看片杂记

老军营

爪印

诗家谷

这是一部没有配乐的电影，灰暗，忧伤。但是克里丝蒂安·蒙吉通过自己擅长的静止镜头的运用，用一种简单的丰富感平衡了那些残酷的事实，从而使整部影片显得敏锐而紧张。尤其值得一提的是安娜玛丽亚·玛琳卡在片中的表演，她将是一个前景非常看好的演员。——Hollywood Reporter完美的定调，杰出的表演。毫无疑问，《四月三周两天》是一部令人震撼的作品。在一种纯粹而诚实的基调下，它不仅很好的叙述了“非法堕胎” 这个影片故事的核心，更是将那些身处前苏联最后统治时期地区的人们为了生存而进行的斗争与妥协清晰的表达出来。——《综艺》这部影片与入围戛纳电影节的严肃作品有着一致的内核——真实展现每一个镜头，不管多么漫长也绝不剪切。——《时代》这是一部能让人铭刻于心的电影，与故事的真实背景十分相似。那些不经剪切的长镜头像一把钳子将你牢牢夹住。在这一届戛纳电影节的舞台上，由《四月三周两天》摘得金棕榈大奖实属众望所归。——LA weekly

诗家谷

............有些电影画面会萦绕脑海，久久不能散去。在伊朗大导演巴曼戈巴第的最新巨作「会飞的海龟」里面，一名失去双手的小男孩，沿着地面匍匐前进，小心却也不专业地用嘴巴挖出一枚地雷。在这部关于战火下的儿童的电影里，还有许多其它难以抹灭的画面。而在哥巴帝的戏剧中，更无时无刻不充满令人心痛的深刻画面。「会飞的海龟」反映出不管政权如何转变，都无法帮助被遗弃的小孩及失去国家的文化从每日生活挣扎里面解放，甚至他们内心深处的阴影，也不断随着他们的悲惨遭遇而扩大。这部号称是后海珊时代的伊朗的第一部电影，更加证明巴曼戈巴第的伟大艺术成就。当巴曼戈巴第在导演「会飞的海龟」的水下镜头时，刚好看到一只乌龟用瘦小的腿，背负着沉重的壳，很平顺、不费力地从眼前爬过，让他联想到他的库德族同胞身上所背负的世代以来的流离迁徙与种族屠杀，就如同龟壳一般紧黏住库德族人。............

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"诗家谷"兄推荐的两部片都挺对我口味,[s:21] [s:21]

什么时候买来看下.[s:97]

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还是有点晦涩的,要讲的东西好像很多.
尤其中国人对西方宗教的虔诚不太可能感同身受.自然会感觉其有些做作.


第七封印

▲前言▲
十四世纪中叶，一场延续百年之久的疠疾黑死病，在欧洲快速漫延，随时夺走人命，而且不知何时会停。这死亡不时出现在四周，又不知道何时会临到自己身上的长期性威胁与恐惧，使当时的欧洲，整整百年是处在「世纪末」的氛围里。在这百年世纪末中，整整一百年弥漫著「世界即将终结」的预言，颓废、堕落、残忍、忧郁、禁欲、狂野、偎亵、神秘、邪恶、虔诚，奇怪的组合在一起。而不同的人，在这世纪末黑暗中，也有不同的处世之道。

　　这正是柏格曼电影「第七封庸要探讨的内容。柏格曼将死亡拟人化成死神，透过死神追逐网罗人们，让不同的人与死神相遇、或被死神追逐时，各自呈现出不同的态度。这些人变成为世间人的「典型」，把身为观众的你、我圈进去。

　　因此，「第七封庸这部电影交融著真实面相、与抽象形而上的内涵。这正是它超脱了地域色彩，成为国际经典作品，并可以被世界各地广泛讨论的原因。

　　我们现在就来分析不同的人面对世纪末死亡的不同态度。或者读者可以从这些人当中找到自己。

　　▲理想主义者 V.S.犬儒主义者▲
电影中有一个武士布洛克、与他的随从雄士。这两个人一路同行，但是却有完全不同的性格。

　　武士布洛克是个理想主义者，他当年参与十字军东征，正是宗教热诚结合了理想主义之后的行动，未料最后彻底发现是场政治骗局，幻灭而归。回到自己生长之地的沿路，又发现处处死亡浮现，不晓得自己何时也成为死神的俘虏。

　　一个理想主义者、又面临理想幻灭，在碰到死神，会是怎样的态度呢？布洛克充满不甘心，他要为自己争取时间，因此他跟死神提议下棋，只要他没输，死神就不能带他走。「我要利用这个缓期，最一件有意义的事。」在一个教堂中，布洛克跟教士（那教士其实是死神伪装的）有一场对话....「虚空像一面镜子，映出我自己。我在里面看见自己，只觉得又恐惧又憎恶。...难道人绝对无法认识上帝吗？为什么他要把自己掩藏在含含糊糊的诺言和看不见的神迹中呢？...连自己都不信任自己，又如何去信任别的有信仰的人呢？我们之中，愿意相信却又无法相信的人将来会如何呢？还有，那些既不愿相信也无法相信的人，他们的命运又将如何呢？....我要的不是假定，而是知识。我要上帝向我伸出手来显示他他自己，对我说话。」布洛克对生命认真到充满重负。与布洛克作对比的，就是随从雄士。他一样经历十字军的幻灭，但他选择了玩世不恭的犬儒主义。

　　当布洛克跟死神装扮的教士对谈时，雄士正在教堂跟画教堂壁画的画家聊天：「我们在圣地一待十年，忍受毒蛇猛兽的袭击、蚊呐叮咬，还有异教徒的残害。那里的酒把我们灌的烂醉，女人把虱子传给我们，虫子几乎把我们吞噬了，热病肆虐我们的身心，这些都是为了什么？还不是为了荣耀我们的上帝。我们这个所谓的十字军简直是彻底的疯狂，只有理想主义到极致的人才会想的出来....。」然后雄士画了个小人代表自己：「这位就是侍从雄士，他对死神扮鬼脸，取笑上帝、嘲弄自己，又挑逗妇女，他的世界就是雄士世界。这世界对谁都是可笑的，包括他自己，天堂毫无意义，地狱全不相干。」在另一处，他嘲讽自己：「我的肠胃就是我的世界，我的脑袋就是我的永生，我的双手是两个呱呱叫的太阳，我的两腿是时间的钟摆，我的一双臭脚就是我哲学的起点。天下事样样都跟打一个饱嗝似的，只不过打嗝更痛快些。」当布洛克和雄士返家沿途，布洛克低头想心事烦恼不堪，雄士却不停的唱歌。

　　「婊子两腿中间躺，这种日子真要得。」雄士必须问路时，从背后无从判断，以为是熟睡，后来却发现问到的是个死人，但他却蛮不在乎。

　　布洛克问：「那人给你指路了吗？」雄士：「他什么也没说。」布洛克：「他是哑巴？」雄士：「那倒不是。其实他还挺有口才的，只可惜说出来的话太叫人丧气！」然后又开始唱：「这一秒钟你尽管兴高采烈，下一秒钟你就与蛆虫为伍。命运真是可恶的家伙，老兄你就是他的牺牲品。」布洛克忍不住动怒：「你非唱不可？」雄士说：「是的。」这就是雄士的态度，犬儒、玩世不恭的迎接所有的命运荒谬。

　　雄士偶而会显出侠义心肠，但是未必是因著什么深沈的道德理由。

　　譬如去一个村庄打水时，他偶然的救了差点被神学生拉发强暴的女子。但是事后，他也曾有过想强暴女子的念头，只是女子不肯被吻，他顿时失去兴趣。他说：「我本来可以轻而易举强暴你，但是，老实告诉你，我现在对这一套一点胃口都没有，这种玩意儿，到头来总是索然无味。...对啦，我需要一个女管家，....就我所知，我是个有妇之夫，可是我太太十之八九是死了，所以我得找个管家....。」就这样，他基于犬儒玩世不恭的心地，带走了一个家人全因黑死病而死、心灵受苦的姑娘。

　　▲伪善投机者 V.S.混噩度日者▲
在世纪末死亡浩劫中，还有另一种对比，就是善用机会欺骗图利的伪善者，与混噩度日者。

　　前者，讽刺的以神学院毕业的博士拉发为代表。

　　当拉发出现时，正在村庄四处打劫，剥除死人身上的首饰好拿去卖。结果被一个女人发现了。

　　拉发说：「我偷死人的东西，不错，这年头还是笔不坏的生意哩！」拉发想欺负那女人，说：「别叫。现在没人听的见你。上帝也听不见，人也听不见。」拉发没有想到，雄士躲在门后。

