但对于席奥的激情，他未始没有一种更内在的不信任，却还是在情感上有着深契的认同。在一种极度贫困，非生即死的状态下的革命，是残酷的，但法国的这场五月风暴，却带有某种节庆色彩。对社会秩序的不满，对保守文化的反叛与青春冲动相结合，再从马克思主义中借用来思想高度，拼合出五月的斑斓色彩。当然历史中的每一页都不是单独的，向前可以追溯到工业化的高度发展中潜藏的问题，向后看，这个事件在文化上对法国社会至少产生两个重要与深远的影响。一方面它侵蚀了整个社会的地基，西方理性化社会的两根主要支柱：秩序与进步，不再是不可置疑的起点。另一方面，对既有社会质疑的同时，某种深层的渴望，以不同的形貌酝酿、渗透与扩散，这种对存在的新渴望，突出地表现在“欲望”（desir）这个字广泛地被使用上面。（此处依照摩林（Edgar Morin）的说法，转引自于治中《五月的吊诡——〈法国1968：终结的开始〉中文版序》）

但是贝托鲁奇的这部电影，显得过分浮华，它既缺乏一种对狂欢节的复调气氛的丰富把握，又难以在一个向度进行深入的、真切的、以对象为重的探讨。《戏梦巴黎》的故事情节颇为离经叛道，但是就表述的方式态度而言，却是非常耽溺于享乐的。在一个丰裕的物质与精神环境中，三个演员都长得极好，性爱镜头也极尽美化。如果说影片的内容是一种对资产阶级的意识形态的反动的话，那么影片的形式，体现着一种相当保守的、美化的审美观。从这个意义上说，贝托鲁奇把自己与大岛渚、帕索里尼的差距拉远了，甚至比他自己的《巴黎最后的探戈》退得更后。

摄影流丽，音乐动人，甚至于这个反叛的故事，也因其优美的奇观性可进行愉快的消费，就是这部《戏梦巴黎》了。TT，所以虽然谈了这样多的性与政治，严肃的话题，这部电影却是一部娱乐片，一部相当好看的色情电影。出演女主角伊莎贝拉的伊娃．格林有一点象阿佳尼，身材更为完美，但是那种虽九死其犹未悔的气质，却是除了阿佳尼，别人再难具备的。

终于把这个电影说完了：）。TT，这是下午两点，钟声又响了一回。我是这样的一个历史虚无主义者，任何倚傍着历史的故事，都让我觉得特别难以表述。好在时间终将流逝，飞沫里，每个人的悲欢都是永恒的幻影。

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贝托鲁奇的片子还看过:遮蔽的天空(情陷沙哈拉),巴黎最后的探戈、偷香。

偷香很好看,一个美丽的女孩到意大利找寻自己的生父,各式人等,艺术及艺术家.

情陷沙哈拉看了后大概像吃了迷幻药一样,背景太怪异.

巴黎最后的探戈只感觉到变态,难受.

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还有部:爱我,就跟随我    还没看呢[s:95]

法文名没记,找不到相关的资料,看来这个译名不是主流名字.

lzx234

看台湾综艺节目最不累了～

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喜欢我的跟我来
原片名：Qui m'aime me suive
编剧：比诺 科恩 Benoit Cohen
　　　艾兰诺 布夏 Eleonore Pourriat
导演：比诺 科恩 Benoit Cohen
主 演：艾兰诺 布夏 Eleonore Pourriat
马修 戴米 Mathieu Demy
茱莉 德帕迪约 Julie Depardieu
罗曼 波琳婕 Romane Bohringer
玛伊亚斯 莫库兹 Mathias Mlekuz
法比欧 赞尼 Fabio Zenoni
类 型：喜剧
语 言：法语
时 长：100分钟
国家/地区：法国
年 代：2006  
剧情梗概：
    马歇尔是个外科医生，他今年35岁，事业上小有成就。妻子普洛琳是位知名的律师。人们都很羡慕这个完美的家庭。直到一天，马歇尔遇上一个名叫奇娜的女歌手，两人一见如故，她的歌手唤起了马歇尔少年时代没有实现的梦想：成为一名摇滚歌手。于是他毅然离开医院，组建起自己的乐队，一路上遇到了不少麻烦的事情。虽然重新获得了久违的乐趣和，同时也认识到生活并非他想象的那么简单。
幕后制作：关于导演

