看片杂记

奏鸣曲

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演的最好的是唐尼，差的是阿汤。



1.　本·斯蒂勒在片中出演一位有些过气的动作明星，为维持挽救日渐衰落的演艺生涯，他决定参演一部号称“史上最贵越战片”的电影。同时加盟该片的还有杰克·布莱克扮演的喜剧明星，他的拿手好戏就是能在一部影片里同时扮演多个角色。至于小罗伯特·唐尼在片中则成了一位得过奥斯卡奖的演技派男星，为了能在这部大制作中出演角色，他甚至不惜把自己打扮成“黑人”。这支东拼西凑的剧组浩浩荡荡开进东南亚密林本来是准备拍摄外景，却阴差阳错卷入了真枪实弹的战争中，剧组几位演员不得不依靠自己曾经参加海军训练新兵营的经验，成为冲锋陷阵的士兵……
　　2. 《热带惊雷》是著名喜剧影星本·斯蒂勒自导自演的一部动作喜剧，讲述的是一个电影剧组在东南亚拍摄一部昂贵大制作越战影片时所发生的故事。
　　片中的电影剧组汇聚了本·斯蒂勒饰演的著名动作明星、小罗伯特·唐尼饰演的曾三次获得奥斯卡奖的演技派影星和杰克·布莱克饰演的以一人分饰多角为特色的流行喜剧演员。唐尼饰演的演技派明星为了挑战自己的演技决定将自己全身涂黑出演越战中的黑人角色。然而片子开拍后不久，疯狂的导演（斯蒂夫·库根饰）为了更好地训练他们，将他们置于原始丛林中，而这里其实是真实的战争区域，演员们意识到他们不再只是拍摄电影那么简单，他们不得不开始战斗，为了找到走出茂密原始丛林的路……
　　这部影片是战争电影和喜剧片的混合体，除了自己拿手的喜剧，本·斯蒂勒亦在片中向《野战排》和《现代启示录》等严肃的战争影片致敬。



相隔七年再玩讽刺戏码

　　这部由本·斯蒂勒自导自演的闹哄哄的喜剧，以极其夸张地手法讲述一群娇纵又爱耍大牌的演员欲在东南亚丛林地区制作一部“兰博”式的电影，结果却意外陷入了真枪实弹的战争的故事（显然把好莱坞上上下下都开涮了一遍）。然而，除了小罗伯特·唐尼以及汤姆·克鲁斯近乎爆笑的变妆让人有些意外之余，这种桥段可谓相当单薄又多余。当然，在迎合那些热衷于各种笑料的观众，尤其是捧场各明星的影迷以及战争控的口味方面这种桥段仍然发挥着它应有的效力。没错，这确实是一部重口味的夏末好莱坞大片！

　　还记得七年前斯蒂勒最卖力制作的电影《超级名模》(Zoolander)，这部在2001年出品的喜剧由斯蒂勒自编自导自演，在片中他化身为一个过气的超级男模，为求翻身却变成暗杀马来西亚总统计话的棋子。虽说这一次，斯蒂勒有将讽刺喜剧玩大的意味，但是，不难发现《热带惊雷》的基本路线与他七年前的相似，只不过此次把玩的区域从时尚圈转移至好莱坞娱乐圈罢了，而讽刺的方式也有很明显的“超模”影子——斯蒂勒在片中又扮起了一名星途开始黯淡的曾经的超级明星。

　　众星上演荒唐“戏中戏”

　　在人们为进入影院之前，影片的狂热气氛已经在四幅预告版角色海报曝光时一触即发，那龇牙咧嘴的备战状态咋一看确实会让人以为是一部实打实的史诗式越战大片。由于大玩“戏中戏”，那四个先行版预告片同样为影片的真实内容蒙上一层迷雾。由本·斯蒂勒扮演的怪癖又自命不凡的过气动作影星塔格·斯彼得曼（Tugg Speedman）的预告片还能称得上是中规中矩，随后杰克·布莱克饰演的吸毒成性的庸俗喜剧之王杰夫·波特纳(JeffPortnoy)、布兰顿·杰克逊（BrandonT.Jackson）饰演的一脸严肃又满腔热血的嘻哈明星阿尔帕·奇诺(AlpaChino)以及小罗伯特·唐尼化身的五次奥斯卡得主——澳洲影星可可·拉扎勒斯（KirkLazarus）陆续搞怪登场。其中，拉扎勒斯的预告片上演的是他最新的作品——两名中世纪牧师之间违法的同性恋情感戏，（顺带一提，与他演对手戏的，就是“蜘蛛侠”托比·马奎尔），两人在预告中的深情对望更是意味深长。