　　雄士说：「我认得你，好久不见了....你就是十年前劝我们加入十字军的人！....现在你更聪明了，索性做起贼来了！」拉发完全没有理想、没有信仰、没有道德、没有诚实，但是他却以其伪善搧动有理想的人去追逐一场欺骗，使他们历经沧桑理想幻灭回来。

　　混噩度日的人，则是只要还活著，就吃吃喝喝、为琐事劳烦，边传说著种种与黑死病有关的消息，从不多想远一点。

　　这种混噩，柏格曼透过铁匠普洛、铁匠的妻子、和戏子史卡的三角闹剧表现出来。

　　史卡正等著演一出「不贞的妇人、善妒的丈夫、英俊的情人」，在后场等候时，竟然戏中剧情跑到现实生活中来。有一个铁匠的老婆出来勾引他。于是在现实生活中暂时演出一场搞笑的三角恋情闹刽整个过程因著女人的情感造作、铁匠的老实妒忌、史卡的戏子人生态度，和雄士看透一切、犬儒、玩世不恭的随时注解，彻底显出其愚蠢、庸俗、浑浑噩噩的一面。

　　混噩之人也没什么特别的，迟早会与死神相遇。

　　铁匠与死神相遇时说：「我是个铁匠，自认手艺还不错呢！这是我太太丽莎....她有时爱耍脾气，我们刚闹了点小别扭，不过跟别人比起来，倒也差不到哪里去....。」史卡则是在怕被铁匠追杀，便使出戏子演戏天分装死以逃脱后，竟然真的碰到死神。

　　他对死神说：「我还有戏要演。」死神：「合同取消了！因为你要死了！」「但是我还有家有孩子。」死神：「那你更无耻了。」史卡：「没有变通的法子吗？没有特别优待吗？」......。

　　有趣的是，史卡曾抢著扮演死神。他对同行人约夫说：「你是个笨蛋！你只能扮演『人的灵魂』。」，然后抢走戏份最重的主角角色：死神，拿死神面具罩在脸上，学死神说：「你的时候马上到了！」结果这出戏对他沈思生命一点帮助都没有。

　　这就是混噩度日的人，直到死亡之刻，才稍稍作一点肤浅的、无济于事的生命反剩所以死神对布洛克说：「多半的人活著，从来也不考虑死亡以及生命徒劳这类问题。」

▲受苦者与承担罪责者▲
我们说伯格曼电影中，往往有很强的抽象、形而上的思考，这最明显的出现在「第七封庸中受苦女子与诬指为女巫的代罪羔羊两个角色上。

　　因全家死于黑死病而受苦的女子，别无依靠的，只好沿路跟著随从雄士。他们一行人夜行，碰到要受火刑的女巫。所谓的女巫其实只有十四岁，被诬指为「跟魔鬼通奸」，「大家都相信她就是引起这场瘟疫的祸首。」很显然的，这被控女巫的，以无罪之身承负罪责，要像钉十字架一般受火刑而死。受尽严刑拷打的磨难后，这可怜的少女已经被说服她就是罪魁祸首。

　　武士布洛克问她：「人家说你跟魔鬼有勾结。」少女说：「魔鬼随时随刻跟著我。」少女要武士看她的眼睛：「你看见魔鬼了吗？」布洛克答：「不，我只看见惊惧。」以无罪之身承受罪责的荒谬，引发布洛克不断提出义人受苦的问题：「到底是谁在照管这个女孩子？」他为少女呼喊，就像耶稣在十字架上呼喊：「我的神我的神你为什么离弃我？」当少女死时，像十字架一般的木梯底下，那因家人全死受苦的女子，是唯一凝望伴随到终了的人，两女子面对面心心相樱这场景，柏格曼显然是刻意要安排的有宗教象徵意涵。

　　电影终了，受苦女子遇见死神时，整场电影中几乎没被安排任何对白的她，说出了耶稣在十字架上临终前的话：「It is finished！」透过受苦者与承担罪责者，「第七封庸将大地无法负荷的死亡咒诅，跟苦罪结合成紧密的宗教意象，一如圣经所说，因罪恶，苦难与死亡进入了世界，以致于无罪者（就是上帝自己）必须上十字架承负苦刑，以消解掉苦难与死亡在人生命中的永恒性咒诅，让死亡之后不再是虚无。

　　▲日子天天都无比的好▲
最后，我们要来看一对夫妇约夫、米亚和他们的孩子。这对夫妇从头到尾贯穿整场电影，在他们身上，柏格曼放了最多的与布洛克的对比，他们也是最让布洛克感动、并让布洛克决定营救他们脱离死神的人物，此外，他们是唯一脱离死神掌握的人物，是布洛克跟死神拉锯战拖延死亡，最后终于寻找到的「作一件有意义的事。」这对夫妇到底有什么特点呢？我们现在就来分析一下：一、日子天天都无比的好约夫、米亚和所有人一样，活在弥漫死亡气息的世纪末中，但是约夫、米亚和一般人、或当时的教会界面对的态度很不一样。

　　当时的教会界面对的方式是不停的叫人专注死亡。

　　雄士在教会碰到的壁画画匠就是最明显的例子。画匠正在画死神之舞，死神要带其他人步向死亡。

　　雄士问：「你为什么要画这么无聊的东西？」画匠说：「提醒大家人人都不免一死。」雄士：「这样不是让人更难过了吗？」画匠说：「偶而吓一次也不错....，这样他们就会思索。」雄士问到关键：「思索以后呢？」画匠想一想，有点回答的勉强：「思索以后，他们就更怕....反正我总得混口饭吃，至少在没有得到瘟疫以前，总得活下去。」画匠又指著画中某个角落说：「最叫人吃惊的，是这些可怜虫觉得上帝在惩罚他们，成群结队自称罪奴，长途跋涉，边走边鞭打自己，以为这样可以荣耀上帝。」当约夫、米亚正在演戏制造欢乐中途，突然被一群吵杂、哀嚎尖叫的声音打断，欢乐气氛顿时转为安静恐惧悸怖，原来正是碰见画匠所说的那种长途跋涉的队伍。

　　这群人中前头是教士（多明尼加派）他们有背十架受难像的、有扛沈重棺材的、有挑圣徒遗物的，后面则跟著一长串男女老少，手上拿著鞭子，不断抽打自己、或互相抽打，边因痛苦而呼号惨叫。

　　教士们停下，对看戏的人说：「上帝审判我们，你们却自鸣得意？....今天也许就是你的末日！今天也许你就会倒下！你们这些蠢蛋！....。」这群队伍完全毁掉了所有的欢乐，人群都跪了下来，口里喃喃念著祷词 ....，当他们再出发时，便有新成员加入自我鞭打的行列，开始长途跋涉。

　　这几幕，充分把生者面对世纪末，彻底将自己埋葬进死亡阴影中、自我惩罚的生命态度表露无遗。

　　相较之下，约夫米亚就充分享受了生命的欢愉。

　　当布洛克正在专注于棋局思考时，他被米亚和婴儿的游戏、快乐的欢笑深深吸引住了。他们有一番谈话。

　　「你看起来很不快乐。」米亚说。

　　「对。」「你疲倦了吗？」「是的。」「我....觉得自己很无趣。」米亚说：「我懂了！」布洛克怀疑：「你真的懂吗？」「是的，我很明白，我也常问自己，为什么人都爱折磨自己，你说是吗？」而后，约夫回来，布洛克看著他们夫妇间孩子气的亲匿对话，温馨、欢快、充满爱意的互相抚慰，约夫把头靠在米亚肩上，叹了口气。

　　约夫说起刚刚被欺负的过程：「我很害怕，很生气，像狮子一样的吼叫。」米亚问：「他们害怕了没有？」约夫：「没有，他们只是大笑。」布洛克看到这对夫妇的欢乐、赤子之心、情爱，开始由衷期望这对夫妇能躲过黑死并浩劫，好好活下去。正因此，在武士心中升起「终于找到了一件有意义的事」的想法，就是拯救这对夫妇，保护他们，让他们躲过死神。