    本片的导演非常“恋旧”，而且是个相当固执的人。他习惯于与经常合作的演员工作，在这部《喜欢我的跟我来》里，几个主要演员中只有茱莉·德帕迪约是首次出现在科恩的影片里。在2003年与剧作家艾莱诺·普里埃特合作了大获成功的《带大我们的孩子》后，科恩非常留恋这个片子的演员阵容，这次他把大家重新召集回来。但是并没有延续当初之前的故事，而是另外创作了一个全新的剧本。

关于演员

    在本片拍摄期间，法国评论界即开始热烈讨论两部影片会有多大程度的相似，因为科恩的几员爱将，包括编剧艾莱诺·普里埃特，演员马修·戴米等等将悉数出现在本片中，常居幕后的普里埃特也将粉墨登场，饰演一个重要角色。此外，在片中饰演马克西姆一家最亲密朋友的罗曼妮·贝林格也是《带大我们的孩子》中的一员，这次与科恩是二度合作。

关于影片

    本片的片名最初是《嗨啊，乌拉》，来源于俄国大文豪契诃夫的一部短篇小说。本片的创作就是从这位伟大的作家那里汲取了不少灵感，导演科恩和普里埃特希望表现在正常的生活状态下隐藏的巨大和人性冲突，同时能以紧张流畅的剧情和高品味打动观众。











马歇尔是个外科医生，他今年35岁，事业上小有成就。妻子普洛琳是位知名的律师。人们都很羡慕这个完美的家庭。直到一天，马歇尔遇上一个名叫奇娜的女歌手，两人一见如故，她的歌手唤起了马歇尔少年时代没有实现的梦想：成为一名摇滚歌手。于是他毅然离开医院，组建起自己的乐队，一路上遇到了不少麻烦的事情。虽然重新获得了久违的乐趣和激情，同时也认识到生活并非他想象的那么简单。

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这是大鼻子情圣杰拉德.德帕迪约的女儿茱莉 德帕迪约,有点像哦[s:14]

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片图.......

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支持下LZ

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法国中尉的女人 The French Lieutenant's Woman (1981)

萨拉出身贫寒，她受过教育，爱好绘画，但她的社会地位不允许她施展她的艺术才华，也不允许她有爱和思考的自由。像她这种地位的女人，要么嫁给农夫生儿育女，要么流落大城市当妓女。萨拉抗拒命运的安排，爱过一个遭遇海难的法国中尉，但当她发现那个中尉不值得她爱时又毅然断绝了与他的来往。她只身来到莱姆镇，孤傲沉默的她经常一个人呆呆地凝视着大海。然而，在这个封建保守的村镇里，人们都以为她还在想念那个抛弃了她的风流法国佬，并因此轻蔑地称她为“法国中尉的女人”。



故事发生在一百多年前的维多利亚时代，一位爱好地质考察的年轻绅士查尔斯从伦敦来到莱姆镇，在这里结识了一个叫萨拉的女人。

出身贫寒的萨拉曾爱过一个遭遇海难的法国中尉。所以，当孤傲沉默的萨拉经常一个人凝视大海时，村镇里的人们都以为她还在想念那个风流的法国中尉，并因此轻蔑地称她为“法国中尉的女人”。好心的牧师给萨拉介绍了一份工作，在布鲁特尼夫人家担任随从。萨拉的命运引起了查尔斯的同情，他决心帮助萨拉摆脱目前的处境。

查尔斯的出现让性格奇特且对人世绝望的萨拉无法掩饰内心的激动，就在查尔斯劝说萨拉前往埃克塞特后，两人情不自禁地坠入爱河。但好事多磨两个相爱的人却并没有走到一起。经过三年时间艰难地寻找，查尔斯终于和萨拉重逢，两颗痛苦而滚烫的心在灿烂的阳光下拥抱在一起。



故事讲述演员麦克和安娜饰演一对维多利亚时代命运多变的情侣，将一段一个英国女人与法国中尉的轰烈爱情搬上银幕，内心的热情与表面的桎梏，会使两人相爱，同时亦容易分离。

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THE SHINING

　　假如你喜欢纯粹的恐怖片，喜欢悬疑、暴力加血腥场面，那么我推荐你看这部灵通片。导演是大名鼎鼎的库布里克。

　　“The Shining”，在英语里做通灵讲。此片摄于1980年。



　　我对于许多无法解释的怪异现象持半信半疑的态度。目前人类的科学我相信对于许多怪异也无能为力，所以我们尽量避开一切类似的话题以节约我有限的“此在”时间。

　　恐怖电影是电影中的一个显要的种类，但我不喜欢，我们全家也都不喜欢。中国大陆是唯物主义当家，该方面向来并不发达。香港电影一国两制不受限制，鬼怪电影是他们的一大特色。西方国家也乐此不疲。