　　一旦进入正题，“片中片”的“热带惊雷”似乎也进行得不够顺利了。在被靓汤客串的业界大亨李·格鲁斯曼（Lee Grossman）糊弄，停止投资这部数百万美元的“史上最贵越战”之后，“片中片”有“疯狂布里特”之称的导演（史蒂夫·库根饰，毫无意外地以狂躁者形象出现）决定，唯一能做的便是采取主动，与这群演员，其中还包括由杰·巴鲁切尔（Jay Baruchel）出演的新星凯文·桑德斯基（Kevin Sandusky）一起深入丛林，在没有工作人员、没有助理甚至连手机都没有的情况下，为提高影片的真实性来一场丛林大战。

　　出乎意料的是，这群打算上演营救戏码的演员却因为真正的在逃毒贩的袭击而变成等待救援的猎物。


　　唐尼靓汤玩变身成片中亮点

　　就像这群“戏中戏”里个个肚满肠肥的好莱坞影星不慎置身于枪林弹雨之中一样，影片本身也受到了背景的限制而显得有些不伦不类。真正的无厘头喜剧确实可以创造属于自己的逻辑，但是《热带惊雷》这部定义为嘲讽真实世界的喜剧，则没办法获得这类自由。事实上，该片中数不清的细节都没能真正考虑到现实的逻辑状况，最终破坏了整部戏的平衡。像“戏中戏”这样的大制作背后会是一个首次执导筒的中年导演在掌舵吗？五次奥斯卡得主竟是一个只有四十多岁的拉扎勒斯吗？

　　虽说如此，但片中关于小罗伯特·唐尼饰演角色的荒谬设计确实能产生额外笑料。首先，拉扎勒斯是一名白人演员，因为太忠于自己的事业而不惜让自己忍受浑身涂满厚厚的颜料以变身黑人士兵。而这种滑稽的变妆因片中一个名为阿尔帕·奇诺的男人（这回是真正的黑人演员杰克逊出演）的催化剂作用而显得更加荒唐。由于“戏中戏”的黑人士兵角色本应由奇诺的兄弟出演，却被白人拉扎勒斯抢走，奇诺因此一直死咬着拉扎勒斯不放。无论这一剧情是否会被某些有心人添加任何政治方面的色彩，唐尼的大胆出演绝对是让人们走进影院的最佳理由。向来扮什么像什么的他，这一次戴上了又短又卷的假发，蓄个络腮胡，外加几乎媲美当年劳伦斯·奥利维尔扮演奥赛罗的变妆程度，就这么演起了一个毫不在意变换肤色惹来的白眼，自信心超级爆棚的奥斯卡级影星。

　　再来看看片中的另一个配角——靓汤化身好莱坞撒旦的演出可以称得上是《热带惊雷》的另一个亮点。汤姆·克鲁斯又一次舍弃俊朗外表，甘做绿叶衬红花，将自己化妆成一个比任何想象都来得丑陋的电影公司高层——秃头、胸毛茂盛、啤酒肚，嘴巴不饶人，俨然一个恐怖分子的模样。更确切地说，该角色的创作可以很深入人心也很容易让人觉得乏味，但克鲁斯最终还是用令人意想不到的诠释方式使该角色成为片中的亮点，感觉多少看到了一些靓汤在当年金球奖最佳男配角得奖作品《木兰花》(Magnolia)中的影子。

　　荒唐剧情不忘开涮好莱坞

　　除了以上所提到的，其他表演都没什么好值得大书特书的。就像在《超级名模》中一样，斯蒂勒依旧我行我素地做着各种脸部和肢体动作的夸张表演；而布莱克这个金发瘾君子兼庸俗喜剧之王早在电影开始前就花光了他所有的人气；杰克逊作为一名唱而优则演的说唱歌手也不过是刚到及格线而已，巴鲁切尔所饰演的新人随着剧情的发展越发黯淡无光。尼克·诺特（NickNolte）倒是饰演那个头发灰白的战争控的完美人选，他正是“史上最贵越战”灵感的启发者，一切都归功于他那本自传著作。不足的一点在于，该角色的发展也并不让人满意。