　　约夫米亚随即邀布洛克同进晚餐，这幕场景，充满了「最后晚餐」──一场爱筵的意象。

　　米亚说：「这样真好！」布洛克答：「只是暂时这么好。」米亚提出她不同的生命观照：「几乎永远这么好。今天跟明天一样好。夏天当然比冬天好，因为夏天不怕冻，可是最好的是春天。」约夫于是去拿琴，想唱首他自创的关于春天的歌。原来约夫也爱作歌谱词，只是都以歌颂生命为主，不像雄士，充满讥讽嘲弄玩世不恭。雄士原本兴致盎然想对比彼此的创作，被武士一瞪，便说：「我现在好像不宜唱我的歌，会让人难受。」当约夫谈唱时，布洛克说：「信仰真是一种刑罚，就像你爱一个人，而那个人总躲在暗处，任你怎么叫唤，他就是不出来。」米亚完全听不懂：「我不懂你的意思。」布洛克：「我跟你夫妇坐在一起时，所说的一切好像都毫无意义而虚幻，顷刻间，一切都变得毫不重要。」布洛克像分享爱筵一般，小心的捧起碗，喝了几口牛奶，然后说：「我会永远记住这一刻，这份宁静、这份霞光、这碗草莓和牛奶....我会珍惜这份记忆。这些就是足够的启示了！这些就足够了！」布洛克从这对单纯的夫妇中间，看到不可言喻的生命的喜悦，对生命的珍爱与信赖。那是他在死亡虚无中，看到的启示。这个复杂的人，竟然从最简单孩子般的人身上，看到他寻找呐喊呼唤寻找已久的启示！

　　▲信仰可以如此简单▲
约夫有一个惊人的特点，就是很容易看见「幻象」。

　　约夫第一次出现于剧中时，正是布洛克与雄士两匹马经过他们沈睡的篷车时，这人物的同时出现于一景、却交错而过不曾相识，正是柏格曼将在电影中处理两种人物的对比的预告。

　　两骑士经过以后，约夫睡醒，从篷车上下来，跟马说说话：「....这一带的人，好像不怎么喜欢看戏法似的。」他把变戏法的球拿在手里，慢慢扔著，然后又突然倒立....忽然，他脸上现出惊奇，眼里含著泪水，因为他看见圣母马利亚带著小耶稣在草地上散步。

　　每一次约夫看见的幻象，都跟信仰有关，对他而言，信仰是再简单不过的事。这跟骑士布洛克「信仰真是一种刑罚，就像你爱一个人，而那个人总躲在暗处，任你怎么叫唤，他就是不出来。」简直是天壤之别。

　　柏格曼也透过这对夫妇与孩子的名字暗指信仰：约夫─约瑟夫，米亚─马利亚，米雪─弥赛亚。

　　因此有很多对白都暗藏意义。

　　譬如米亚跟约夫说：「我希望米雪将来日子过的比我们好。」约夫：「米雪将来长大了要作一个杰出的科技家或魔术师，他会耍一个稀奇的把戏。」「什么把戏？」「他可以叫一个圆球在空中静止不动。」米亚：「那是不可能的。」约夫：「对我们不可能，对他（弥赛亚）却不然。」约夫除了擅长看见幻象，还是个喜欢谱曲写歌的人。只是他的歌跟雄士不同，雄士的歌充满嘲讽玩世不恭，约夫的歌却颂赞上帝、颂赞生命。当他耍完球，便唱首自己作的歌：「鸽子栖息在百合花茎上，夏日的天空展开了，她歌唱赞美耶稣，天堂荣耀欢喜。」约夫是个充满稚气的单纯的人，米亚尽管看不见幻象，却深爱著约夫。

　　这种稚气和单纯其实是个珍宝，但往往是世故的成人社会无法体会的。所以跟他们一道儿作戏子的史卡说：「你是个笨蛋。」但柏格曼蕴含深意的在后面接上：「你是个笨蛋！所以你只好演『人的灵魂』这个角色了。」这正指出柏格曼心中的想法：人的灵魂就需要这种单纯、赤子之心、善良、易感、和对生命的热爱，也是这样的人，信仰在他们是再简单不过。

　　骑士布洛克，历经艰难的理想、信仰追寻，却是从约夫米亚身上看到启示，他也看到「笨蛋」背后非常宝贵的灵魂。所以布洛克跟死神下棋时，故意弄翻棋盘，使死神分心，好让约夫米亚米雪的篷车偷偷溜走。

　　电影最后，约夫米亚抱著米雪，站在晴朗天空下，宛若文艺复兴时期的约瑟、马利亚和小耶稣的宗教画，他们遥望死神带走布洛克一行人，这时，传出圣乐般的音乐，充满光明盼望的，恰似圣经上说的：「清心的人有福了，因为他们必得见神。」作者注：「第七封庸语出圣经启示录，是指激烈的灾难和死亡审判。

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《双生美莲达》是老导演伍迪·艾伦的回归之作，这种情节复杂的爱情喜剧一向是他的拿手好戏。电影仍在向我们诉说情感的脆弱、婚姻的不忠、嬗变的爱情和无能的沟通，同样聚焦于居住在现今纽约的事业成功、品味高雅并偶尔神经质的男男女女。影片的剧本和拍摄凝聚了伍迪·艾伦多年以来的思想积累，素材来源于纽约社会的中产阶级家庭日趋复杂的感情生活。虽然美莲达的两个故事都出自于片中两位文人的假想，但两种生活有时分离，有时交叠，从中不难看出命运轮回的痕迹，这也正是影片的精彩之处。
　　在本片中，伍迪·艾伦继续探索了他一向热衷的主题，即个体在道德、身份、亲密关系和嫉妒中的挣扎和各种反常的爱情关系。影片以雨夜中的四人晚餐拉开序幕，其中的编剧马克斯和西引发了关于人类戏剧悲喜双重性的讨论，最终，一个喜剧故事随即展开，一个名叫美莲达的女子神秘登场。艾伦说：“这种情况经常出现在我的电影中，他们可以朝着喜剧或剧情方向发展，但我这次决定让其徘徊于两者之间。”
　　《双生美莲达》的剧本只耗费了伍迪·艾伦一个月的时间，但很少有人能看到艾伦的整个剧本，在修改和润色之后，只有选角导演朱丽叶·泰勒(Juliet Taylor)、联合制片人海伦·罗宾(Helen Robin)、制作设计师桑托·罗奎斯托(Santo Loquasto)和制作人莱蒂·艾伦森(Letty Aronson)看到了剧本，大多数演员只得到了剧本中各自角色的相关部分。
　　在片中扮演钢琴师埃利斯的切瓦特·埃加福特说：“虽然这种方式很奇怪，但我很喜欢，因为你可以全神贯注于你的角色和情节。”
　　影片于2003年9月开拍，其中有7周时间在纽约拍摄，选取了多处伍迪·艾伦一向钟情的地点，包括纽约的SoHo区、格林威治村、上东区、中央公园、贝尔蒙赛马场和汉普顿。片头出现的露天餐馆是位于纽约肉类工业区的法国风味餐馆Keith McNally's Pastis，霍比向美莲达袒露爱意的地点选在格林威治村的意大利地中海餐厅，该餐厅因摆放着酒桶的乡村风格而著称。埃利斯居住的阁楼是纽约城的标致性建筑，位于百老汇大街29号的拐角，和曼哈顿其他的老旧建筑一样，楼里年久失修的电梯运行很不稳定，伍迪·艾伦在选取场景时决定爬楼梯到13楼，而其他剧组成员都乘坐了电梯，结果所有人都在电梯里胆战心惊，发誓再也不会进这该死的电梯。影片中的每个场景都恰如其分的衬托了人物性格，制作设计师罗奎斯托功不可没，和他一样，剧组中的很多成员都是伍迪·艾伦的老搭档，驾轻就熟的合作使影片的拍摄少去不少波折。
　　出演过伍迪·艾伦作品的演员都会知道，导演给予了演员足够的发挥空间，他告诉演员不必拘泥于剧本的台词，如果认为不合适便可以随意发挥。另外，在正式开拍之前，艾伦从不组织排练，他认为无谓的排练会消耗演员的热情。
　　在完成影片的拍摄之后，伍迪·艾伦说道：“如果你不喜欢这部电影，你可以走出影院，寻找一个满足胃口的地方，不过，我希望那些走出影院的人能够抽出几分钟的时间，思考一下生活的脉络，你会发现，悲喜本在一线之间。”
精彩花絮
·小罗伯特·唐尼原定将出演本片，但由于他的保费金额过高，制片方最后只好放弃。
·拉达·米契尔没参加试镜就得了美莲达的角色，因为伍迪·艾伦看好了她在《Ten Tiny Love Stories》中的表演。
·在影片拍摄期间，所有演员中只有拉达·米契尔拥有整部剧本。
·由于拍摄经费有限，制片方没为澳洲演员拉达·米契尔聘请口音教练。
·薇诺娜·瑞德是扮演美莲达的原定人选，但她曾因入店盗窃被捕，没有公司愿意为她提供保险，于是制片方只好另谋人选。
穿帮镜头
·在片头场景中，虽然当时正值雨夜，但街上没有一辆车在使用雨刷。
剧情简介
　故事开始于一伙朋友在小酒吧里聊天，谈起该用什么态度面对生活的话题，简单说就如同本片海报伍迪·艾伦一手一个拿着的面具：哭还是笑？
　　于是朋友们开始假设一个女人的故事：一个名叫美琳达的女人有两个孩子，但结婚多年的她却与一个摄影师发生了婚外恋情，最终被丈夫发现后与其离婚并夺走了孩子的抚养权，当她一心想与摄影师开始新生活时却发现对方另有女友，于是在近乎疯狂的情绪下她失手杀了摄影师，法院经过心理测试后发现美琳达的精神已经处于分裂状态，需要休养，于是将她释放，但是她却失去了探望两个孩子的权利。在这个大前提下，两个持不同想法的朋友开始讲述一个女人的两个处境——
　　两个故事都有同样的开场，那就是闯入别人聚会，聚会也都有个共同之处，主人都是演员，客人则是导演。而过程都是一场三角恋爱，结局都是以跳楼为中心的闹剧。
　　但两个美琳达当然有不同的行为方式，哭泣的美琳达每天穿着黑棕两色的服装出现，每天无休止地抱怨。而高兴的美琳达则穿粉色系列，生活中充满了阳光和趣味。
　　最终影片回到了朋友的小酒吧里，讲完故事的朋友们似乎都了解了什么样的生活是该过的，于是其中的长者总结道：看吧，生活是短暂的，下一刻什么都会发生，所以我们应该享受生活，享受爱情。在一个响指后，我们回到了各自的生活。
　　电影十分坦诚地剖析了很多家庭存在的问题以及很多单身女子的处境，用微笑和哭泣两张脸、两个故事告诉我们该如何面对命运抉择，面对生活，面对家庭。是选择被厌倦遗弃，还是重新开始新生活，做一个自强自立的人？很多东西是自己选择的，不能怨天尤人。人只有自己站起来，旁人才能帮你一把，如果连你自己都放弃了，别人更不会伸出手。人对弱者的同情是有限的，自哀自怜只能像祥林嫂般的遭人厌弃，人生苦短，何不让自己活得精彩些？生命只是一个过程，为什么一定要做怨妇？所有的喜剧和悲剧都是自己造成的，视乎你的选择。