　　作为一个类别，并且《闪灵》的男主角是我所信赖的尼克尔森，导演是大名鼎鼎的库布里克，朋友又说非常喜欢，所以准备观摩一遍。我儿子一般比较喜欢想象力丰富的影片，所以我把他从楼上的游戏机那里叫了下来和我一同观看。

　　一开头就较失望，节奏出乎寻常地慢。即便放在普通的艺术规范下也已经是大忌，就看在宾馆经理室面试尼克尔森的一场，什么吸引人的东西也没有，就是平常对话，持续了七八分钟。天哪，导演你还想要票房吗？也许为了保持节奏上的一致，从头到尾的节奏都是一个节拍：那叫慢！后面的慢有些道理，因为已经开始有恐怖效果的，反正只要观众被笼罩在气氛下是感觉不到慢的，只会加深恐惧，慢意味着为投资人节省经费。

　　要说恐怖，是真达到效果了。看到一半我儿子就滚在我怀里惊呼：妈，让我钻进你肚子里吧。等我把儿子推在一边他就坚持一定要关机。我要坚持看完，他大骂不止，最后用书把自己的眼睛挡了起来。这时候外面一片漆黑，我们头顶上的灯泡闪着火花一会明一会暗，电线接触不良的恰是时候，增加了不少效果。儿子连续两天要求和我睡在一起，并且第一晚他因为噩梦据说睡得很不愉快。

　　我是个现实主义者，凡是“没用”的东西我都不喜欢。恐怖片基本上是被我列入废物不看的。其他种类的影片可以是知识的、情操熏陶的、思想哲学的、历史与文学的，但恐怖片的中心思想只有一个：吓人。我心脏不好，讨厌被人惊吓。并且对于我来说它是一种浪费。按照通常标准计算，我余生的时间不过是几千天，一部吓人片，并且节奏超常巨慢，对我无疑是双重的冒犯。当然，恐怖片还是有一个好处的，可以让情侣借机团结紧张一番。

　　以上是我的个人偏好，然后我们来看看社会是怎么评价恐怖片的。

　　你听说过怪异恐怖片获得过公认的世界大奖吗？没有。这个答案已经足够。恐怖片向来在边缘。假如谁想用《人鬼情未了》来反驳，那么我告诉你：这个片子不恐怖，它是一部典型的爱情片，有普世的价值在里面。

　　最好吃的水果在味道上有个比较普遍的标准：酸而甜，缺一不可。太甜，腻；太酸，寡。假如我把恐怖片中的主要元素比喻为尖酸倒牙的东西，那么人文价值的元素就是甜。《人鬼情未了》为什么被大家认为酸甜可口，道理就在这里。而《闪灵》只是寡酸。我们发现一个事实，那就是：得以广泛流传的志怪作品全部都是味呈酸甜。寡酸的必将被历史淘汰，并且已经被历史淘汰。

　　除了节奏慢、主题寡酸这些大毛病外，客观地说《闪灵》的制作还是比较精良的。假如你喜欢纯粹的恐怖片，喜欢悬疑、暴力加血腥场面，并且你有大块的时间，那么我推荐你看《闪灵》。

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其实，我最先想到的词是“乡愿”。但仔细一想，“乡愿”这词太恶毒了，《父辈旗帜》（Flags of our Fathers）虽然迷糊，但也没到“伪善”的地步。所以，还是“中庸”合适些。



表面上看来，无论是“中庸”，还是“乡愿”，都有些“老好人”的意思。所谓“老好人”，就是大家都认为是好人的人。映射到电影观感上来，本片就非常像那种所有人都会认为是好电影的电影。


首先，反向思维的话，本片想拍得很差都比较难。有“历老弥坚”的老牛仔（克林特伊斯特伍德）掌控全局，有“大片保证”的斯皮尔伯格做监制，有以精良著称的保罗哈吉斯完善剧本，有一众虽然算不上一线但个顶个好质素的演员垫底，题材又是近年望眼欲穿的战争片，听听都令人心潮澎湃，激动万分。


再联想到老克在最近几部作品中，所表现出来的返璞归真一般的克制与内敛，不由得更增添了人们的期待。因为老克这种后来的风格，正是电影语言趋于大成的标志，仿佛武林高手最终都会精华内敛一般，摆在老克面前的，似乎只剩下得道飞升一条发展的道路了。