　　片中还有另一个值得一提的角色，那就是布兰登·苏·胡(BrandonSooHoo)，这个仅12岁的小孩竟摇身一变，成为海洛因制造集团——火龙集团那个凶残且嘴叼雪茄的贩毒头目。顺带一提，斯彼得曼（斯蒂勒饰）在遥远的东南亚地区出名的原因不是他的动作电影，而是他为冲击奥斯卡而挑战新戏路的作品——《辛普·杰克》（斯彼得曼在戏中扮演一名能和动物讲话的精神病农夫）。当他们在丛林中被埋伏之后，斯彼得曼不得不为匪徒们的“篝火晚会”再演该角色以供娱乐，而拉扎勒斯用颁奖典礼的腔调宣布“农夫”出场的正经样更将喜剧气氛推向一个新高点。

　　斯蒂勒导演功夫仍平凡

　　虽然摄影师约翰·托尔（JohnToll）的精湛技术美化了影片的视觉效果，但是斯蒂勒的导演功夫仍非常平凡。片中最刺激的地方也莫过于无止尽的枪战、爆炸、暴力动作场面以及靓汤不饶人的嘴上功夫，也由此使该片即使在角色与剧情上只停留在影片开始给观众以新鲜感，随后再无空间发挥的情况下，也能呈现出一片热闹活跃的景象。总的来说，技术上是无可挑剔的，除了部分背景乐的选择有点过分熟烂之外。

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安静的开头，宿命感。和埃斯图里卡的电影中的消解嘲讽是完全两种态度。

什么时候再好好看一遍。





    《暴雨将至》是电影与摄影专业科班出身的并以各种优秀MTV短片获得各种荣誉的马其顿导演米尔科-曼彻夫斯基的电影长片处女作。这部在1995年威尼斯国际电影节和蔡明亮导演的《爱情万岁》共同捧得金狮奖的作品不仅是独立以后的马其顿共和国的第一部电影，同时也是第一部获得奥斯卡外语片提名的马其顿电影。
    《暴雨将至》画面优美，音乐动听，但故事是伤感而无奈的，电影中的人物反复说快下雨了，天边轰响的雷声也在渲染着暴雨将至的氛围，一直到影片结尾，大雨才倾盆而下，始终压抑的情绪在那一段得以释放。
    从基耶斯洛夫斯基的《盲打误撞》以来，导演们开始尝试用新的叙事结构来拍摄电影，曼切夫斯基在《暴雨将至》当中，就把一个问题分成三个部分，在不知不觉的模糊了时间上的先后顺序以后，巧妙的将故事连成一个圆形。曼切夫斯基也和库斯图里卡或者安哲罗普洛斯一样,在他的镜头下,表达的是对于冲突的悲愤,无奈和痛苦。
    电影《暴雨将至》影片由三个既独立又相互关联的部分组成，三个故事独立成篇又相互渗透相互影响。无论是故事的主题升华和人物的个性塑造都在这种结构独特的三段式影像中形成有机的紧密联系的整体。
影片的背景是笼罩着内战阴影的马其顿和巴尔干半岛，整个故事因为形式的错乱而变得有些轮回的宿命，充满了不可抑制的惶惑，影片里人与人的关系也是微妙错综，没有正面的枪林弹雨但是每一次开枪都有惊人的震撼力。每个故事虽然最终都朝向绝望和死亡，但看完之后却有另一种无能为力的忧愤在内心生长。



    第一部分：WORDS （语言），一个发过默誓的东正教堂小神父柯瑞藏匿一个出逃的异族少女萨米娜，他们之间的一段不可能的爱，他们无法通过语言沟通，却能看懂对方善意的举动和惊恐的眼神，少女最终死于哥哥的枪下，爱情如鸟一般飞过。
    导演展现给我们的，是仇恨已经超越了信仰和宗教，凌驾于一切之上。仇恨与随之而来的复仇行动就是他们生活的全部。原本民族之间的仇恨早就被仇恨本身的巨大力量所覆盖，仇恨便是行动本身，言语在仇恨面前失去了力量，毫无反抗的余力。这也使得柯瑞的沉默更像是一种坚持不懈的对抗。面对美景，我们可以默默欣赏，不去赞美。面对仇恨，我们可以默默承受，却无法不去反抗。
　　故事中，支持柯瑞神父反抗的力量是爱情。他抛弃了名字、信仰、誓言和宗教，只是为了守护这个女孩，总有些人和情感超越其他虚无的事物真实存在。