命运弄人
　　当《双生美莲达》淡雅简约的海报跃入眼帘，你很快会被上面那张写意的女人面孔深深吸引。一半明媚，一半灰暗；一半红润，一半苍白。左面的红唇欢快的微翘，右面的红唇寥落的低垂，她似乎在啜泣，因为泪水正不断的堆积。显然，这张海报已经先于动态影像道出了影片的寓意，命运的转弯尽在其中，她就是美莲达，两种命运写在脸上。
　　西(华莱士·肖恩饰)和一帮朋友在曼哈顿的一家餐馆里谈兴正浓，他们争论着悲惨和幽默的本性，西逐渐发现两者之间存在着一条细小的分界线，并决定用两个故事来证明自己的想法，于是，两个故事的主角美莲达(拉达·米切尔饰)出场了。
　　首先出现的是悲剧版本。劳雷尔(科洛·塞维尼饰)和李(约翰尼·李·米勒饰)是曼哈顿的一对年轻夫妇，李是个名不见经传的演员，两人精心策划并举办了一次晚餐聚会，希望李能在聚会中吸引一位制片人的注意。正当聚会的人们兴致正酣时，和劳雷尔失散多年的朋友，愁眉苦脸狼狈不堪的美莲达站在了门口。在酒精和药物的作用下，美莲达狂乱得歇斯底里，她的突然闯入破坏了李的计划。原来，在经历了一段同导演丈夫的情感危机之后，美莲达投入了一个摄影师的怀抱。不久，丈夫发现了妻子的婚外情，要求离婚，于是美莲达的婚姻破败了，并且失去了子女的抚养权。不幸还不只如此，那个摄影师又另有新欢，美莲达仅存的希望也化为泡影。她开始精神崩溃，出现严重的自杀倾向，不得不被人送进精神病院，穿上束缚衣，过着牢狱般的生活。病愈后的美莲达开始新的生活，她搬到纽约，邂逅了一位帅气温柔的作曲家埃利斯·穆桑(奇维特·埃吉弗饰)，然而虚假的诺言并没有给美莲达带来幸福。
　　喜剧版本中，美莲达单身一人，与楼上的夫妇苏珊(阿曼达·皮特饰)和霍比(威尔·法瑞尔)是关系不错的邻居。苏珊是一个制片人，而身为演员的霍比一直失业在家。在不久的一次与上文悲剧版本性质相同的聚会中，苏珊得知了美莲达精神萎靡的缘由，她同情这个离异并失去孩子抚养权的女人，于是处心积虑的想把美莲达同一个牙医撮合。然而，苏珊和美莲达一直蒙在鼓里，霍比早就对美莲达心存好感，于是三人之间的关系开始发生潜移默化的演变……
　　最终影片回到了餐馆，刚刚从故事中回到现实的西和他的朋友似乎都了解了生活的真正内涵，是啊，生活是短暂的，下一刻会发生什么谁都不可能预知，所以我们应该做的，就是享受生活，享受爱情。响指过后，生活再度恢复平静。

创作背景
　　《双生美莲达》是老导演伍迪·艾伦的回归之作，这种情节复杂的爱情喜剧一向是他的拿手好戏。电影仍在向我们诉说情感的脆弱、婚姻的不忠、嬗变的爱情和无能的沟通。影片的剧本和拍摄凝聚了伍迪·艾伦多年以来的思想积累，素材来源于纽约社会的中产阶级家庭日趋复杂的感情生活。虽然美莲达的两个故事都出自于片中两位文人的假想，但两种生活有时分离，有时交叠，从中不难看出命运轮回的痕迹，这也正是影片的精彩之处。
　　《双生美莲达》的剧本成形只耗费了伍迪·艾伦一个月的时间，但能被允许阅读通篇剧本的人却凤毛麟角，剧组中的大多数演员都只被分配了各自部分的剧本。伍迪·艾伦希望演员各自孤立于自己的情节，而不受整体情节发展的影响。
　　影片于2003年9月开拍，其中有7周时间在纽约拍摄，选取了多处伍迪·艾伦一向钟情的地点，包括纽约的SoHo区、格林威治村、上东区、中央公园、贝尔蒙赛马场和汉普顿。片头出现的露天餐馆是位于纽约肉类工业区的法国风味餐馆Keith McNally's Pastis，霍比向美莲达袒露爱意的地点选在格林威治村的意大利地中海餐厅，该餐厅因摆放着酒桶的乡村装饰而风格独特。埃利斯居住的阁楼是纽约城的标致性建筑，位于百老汇大街29号的拐角，和曼哈顿其他的老旧建筑一样，楼里年久失修的电梯运行很不稳定，伍迪·艾伦在选取场景时决定爬楼梯到13楼，而其他剧组成员都乘坐了电梯，结果所有人都在电梯里胆战心惊，发誓再也不会进这该死的电梯。影片中的每个场景都恰如其分的衬托了人物性格，艺术指导罗奎斯托功不可没，和他一样，剧组中的很多成员都是伍迪·艾伦的老搭档，驾轻就熟的合作使影片的拍摄少去不少波折。
　　出演过伍迪·艾伦作品的演员都会知道，导演给予了演员足够的发挥空间，他告诉演员不必拘泥于剧本的台词，如果认为不合适便可以随意发挥。而且在正式开拍之前从不排练，他认为无谓的排练会消耗演员的热情。
影片印象
　　伍迪·艾伦最近的作品并没有一如既往的给人带来深刻的印象，让人不得不怀疑这部《双生美莲达》是否依旧重蹈覆辙。不过，这部堪称回归的作品确实让人眼前一亮，影片重现了伍迪·艾伦消失已久的风格和特点，可以说是他最近10年来最棒的影片。影片中设置新颖的情节不仅仅是诙谐的堆砌，更蕴涵了抽象的哲学思维，个性分明，思路清晰，贴近生活的故事很容易引起观众的共鸣。然而美中不足的是，影片喜剧与悲剧的成分明显有些失衡，你会很快发现影片的喜剧情节优于悲剧情节，也就是说悲剧的感染力远不如喜剧充分。
　　这是一部属于拉达·米切尔的电影，她的身影辗转于命运之间，表现出极强的人物张力。在此之前，这位澳洲出生的女演员出演过几部影片，如《狙击电话亭》、《星际传奇》、《高潮艺术》和最近的《寻找梦幻岛》及《怒火救援》，但一直反响平平。她在《双生美莲达》的出色表演足以让人对她刮目相看。
　　最后，以一段伍迪·艾伦的话作结：“如果你不喜欢这部电影，你可以走出影院，寻找一个满足胃口的地方，不过，我希望那些走出影院的人能够抽出几分钟的时间，思考一下生活的脉络，你会发现，悲喜本在一线之间。”