不知是不是觉得那样“高处不胜寒”，老克“决定”暂时不提升自己，来留恋一下凡尘。可是，留恋也不一定非得降低水平啊，难道想返老还童、从头再来过不成？


说到这里，同学们可能会纳闷了：既然前面说到本片很难拍得很差，如今怎么又是“水平降低”了呢？


这得看和什么比了。与一般的战争电影比，《父辈旗帜》具备足够多的优点。自《拯救大兵瑞恩》和《细细的红线》之后，好莱坞的战争片就缺乏一个独特的视角，因此每每不是言过其实，就是敷衍了事，没有一个令人印象深刻的。


相对而言，本片的战争切入角度大有搞头。如果说“大兵”是对个体生命价值的审视，“红线”是对生存本体的思考，那么“旗帜”就是对英雄观的重构。不能否认，“英雄意识”与“英雄情结”是战争片的核心要素之一，即使那些声明自己不是英雄的主角们——如“大兵”中的米勒上尉——也会被观众心理认同为英雄。但是《父辈旗帜》当中没有英雄，不仅片中角色们宣称自己不是英雄，编导也不是将他们以英雄为目标来描绘的，看完之后观众心里也不会以英雄来认同。


简而言之，本片想将人们通常想象中的战斗英雄，还原成普通的人，并顺带通过这种英雄观的重构，让观众更加真实地了解战争。想比“大兵”的真实、“红线”的哲理，“旗帜”的这种角度显得更为“平和”。这无疑是与伊斯特伍德近作心态一脉相承的。角度平和了，才能更真实的体验与发现。影片中的三位主人公，因为一张照片著名了就凑巧成为“英雄”，这给他们带来了不少的压力，但为了赢得战争，他们还得顶着压力，继续承受这“英雄”的称号。


普通人没有当过英雄，自然对英雄的头衔垂涎不已。这就好比大家都无法长生，所以总是幻想不老一样。其实，有些很有光环的事情，真正轮到自己头上，未必就是很幸福的。如果当事人是自律性和正义感特强的（就是美国人常说的特有integrity的人），就会更在意荣誉的真实性，就像王菲歌里唱的，“不是我的我不要”——反过来——要了就会很不爽。剧中的三位主角都不同程度地表现出这一点。再考虑到这种“英雄”的头衔是由政府不顾事实强加的，而且此后的作为又是完全和战场英雄无关的、充满铜臭气的行为，更加让人感到所谓“英雄”，以及英雄背后的所谓“战争”，都有些荒谬而不真实起来。


应当说，电影在这个切入点上还是演绎得不错的。三位男主角在这一点上的表现也很有层次感，这就更加增添人性的复杂来。不过，这样的视角，也会使影片带上走向片面。因为在真实的战场上，还是有真实的英雄们存在的。美国本土上那些风光却虚幻的英雄形象，并不代表太平洋的“一窝鸡毛”（Iwo Jima）岛上的英雄们就湮没于历史了。


虽然约七成的电影篇幅是描述三位男主角在大后方的经历，另外三成镜头中还是给予战场上美国士兵们很正面的描写。和《拯救大兵瑞恩》一样，本片的战斗场景也多是用手提摄像机拍摄，带给人无比真实的临场感。同时，音效方面也一改近年来战争片的疲软状态，变得异常生猛。从影片揭幕大约15分钟开始，有一场规模宏大的抢滩登陆战，历时大约一刻钟。伊斯特伍德凭这一刻钟，终于能让斯皮尔伯格的“大兵”不再专美于前。虽然在调度复杂性上没有超越后者的抢滩戏，在场面惨烈和音响的动态凌厉方面则不妨多让。抱着《大兵》DVD吃了多年老本的音响发烧友们，终于可以有新鲜片段来炫耀自己的家庭影院了。


在对鬼子士兵的描写方面，老克倒没有我想象中的那么“乡愿”——片中对鬼子描写并不多，其实算很少的，因为根本没有一个在镜头前持续一分钟的突出人物，要么是一出场就躺在地上装死尸的龙套，要么就是出来几秒就给枪毙或炸死从而殊途同归装死尸，还是龙套。按照新闻，老克是比较同情“一窝鸡毛”攻坚战中的鬼子士兵的，要不，他也不会同时执导反映鬼子视角的《一窝鸡毛的来信》（Letters from Iwo Jima，简称《鸡毛信》）。根据历史记录，紧紧夹着“一窝鸡毛”的日本鬼子，当年的确是蛮疯狂的：战死12000多人，绝少有投降的。也许，在老克眼里，这就是勇敢了；浑不知小鬼子们热爱走火入魔的“武士道”，战死对于他们来说，还是件很光荣而值得追求的事呢。老克没有对此大加描写、或者至少给出一两点暗示，都是出乎俺的意料的。或者他想留着这些素材，放到《鸡毛信》里集中展示？