    第二部分：FACES （面孔），描写了伦敦女编辑安妮要在她的两个爱人之间作选择的故事；居住在伦敦的安（Anne）看似与马其顿发生的一切毫无关系，我们却在镜头下看到她的生活逐渐被遥远国度发生的暴力影像、改变。她是柯瑞远在伦敦的叔叔亚历山大•科特的恋人，是一个摄影师，为了亚历山大的即将离去而伤心不已。亚历山大独自回到前途未卜的家乡，而安妮的丈夫也中弹身亡。
    面孔是辨识一个人的重要标志之一。安妮曾经两次对着对面人的脸，却难以辨认。一次是在出租车上，面对执意返乡的亚历山大，一次是面对餐厅里脸被打烂的尼克。暴力的存在，让人们一次又一次对世界的面容难以辨认，只得任凭原本那个美好、平和的面容眼睁睁地渐渐模糊。

    第三部分：PICTURE （照片），描写了身心疲惫的摄影家亚历山大“回归”故乡却死在亲人手中的悲剧。镜头回到第一部分的开始，我们终于清楚的知道故事的前因后果，女孩逃到了神父的住所，尽管后来也逃不开死亡的宿命。多年未回家乡的亚历山想去找到他儿时的梦中情人汉娜，而汉娜则是一个阿尔巴尼亚人。汉娜与他也像闰土与鲁迅一样无法进行交流。汉娜的女儿正是第一部“语言”里的萨米那。亚历山大执意要将萨米那救出，结果被自己的朋友枪杀了。而萨米那则继续逃亡，成为了第一段里的故事。
    爱情降临在柯瑞和亚历山大身边的方式很像。他们都心里想着心爱的女人（萨米娜和汉娜•哈里里），梦见她们在暴雨降临之夜出现在窗前，午夜惊醒才发现她们真的就在眼前。只是窗外还未下雨。萨米娜让柯瑞懂得反抗民族之间的鸿沟，汉娜恳求亚历山大为营救她的女儿萨米娜做些什么事情。
    萨米娜明知道会被杀死，还是义无反顾地追随柯瑞的脚步而去。爱情让她不再惧怕死亡。她从开始的四处躲藏到最后的欣然赴死。临死前的她，竟然是微笑的，心满意足的。把手指轻轻放在嘴边，示意柯瑞可以不用说话。虽然她仍旧听不懂男孩的告白，但是此刻的宁静就是他们爱情的最佳见证。

    导演以一种独特的叙事方式展现了一个交织着种族仇杀，职业道德，犯错与救赎的故事，　　每一个故事的起点也许就是另一个故事的终点。在每一个轮回中有着无法消弭的杀戮和仇恨，也同样也有着伟大的爱。影片并没有迷失在对时间和空间的探索之上而忽略了主题的表述，而是将一个包含了三次极具冲击力的暴力事件以一种摄人心魄的方式完美地呈现在观众面前。
    三个故事殊途同归，隐含着一种轮回和动荡不安，在人物的交错纵横中揭示战争的悲剧。曼彻夫斯基对秩序化的叙事进行了突破，三个段落的不断重复、类比、呼应和消解，真正解放了叙事。曼彻夫斯基认为《暴雨将至》是要述说在这世界的任何一个地方都可能有战争的引发和暴力的存在，他强调这部影片“不用语言而用形象来叙述一个故事。” 那些语焉不详的部分正是导演曼彻夫斯基企图超越的部分，时间在一次次突如其来的暴力事件面前黯然逃遁，毁灭了一切。

    巴尔干半岛历来被称为“欧洲的火药桶”，原属于塞尔维亚的马其顿夏季最高气温可达40摄氏度，冬季最低气温又会低至零下30摄氏度。冰冷的死亡和炽热的情感注定在这里的土地上繁衍生息。在这个长年被战乱困扰的国家，暴力带来的阴影早已成为了人民生活的一部分。在电影中随处可见的是7、8岁的孩子拿着比自己还高的枪械，这就是他们的护身符和玩具。
    在马其顿和其他情况相似的国家，制造暴行的并非什么受过特殊训练的军人，都是一些平民。举起枪，他们就是杀人不眨眼的凶手，放下枪他们就是慈爱的父亲，顾家的丈夫，孝顺的儿子和讲义气的兄弟。最可怕的就在于，仇恨的暴行已经深入他们的生活，成为生命中一个重要的部分。这不是签订一个停战协议就可以轻易解决的问题。