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　命运中一次次复明复暗的际遇，未尝不像是一轮轮输赢未知的赌局，你只能将自己的希望押在某个位置，然后将一切交给上帝，等待若干倍率的得失，除非你可以游刃有余的在未知的邂逅中做些手脚，如同赌场中的老千掌握了瞬息万变的指针，结局才或可改变。杰克?格林(杰森?斯坦森饰)，一个艺高胆大而不拘小节的职业赌徒，正因为一次在纸牌赌局中的疏忽，才不得不锒铛入狱，当然，这场牢狱之灾和黑势力头子兼赌场老板多罗西?马舍(雷?利奥塔饰)不无关联。杰克在监狱的单人牢房里足足被关了7年，虽然时间漫长，而他却受益匪浅。这都仰仗着隔壁的两位邻居，一位是国际象棋大师，一位是顶尖级的骗术高手，两人的言传身教无疑为杰克提供了“深造”机会。于是，刑满出狱的杰克刚刚迈出监狱的门槛，便雄心勃勃的决定重返江湖。
　　
　　
　　 凭借过人的胆识和高人传授的精湛技艺，再加之身为会计师的哥哥比利忠心耿耿，兄弟乔也前来助阵，杰克很快成了赌场里的常胜将军，大笔数额的钞票源源不断的被杰克纳入囊中。一天晚上，杰克等人应邀参加一场私人赌局，而对手正是有恃无恐的多罗西，对于后者而言，在不择手段的威逼恐吓下，还没遇到过一个不肯妥协的对手，不过坐在杰克面前，他却束手无策。胆大妄为的杰克不仅让蛮横的多罗西一败涂地，还不失时机的挖苦羞辱。当杰克赢光赌资扬长而去之后，恼羞成怒的多罗西下定决心要除掉杰克。
　　
　　
　　 这次，杰克不仅要躲避仇家的围追堵截，还要面对命运的愚弄，因为身染罕见血液病的他只剩下3天的生存时间。杰克遇到了掌管老派黑帮的扎克(文森特?帕斯托饰)和阿维(安德烈?本杰明饰)，这两个人不禁擅长放高利贷，还说能够解脱杰克的病情，可以保障他的安全，而报酬是杰克所有的资产。一系列错综交横的故事在杰克的叙述和记忆的闪回中陆续上演，不到最后一秒，幕后真相永远是待解的谜团……

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两杆大烟枪-------------------很有趣的片子[s:20] [s:20] [s:20]

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黑店狂想曲--------------怪异,有点趣味.画质很好.

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转些影评,但我觉得这片很烂,没什么看头.


他的片里.低俗小说和杀死比尔1都还是不错.

其他感觉比较烂.包括"四个房间"里的最后一段.






故事发生在南加州某地，黑帮老大乔·卡伯特和他的儿子“好家伙”艾迪召集了六名强盗，准备到珠宝店抢劫一批天然钻石。这六个人彼此各不相识，甚至连对方的姓名都无从得知。乔为了保持机密，以颜色作为代号分别给六人起名为白先生、橙先生、金先生、粉先生、棕先生和蓝先生，并规定他们之间不能透露任何私事。
　　抢劫时，六个人中了警察的埋伏，蓝先生和棕先生当场死亡。白先生带着受伤的橙先生回到预定的聚集地——一个仓库里。一路上，白先生对橙先生十分关爱，甚至告诉了他自己的名字。一会儿，粉先生也来到这里，他把到手的钻石已妥善存好，只等乔来时，大家平分。白先生和粉先生回想案发时的情景，得出结论，六人中必定有卧底的警察。在抢劫时举止疯狂的金先生活捉了一个警察回来。从警察口中，他们也没得到那个卧底的情报。不久，“好家伙”艾迪也来了，他同白先生和粉先生一起去取钻石。而金先生则开始虐待那个警察。在准备烧死警察的时候，金先生突然被躺在地上的橙先生开枪打死。原来橙先生就是卧底的警探。众人回到仓库，乔和“好家伙”艾迪认清橙先生是卧底，而白先生依然极力维护橙先生。最后，由于争执不下，一场血腥的枪战发生了......
　　《水库狗》是昆汀·塔伦蒂诺的处女作，1992年在圣丹斯电影节上首映。从这部最早的作品中，我们已经不难看出昆汀独特的电影风格，影片中的暴力事件、黑帮人物、机智幽默的对话、七十年代音乐以及巧妙的叙事结构等等都是昆汀热中的题材和惯用的手法。令人不可思议的是，《水库狗》竟然全部由男演员出演，这种强烈的男性色彩给观众留下了深刻的印象。



这部电影里没有一个女人。五个黑帮男人，一次抢劫，不停的对话。如果某一分钟内没有说话声，那么就会听到枪响。
这部非常好看的电影，让我想起影评《化暴力为美学》，其中说到在黑帮片中，道义上的对错已经让位于男人之间的情义；正邪评估所依据的尺度，不再是对错，而是忠义。
五个素不相识的职业罪犯，为了抢劫珠宝携手合作，相互间以代号相称。行动失败，五个人先后赶到一个车库，追查内奸。审查谩骂，持枪对峙的过程开始，真相大白的时候，卧底警察与黑帮分子一番生死与共，正邪之分上升为情义上的忠诚，那最终到来的答案，却让他们醒悟：其实不存在殊途同归的情义，只有黑白分明的现实。
这部血淋淋的电影，在我看来，其实想要表现一种超越于道德之上的，抛开一切社会背景的，纯粹男人之间的友谊。或者说，谈到义气二字，男人会变得很傻，就好像涉及到情感，女人也会很傻一样。电影中最为邪恶的金先生，可以一边听音乐一边割掉警察的耳朵；但他在办公室里与自己的好友相见，打闹嬉戏，笑眼相望，如同两个大男孩一般亲密无间。
再比如电影中的两个警察，回肠荡气到让人不敢细想，甚至也不愿接受电影中的结局。小警察被殴打虐待，但始终没有说出卧底的名字；而那个卧底，终于不忍看到小警察被活活烧死，于是暴露了自己的身份。他们之间的对话，是电影里最感人，也最不可思议的一段。血肉模糊的两张年轻面孔，使这部黑色影片，终于有了一点正义的，英雄主义的光辉。
血，枪，剑拔弩张，男人，凶暴，除了这些，在你面前展开的，还有不停的对话。故事在对话中节节推进，背景与情节与人物性格的塑造，全部依K对话完成。从最开始漫无目的地闲聊，到尾声的谩骂喊叫，每个人都在大声地不停地说出自己。电影最后一句话，橙先生艰难地说“我是警察”，于是白先生彻底崩溃，大男人痛哭不止，一声枪响，电影结束（这样的处理当然很戏剧性，不过总觉得前面对两人的关系铺垫不够，所以结尾的这段突变，看起来多少有些牵强）。
这部电影的叙事结构也很有意思。记得刚刚看过对台湾导演杨德昌的采访，里面有一段提到叙事结构：“...以往我们看一些大部头的长篇小说，叙事结构都是线性进行的,...在这部电影里，希望能架设一个立体的、有好多事情同时发生......”
在我看来，《水库狗》就是非线性的，打乱了我们所习惯的平铺直叙。电影被裁剪成若干小故事，然后以人物而不是以时间为序拼贴起来，所以同一件事情，会从不同人物的视点来看。随着每一个人物的出场，我们逐渐知道了事件的各个方面，而剧中人只知道属于他们自己的那部分。戏里戏外对信息不同程度的掌握，构成了看戏时的悬念与紧张。
这种结构让我想到《低俗小说》（Pulp Fiction），斗胆问一下，那部电影是不是也是昆汀·塔仑蒂诺（Quentin Tarntino)导演的？（插一句，一直觉得网站对信息的传播，也应该是非线性的，与传统媒体及书本那种从头翻到尾的方式不同，而应该是各个方向的四散与兼容。）
喜欢这部电影，其实还有个人原因，就是对这种完全局限在一个空间里的故事，一直很有兴趣。记得很早以前看过一本侦探小说，专门探讨发生在无处可逃的密室中的案件。这类故事，因为发展空间相对狭小，所以要求故事本身必须丰满而有层次，人物也必须具备足够的性格魅力，所以我一直觉得这是展示戏剧功力的最佳所在。很多这种密室电影都拍得非常精彩，比如《新龙门客栈》，还有美国早期的《十二怒汉》。这部《水库狗》几乎所有的场景都在那个大车库里，情节的启承转合，完全处在相同的空间里，必不可少的变化性，则完全依K人物的演出来完成。这种结构，是不是戏剧最本真的状态？
看密室故事，感觉中好像一步走进了温室大棚。因为受到空间的限制，植物注定只能在内部发展，不但长得格外茂密与富有层次，也因此会出现绞杀，附生，板根等种种独特的变异。