事实上，除了对待日本人的态度外，片中还揉进了其他更复杂的剧情元素，例如种族歧视。可惜这个元素，在个人看来，有些唐突了，或者说至少没法激起应有的反映。由此，可以展开俺对该片的不满了。


俺说本片中庸，很大一个原因，是因为该片企图很大，太大，乃至超过了一个精炼的故事所应包括的内涵。过大企图的一个表现，就是同时照顾前线与后方两大主线。正如前文所言，这样做的好处是能从正反两方面揭示“英雄”的真正含义，但是，坏处——或者更应该说“风险”——是有可能两边都没法充分表现。最明显的，是战场英雄这一块，表现时间非常紧缺，人物又多，时空切换的剪辑又增添了理解的难度，以至于观众最终没记住几个面孔。俺个人虽然记住了“麦克”这个角色，那也是出于《拯救大兵瑞恩》中由该演员饰演的神奇狙击手的怀念，至于这哥们在本片中的形象与事迹，说实话我真是想不起来了。由于战地形象的模糊，“真心英雄”的形象就难树立起来。而在后方“英雄秀”方面，所谓“出于正义感的内疚”以至由此引发的“酗酒麻醉后遗症”，在观众们的视听经历中已是屡见不鲜了，都快成好莱坞表现这一主题的教材版本了，你说能不滥俗吗？


如此一来，正面的英雄大家没印象，消极的英雄大家又审美疲劳，加起来老克在这部片里等于没说明啥子才是英雄。是的，是的，影片的结尾，的确是用总结式的独白，道出了“英雄士兵”们该是如何模样——对不起，老克——大家早八百年就知道了应该这样，您老人家并没有给予我们任何感兴趣的新东东，很不厚道哟~~


题材内容上的失望也就罢了，毕竟老克第一次搞这么大的动静，每天焦头烂额的也不容易，掌控有所不力，也是能够理解的。但是，以老在再前几部作品中表现出来的炉火纯青的电影技法，居然将本片拍成了一部没有嚼头的温吞水，实在令人太遗憾了。


记得俺还曾用“素面朝天美人骨”形容过《百万宝贝》（Million Dollar Baby），意思是说老克的手法看似不饰雕琢，实则精华内敛，细细品味自会发现一片绝妙乾坤。于是，我期待着能在本片中领略到更完满的境界；盼望着，盼望着，老克来了，却带来了肤浅和庸俗，令人大跌眼镜。其实，老克根本不用花这么多笔墨，来描写那个印第安小伙的愧疚状态，大家都是聪明人，用少数几个克制却精炼的镜头能传达的东西，何必那么连篇累牍得胡煽情呢？不止是这，片中的战友情、母子情以及种族歧视、政客嘴脸等等，都可以用更含蓄的方式表达。像目前这样搞得这么明显，一来失去了品味的价值，二来也让影片看起来很廉价，随便捉个导演都能表现，哪里能体现出老牛仔那干净利落、沉稳自然的风骨啊？


以老克的实力，完全能将本片的内容铸就成为新一部战争经典，并以自身独特的风格，和《拯救大兵瑞恩》、《细细的红线》形成三足鼎立的局面。相对于能力不足的无法企及，老克目前造成的遗憾更令人扼腕。如果可能，我宁愿老克多拍十部《百万宝贝》，也不愿看到他再砸一部《父辈旗帜》。克兮，归来！

[ 本帖最后由 schiff 于 2007-1-30 14:10 编辑 ]

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剧情简介:
为了解开神秘的石柱突然屹立于地面并攻击人的秘密，原子动力太空般帝斯卡巴里号出发飞往距离八亿公里远的木星。此宇宙飞船的成员包括波曼船长、布鲁飞行员及三个在圆筒内冬眠的队员等五人。途中电脑HAL发生错乱，破坏了冬眠装置，布鲁被诱出船外，于黑暗的太空中被杀，波曼船长则被困在母船中，与之展开生死格斗，结果人类终于获胜。
　　不久宇宙飞船在进入木星的轨道后，因船长发现某地有与月球上的石柱一模一样的东西，就驶向它，却发生意外。当他醒来时，看见自已正和宇宙飞船在路易十六的寝室中。超越时间与空间，所有的一切东西都消失于白光之中后，飘浮在太空上的绿色地球，由一胎儿看守着，此胎儿正是波曼转世而成的，正继续等待着自己出生的日子。
　　这部内容以不远的未来为背景，在广阔的宇宙空间中，人类将面对不可思议之事。本巨作广集特殊摄影技巧与精华画面感觉拍摄而成，可谓是空前绝后。