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　看了几天的闷片后,看了一部个人觉得相当出色的片子



迪安·科索（约翰尼·德普饰）是一个专门从事珍贵典藉交易的经纪人，他常为富有的藏书家们提供重要收藏线索。科索受雇于纽约百万富翁鲍里斯·巴尔坎（弗兰克·兰格尔拉饰），此人虽拥有大量的玄秘文献，但一直为《通往幽灵王国的第九扇门》这部珍奇宝典着迷。这本书据传说源于撒旦，十七世纪有人重新写成，世间仅存三本。其中一本书的主人在自杀前几天把书卖给了巴尔坎。巴尔坎要科索不惜一切代价为他去寻找另外两本，据说，另两本中的一本由葡萄牙的法格斯所有，另一本被法国收藏家凯斯勒收藏，巴尔坎想要验证此书的真伪。科索受命拜访莉娅娜·特尔弗（莉娜·奥林饰），她是一个寡妇，正是她的丈夫死前把书买给了巴尔坎，她希望能把这书找回去。科索与朋友伯尼（詹姆斯·拉索饰）商议对策，可不久伯尼就突然死亡，这件事与巴尔坎手中那本书的一幅插图竟不谋而合……
　　经历了几桩命案后，科索终于明白，这部书中含有某个神秘咒语的重要线索，它会让人着魔，最终会使人为了寻找迷底而不择手段，无所不为。他最终明白，这部书的九幅雕版插图是解开一个谜的线索，而这个谜一旦被解开，魔鬼撒旦就将被唤醒，地狱之门也将被打开，而某些人正在不择手段地寻找那些缺失的插图。究竟谁才是魔鬼的使者？

?冲着罗曼·波兰斯基和约翰尼·德普看了这部片子，这样两个个性鲜明的人物合作，拍出来的定然不会是烂片。从头至尾神秘悬疑的风格也很合我的胃口，只是到了结局未免有些失望，因为传说中的魔鬼并没有露出真面目。当然从艺术的角度来讲，这正是导演高明的地方。因为现实生活中谁也没有见过魔鬼，那些对魔鬼作出正面描述的片子虽然也很富于想象力，但魔鬼的面目再狰狞恐怖、魔力再匪夷所思，我们看过以后也会觉得——原来魔鬼也不过如此。
　　??最后结局的留白给了观众以想象空间，人鬼殊途，那未知的世界毕竟不是凡人所能感知的。而整部片子所营造的那种宗教般的神秘氛围，却使我们始终都笼罩在对魔鬼的恐惧中。我一向认为恐怖片之所以恐怖，不应该依靠场面和道具所带来的那种具体的视觉效应，而应该侧重于紧张的气氛和惊悚的心理描写，以及情节背后所展现出来的人物心灵的阴暗面。
　　??我觉得那个碧眼女郎诱惑而邪恶的眼神是对魔鬼形象的唯一展示，不知道她是代表了魔鬼的使者还是魔鬼本身。让我有所困惑的是，为何狂热的藏书家和荒淫的女教主都不能得入魔界，反而让一个原本对魔鬼理论毫无兴趣且刚刚接触那本神秘书籍的古籍侦探得逞？一开始坡勤说高索自私自利、贪得无厌、出卖朋友，这些都是魔鬼所应拥有的品质，但坡勤自己又何尝不是如此？而且坡勤能够为了三本书而杀人，与他相比，高索只能算是一个钻营的市井小人而已。至于陶发夫人，虽然淫乱且略带神经质，但离真正的邪恶还要更远一些。
　　??如果按照释道两教的做法，这样被赋予灵童转世、衣钵传承意味的选择，应该是有缘人得之，所以费尽心机的无涯子才会接受误打误撞闯进来的虚竹做接班人。从本片的角度来讲，找齐九幅插图并破解其中意义的坡勤应该就是魔鬼所要的“真命天子”。但魔鬼的想法却真是奇怪，把最后一幅换成了假图，搞得大家都白忙活一场。虽然精心设计了一个谜题，最后还是要靠魔鬼亲自指点才能得解。
　　??依我的理解，如果一定要为魔鬼选择高索找一个理由，那就是“因为爱，所以爱”，她相中了高索，所以只有他才能进入魔界，从身世、性格、思想、行为各方面都无法找到很具说服力的依据能够证明只有他才具备成为魔鬼的资格。虽然从碧眼女郎几次救他的情节中可以依稀觉察出一种引诱的过程，原本胆小怕事的他后来也着魔似地杀死了一个杀手，但是这条线索并不明显，如果硬要如此解释的话，反而显得牵强。所以我们可以看到陶发夫人的荒诞聚会和坡勤的自焚仪式是如此自以为是，如果魔鬼对你不中意的话，任何一厢情愿的努力都是徒劳的。这样的结论有点虚无和悲观，但对法 轮功分子之流却是个很好的警示。
　　??片中大量的古旧书籍令我很开眼界，就像那阴郁画面中的古朴城市一样，让我们似乎回到了宗教盛行的古代欧洲。找书是影片的主线，而对书籍的热爱和崇拜是片中人物情感的另一个方面。坡勤和陶发夫人信仰魔鬼之书，并且是信仰的实践者，却玩火自焚；另外两本书的主人虽然并没有将魔道付诸行动，但他们也因此而死。所以他们都是为书中的知识而献出了生命，但读书致用的终极目的却并没有达到。或许我们也像片中的藏书家一样，都想从书中获得一个通向永恒的真理，但最终的“第九道门”并不会因为寻找而为我们打开，我们得到的只是无尽寻找的本身而已。

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两部超级闷片:伍：向小津致敬,随风而逝

个人欣赏不了,对我来说和烂片没什么区别[s:89] [s:89] [s:89]



日本著名导演小津安二郎生于1903年12月12日，因癌症卒于1963年生日当天。小津做导演出身，作品画面暖红色居多，主题多是反映“二战”后日本家庭与社会的变化，其惯用的低视角静态摄像风格独树一帜，备受追捧。
《伍：向小津致敬》由现年68岁的伊朗导演阿巴斯·基阿鲁斯塔米执导，2003年上映。影片分为五段，分别为《碎木》《海边的人》《犬》《鸭子》和《夜雨》。摄像机固定，画面基本静态，没有人为情节，都是景物变幻引发的意境，很有思想，但偏于文艺。
市面D9正片1.66:1不变形，画质凑合，声效一般。花絮节目有导演对每段创作思路的结构，配合了伊朗历史和一些文化元素，但略显冗长。




随风而逝》剧情:伊朗导演阿巴斯基阿鲁斯塔米的作品。一群工程人员来到伊朗库尔德斯坦省的一个小村落。村民不知道他们为何而来，猜疑纷纷，甚至怀疑他们是来寻宝的。每天，工程师都要用无线电话和总部联络，但每次电话响起时他都要跑到山上的墓地去接听，好让他的无线电话可以接收地更清晰。工程师的注意力似乎是在一扇窗子，透过这窗子可以看见房间里有一个老妇正在弥留之际，我们不太清楚他为何会关注老妇的生死，但当影片完结时，基阿鲁斯塔米给观众上了一堂关于生命、尊严、信任、互助和爱的课程。

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看了波兰司基"第九道门",又趁兴翻出"水中刀"
他的片子一点不闷,无论是"苦月亮"还是"钢琴家"或"雾都孤儿"
但所含深意不缺.[s:20] [s:20] [s:20]



水中刀(Knife in the Water )
　　一对夫妇开游艇去度假，结果在路上被一个年轻人挡住要搭便车，从而演绎出一串的故事，不习水性的年轻人上了他们的游艇，开始了他们漫长而又枯燥的旅行。年轻人喜欢带一把刀在身上，但是在水里这把刀失去作用，只有重新开始学习在水里怎样生活。一次偶然的机会，年轻人和他妻子发生了关系，他们将如何呢……  
本片展现出导演对于戏剧场景的高度把握，细腻刻画出人与人之间的猜疑和好胜，开放式的结尾也让人沉思，甚至有人认为波兰斯基以后再也没有超越该片所达到的高度。获得威尼斯电影节FIPRESCI奖、奥斯卡最佳外语片提名。
导演  罗曼·波兰司基 Roman Polanski
编剧  罗曼·波兰司基 Roman Polanski  
国家/地区 波兰
类型 剧情  
演员姓名  Leon Niemczyk
Gabriel Nehrebecki
Jolanta Umecka
罗曼·波兰司基 Roman Polanski

点评:
　　《水中刀》是罗曼·波兰斯基执导的第一部作品，一问世就给导演带来了世界性的声誉。而那一年，波兰斯基才刚刚27岁。放眼整个影史，即便不能说绝无仅有，也应该是屈指可数。
　　27岁的导演，电影里的角色只有三个：一对度假的中年夫妇，一个无所事事、四处游荡的青年。中年夫妇财富上属于中产阶级，精神上或多或少有一点市侩、自以为是，并伴随着对已逝年轻岁月的一些怀念，他们的婚姻正处于敏感的烦恼期；漫游青年则贫穷、自由、懵懂无知、自足，对陌生的生活有着些许的好奇和向往。这两种人生状态，一个是导演波兰斯基在不久将要经历的，一个则是他已然经历过的。
　　按照表面化的理解，观众通过片名便知道，这部电影里会有一把刀。有刀一般就会有命案发生，它是怎么发生的？“水中刀”又会是怎么一回事？
　　接着我们看到刀了，它带在漫游青年的身上，是把弹簧刀。这把刀最初在电影里的用处是切食物、割帆船上的缆绳，然后被作为三个人在船舱避雨时牌桌上的赌注，以及玩飞刀、戳指间空隙等游戏的工具，然后，它被丢进了水里，导致了两个男人间的打斗……
　　再往下，刀就一直没出现了。整个电影的后四分之一，都在讲弹簧刀落水之后，引导出的事态变化——青年被中产阶级官僚丈夫打到了水里。就势藏到了水面一个浮标后面。夫妇俩为这次打斗产生争吵，丈夫下水寻找青年。青年回到船上，但那个丈夫却游远了。妻子帮青年把水擦乾，然后两个人在瞬间里来电，完成了性事。青年在靠近岸边时下了船。妻子则把船驶回港口，她发现丈夫正在那里等她。回到轿车上，丈夫说没找到那个青年，打算去警察局投案。妻子告诉丈夫青年还活着，和她还亲热过。丈夫由不信到相信，进而认定这一切都是那个青年设计好的。夫妻俩在懊悔中走向人生的下一站……
　　在这些情节背后，掉进水底的刀已不像前面的场景那样，躺在船上的某个角落，时刻提醒观众对原先预想中冲突的期待。而是在无形中划开外表的平静，揭开了这对中年夫妇婚姻的危机，并使妻子完成了对丈夫的背叛。这时，观众才发现，刀已经不重要了，重要的是中年夫妇的危机。刀在电影里，不过是一个假悬念，真正的悬念应该是背叛的完成。这种悬念上的虚实变幻，已经能看出波兰斯基在结构影片和揭示人心理方面出类拔萃的天赋。
　　电影里的爵士风格的音乐也是一个亮点。它和剧情结合，让人感到波兰斯基天生就是一个美国化十足的波兰导演，而是非常和希区柯克式的风格贴近。所以说后来好莱坞决定请他也不是盲目的。但是波兰斯基本人似乎一开始就没有完全困在自己的悬念大师天赋里。他还有一种东欧艺术家普遍拥有的、对人类进行社会学角度剖析的兴趣。《水中刀》是波兰二战之后电影中，第一部与战争创痛无关、直击当时人们生活的故事片。我想也正是这种兴趣，导致了后来他与好莱坞主流精神的分歧，以及像《苦月亮》、《钢琴师》这样作品的诞生。
　　打个有意思的比方：同样是导演中的心理分析大师，因为执著于观众接受心理的实验，希区柯克成了世人眼里的一位心理魔术师。而执著于社会学趣味的波兰斯基，有时却像个侦探或撒旦的使者，因为他总忍不住碰一些人们害怕触及的东西。

[ 本帖最后由 schiff 于 2008-5-25 17:04 编辑 ]

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很不错的片子,女人很漂亮[s:97] [s:97] [s:97] ,那些些配乐,吟唱.非常出色的画.甚至比电影本身还要出色.





分集概况：
　　《手》The Hand
　　导演：王家卫

　　主演：巩俐、张震
　　语言：普通话
　　《平衡》Equilibrium
　　导演：斯蒂文·索德伯格Steven Soderbergh
　　主演：小罗伯特·唐尼Robert Downey Jr.
　　阿兰·阿金Alan Arkin
　　语言：英语
　　《危险临界线》The Dangerous Thread of Things
　　导演：米开朗基罗·安东尼奥尼Michelangelo Antonioni
　　主演：克里斯托弗·布赫兹Christopher Buchholz
　　路易莎·拉涅利Luisa Ranieri
　　芮吉娜·娜米Regina Nemni
　　语言：意大利语
　　剧情：
　　《爱神》是一部由三段不同风格的影像组成的电影，更是三位著名的世界级导演关于情爱与欲望的三重唱。王家卫、斯蒂文·索德伯格、米开朗基罗·安东尼奥尼每一个导演都用属于他们的特殊方式来演绎情爱的主题，王家卫讲述的是一个充满了质感又略带伤感的故事，索德伯格的则是个有些自我解嘲意味的幽默喜剧。而安东尼奥尼还是他关于男人和女人之间关系的哲学冥想。《爱神》也是王家卫和索德伯格这两个具有国际声誉的年轻导演(相对于93岁的安东尼奥尼而言)对世界上最令人钦佩和充满激情的导演之一安东尼奥尼的一种致敬。
　　《手》(43分15秒)讲述的是上个世纪60年代的香港，年轻的裁缝(张震)多年不计回报地爱着交际花华小姐(巩俐)的故事。在张震还是裁缝店的学徒的时候，他第一次上门为华小姐量体裁衣，华小姐用喘息声和手给张震上了有关性爱的第一堂课。此后，他爱上了她，每次为其上门裁衣时都欣赏着她，也听着看着她与别的男人的调情。多年后，她红颜日渐凋零、无人重视，而他却依然为她缝制最美丽的衣服。她一直忽视了他对自己的爱，而他只有以手抚摸着她的衣料，感受她的身体。最后，她终了解一切，而能给他只是自己的那双手。
　　《平衡》(26分35秒)发生在上个世纪50年代的纽约，广告人尼克·彭罗斯(罗伯特·唐尼)总是被春梦困扰，在他的梦中总会出现同一个美丽性感的女人在洗浴后穿衣，可当他醒来时他感到那个美丽的女人是如此的熟悉但却无法想起她到底是谁。他只有向他的心理医生珀尔(阿兰·阿金)求助，在治疗时，他向医生讲述着梦中的情景和困扰，而医生却心不在焉地回答着他，还通过望远镜头看着窗外，甚至掷起纸飞机。治疗使患者感到好些也感到疲倦，他渐渐睡去，梦中再度出现了那个性感的女子。最后，当早上他从自己的床上醒来，出门的妻子过来和自己吻别，他才发现，梦中的女子和妻子一模一样……
　　《危险临界线》(31分46秒)仍是安东尼奥尼一向关注的现代社会中的男女关系主题。四十多岁的美国男人克里斯托弗(克里斯托弗·布赫兹)和他的意大利妻子克洛(芮吉娜·娜米)的夫妻关系已经走向了僵局，他和她已无话可说，甚至对彼此的身体也失去了兴趣。旅途中，克里斯托弗与一个年轻的女子(路易莎·拉涅利)相遇进而一番云雨。第二天清早，在同一片海滩上，年轻女子和妻子克洛都自然展示着自己的身体，最后相遇……

schiff

一部岩井式的洋溢着纯美青春气息的令人难忘的佳片[s:20] [s:20] [s:20]





花与爱丽丝是一对特别要好的朋友，二人正值初中毕业，间或去舞蹈教室学习舞蹈。爱丽丝性格虽外向，家庭却支离破碎。而花虽然外表看起来很老实，却因高中生宫本的出现少女心泛起涟漪。
　　后二人升入高中，花选择了进入宫本的相声社做成员，以接近宫本。而一次意外，使得宫本患上了短暂性的失忆。而恰巧在一旁的花适时地帮助宫本就医，并把自己的情愫以 欺骗的方式倾泻出来。她告诉宫本自己是她的女朋友，为了让将信将疑的宫本确信自己和他是在一段恋情的进行式中，她甚至杜撰了宫本的前女友是她的好友爱丽丝。她的说法是因为爱丽丝伤害了宫本，所以二人分手。
　　宫本不断地看到爱丽丝，觉得心里有东西被激发出来，不断地去找爱丽丝求证。三人的关系越来越纠葛


有人说其实创作无非是营养的平衡，缺什么补什么，电影也无外如是。当爱情不在的时候，所有的人都希望留住爱情，或者说是品尝到爱情甜蜜的人们希望告诉后来者曾经爱情的原生态是什么。于是，看爱情片成了对于爱情幻想的憧憬和爱情陨落的缅怀。
　　其实分不清楚岩井俊二是哪种人，也分不清楚他究竟心怀怎样的感恩去抒写爱情，如果他一直创作的题材是关于爱情的话。但是，观众能够分享并透过影像隐约猜测他的用意


   



。曾经一度，大家都是怀着极大的热情翘首以盼这部《hana and alice》。曾经见过它的海报——两个并排站立的少女，眼神空洞、肌体丰满，像两个小动物。
　　把人拍得像动物，应该只有岩井俊二有这个能耐。因为在他所掌控的摄影机下记录的无一例外是孩子——等待成长、正在成长或者刚刚成长的孩子。(没有哪一个导演和他一样这般坚持这样一个“嗜好”。)他们都迷失在残酷青春里，迷失在探索爱情、交际、自身的迷惘里，无所适从却又“积极进取”。从《情书》到《燕尾蝶》再到这部《花与爱丽斯》，无一例外。孩子们像动物一般实践着导演的谋略。
　　其实，并不应该把《花与爱丽斯》归类到如《情书》一般的爱情神话里，也不能把它当作青春残酷片甚或青春意淫片来对待。更确切地应该称它做一个矩形——一个可以任意揉捏的形状，掺杂了太多的不纯粹，与现实渐行渐远。也就是说，它与大多数人看到的日本并不是同一种现实。
　　电影现实中的两个女孩先後与一个男孩“谈”恋爱。原先，花与爱丽斯二人发小邻里的关系让她们情同姐妹。她们在站台上开始观望各自的男孩子就陷入了旋涡，难以自制。他传达给我爱情是谎言的信息。花因爱情产生迷恋，别无选择地用谎言去编织一个爱情的承诺。她告诉自己喜欢的木偶男孩，他失忆了，忘记了他要和自己交往的承诺。而因这个谎言，她不得不将谎言的雪球滚大，让爱丽斯去佐证男孩已经失忆。爱丽斯扮演了男孩失忆前女友的角色。木偶般的男孩因爱情产生活力，顺应了爱丽斯的谎言，承认自己已经尝试恢复失去的记忆，他还找回了以前与爱丽斯“相爱”的感觉。爱丽斯也因友谊的需要转化为爱情的需要，继续这个谎言，并一块和男孩找寻曾经的爱情足迹。这是三个都在欺骗的孩子，欺骗自己会拥有爱情。岩石俊二是何等敏锐，用这种巧妙的方式剖析了爱情的本质。
　　友谊因何而破碎而又因何而复圆/原？因为一个男孩亦或她们自己。这个木讷的男孩是开启她们的钥匙，让她们发现了自己以及彼此，让她们知道自己的需要，知道象她们那样的形影不离也会分崩离析。于是，少女被开启了。她们都和《情书》里的藤井树一样，被给予了更多的关注。
　　在这里，有必要把《花与爱丽斯》与《情书》并列到一起。不仅因为它们是同一个人的作品，都有被开启的少女，更因为二者票房差距如此之巨。其实，可以给出一个合理的解释，最显而易见的是二者在演员选择上有很大差异。《花》用的是三个非职业演员，曾经有人说能够压制演员酬劳一部片子就能获益，那么这笔演员费节省了很多。而《情》选用的中山美穗、渡边博子、丰川悦司、柏原崇和酒井美纪无一不是大牌，酬劳自当不斐。也许成本的低廉是票房收入不高的唯一合理解释。但是，细节的堆砌和唯美风格自始至终才是票房惨败的真凶。
　　唯美绝对是岩井俊二，但绝对不是电影的唯一，甚至不能成为票房的唯一保证。当年，《情书》在台湾一举拿下三千万的票房，更是成为当季日本本土的票房冠军，甚至被传媒称作“票房与口碑全面告捷的爱情文艺电影”。而，《花》自2004年3月13号公映以来，日本的九大城市中只有三家电影院接收了《花》，而在日本本土的票房成绩也仅仅是六万八千五百九十一美元。如果大家对这个数字不是很敏感的话，那有这么一个数据可以被提供出来加以比较，《2046》在日本有二十三家电影院给与接纳，创下票房八十四万五千四百二十一。《花》在票房上收益甚微，甚至有不能保底的威胁，而它在各大电影节上也罕有收获。
　　《情书》是一部纯粹的爱情片，依靠爱情的猜想来完成，细节用以烘托爱情的假想，出来的效果自然纯真并另人神往。但是，《花》并不是第二部《情书》，它不能再被一个很精确的词概括，但我们知道它讲的是少女被开启的过程。唯美并不是被开启时的味道，它应该仅限于被开启前。而有影评人觉得细腻的手法，完美的画面正是这部片子的特色，我觉得了一种敷衍，用评论的敷衍对待创作者的敷衍。
　　而如果仅仅要做一部赏心悦目的电影，仅仅穷究细节和小情趣，从而动用整个制作班底和大量时间就是犯罪，如果还骗取观众的钞票更是罪不可恕。中国导演也曾经膜拜唯美。其实，唯美并不是中国的审美，唯美也不是电影的审美。中国人一直在说“残缺即是美”，这不才是我们认为的最美吗？电影的最美是真实，难道说象《卡拉是条狗》和《大腕》那样的电影不美吗？它们接近生活的真实，并为人津津乐道，这不才是我们认为的最美的电影吗？
　　这部片子是岩井俊二的尝试，对网络电视和短片抵触创作后的延续。延续，本身就有敷衍。他给予的解释是这样的：“估计看过的人会觉得电影是短片的续集，这一点早在我的意料之中了(笑)。电影所呈现的是与短片完全似是而非的世界。或许会给人‘导演的观点即使有所改变，怎么会不一样到这种程度’的感觉。我觉得短片强调的是可爱的感觉，而电影会进入更深的层面。为了让已经看过短片的观众也接受和喜欢，在最初的企划阶段相当烦恼，最终苦心经营出电影中这个似是而非的世界。”这应该是最不能被容忍的创作态度，敷衍电影，然后敷衍自己。近来大众日渐知晓中国电影从业者的敷衍心态，他们一例先草率电影，再慎重宣传。其实，这本身就冒犯各位创作唯美导演的禁忌，创作过程并不唯美。
　　但是，岩井俊二在《花与爱丽斯》中DV的使用却是相当值得借鉴的。岩井俊二在《关于莉莉周的一切》里就开始使用DV拍摄一些特殊需要的镜头。而在《花》里DV拍摄下地铁里的大量段落以及少男和少女之间的接触。让观众觉得很舒服的是，DV拍摄出来的效果不逊于胶片，而这正是导演致力于去达到的效果。然而对于中国的创作者们来说，DV的更大用处也许是在可以帮助那些缺乏资金支持的导演完成自己的电影梦想，并帮助他们更接近于自己的电影真实。不过，有人是这样说的“都说DV时代已经来临，但萝卜雕的花和玉雕的花能一样吗？”。这当然是因为他对于胶片的执着。如果那些执着于拍摄胶片的人们不遗余力地去找寻更多拍摄胶片的时机，而那些没有机会接触胶片却有着电影梦的人们有能力把DV拍得像胶片，那么能够确信，在艺术层面上足以保证中国电影的质量，并能激发更多电影人的热情。