    基于不同的叙事动机和叙事主题，影片三个段落分别使用了不同风格的光效。影片的第一个段落（主要在修道院）光的主调趋向于表现性光效，而且多用侧逆光，以强调主人公的轮廓之美；第二个段落（酒吧）以戏剧光效为主，不打顶光，低角度的底光和侧光，使我们感到潜在的威胁；第三个段落由于取景于马其顿山区，则基本上属于自然光效。尽管三个段落的光效有着不同的变化，但始终以主人公的脸部为主，流露出的依然是曼彻夫斯基对人类自身生存状况的关切。
    电影的音乐也很好的为影片服务,巴尔干风情表露无疑,也跨越了音乐的古典与现代、国家与种族的界限。宗教乐、摇滚乐、马其顿各民族/民间音乐的使用，使得全片始终行进在“暴雨将至”的氛围之中。吉他、鼓乐、钢琴、人声合唱，运用得丰富而又节制。

    “当鸟群飞越过阴霾天际时，人们鸦雀无音。我的血因等待而沉痛。”这是电影开头引用的诗句，描写了暴雨将至前令人窒息的静谧。除去暴雨前阴霾的天气，诗句中还有种难以言表的沉重和孤雁哀鸣般的悲伤，仿佛将要到来的不只是暴雨，而是如暴雨般肆虐，倾覆家园的死亡。这是一直萦绕在电影中的情愫，也是在导演心头挥之不去的阴云。
    安娜在伦敦的天主教堂里听到孩子们的唱诗不禁驻足，马其顿的柯瑞也在教堂中的祈祷仪式中带着崇敬的眼神望着耶稣的画像。《暴雨将至》以一种不怎么合乎逻辑打破传统的表述给观众以一种非同寻常的前所未有的观影体验，导演在无望的爱情和民族的仇恨之间，也用精致唯美静谧的画面展示着马其顿天空中的点点繁星和苍穹下的如画大地。
    我喜欢第三个故事中那两只小山羊出世的过程，在这个到处是死亡的地方，依然有生命不断的降临，依然为生活奔忙。这便是生生不息的希望。




　　
　　曼彻夫斯基不想扮演一个叙事意义上无所不知的上帝，也不希望观众仅仅被动地获得圆满完整的体验。而这正是后现代电影叙事的主要特征之一。影片的第一部分“语言”的开头正好连接在第三部分“照片”的结尾之后，这一段的故事的内容描写安妮匆匆感到马其顿，正好目睹了她的情人亚历山大-柯克被枪杀。而在第二部分“面孔”里，安妮用放大镜审视着影片中那位按照前后逻辑应该还没有被枪杀的阿尔巴尼亚族少女桑米拉的尸体的照片。活着的人早死了，死去的人依然活着，时间发生了短暂的混乱，可是并不影响你对现实的判断。只是说，时间被充满疑惑地悬置起来(有人说，这正是后现代的特征，历史感的丧失)，或者说放大，岩壁上的“Words”——时间不逝圆圈不再(物化的时间审视着真实时间——这个世界正在发生的一切)，衍生为空间，被强调和突出。暴力刺痛了整个世界。
　　
　　　　对时间无限崇敬的普鲁斯特按照自己的记忆重现时光，而曼彻夫斯基显然不满于重新组织时空，他要捕捉的是时间共存并置的可能，他是否受到爱因斯坦的相对论时空观的影响，我们不得而知。(后现代艺术产生的原因，当然跟宇宙观的变化有关，跟“地心说”、“日心说”直到爱因斯坦的后现代宇宙论以及后现代的光纤电缆取代现代铜制电线有着密切的联系，)曼彻夫斯基将三个故事拼贴在一起，你可以从任何一个故事开始，但是你无法让三个故事形成必然的联系和得到一致的结果。
　　
　
　　当全片行将结束，莎美娜逃往一个东正教修道院，影片这时把一开头基卢修士和主教说话的镜头原封不动地又回放了一遍，观众至此恍然大悟：原来整部影片独立的三个部分其实是一个相扣的循环。然而其中又有一部分仔细的观众会发现：根据影片当中的某些情节，这个循环是不可能成立的。比如在莎美娜逃往修道院时，亚历山大已经死了，不可能再出现在FACES和PICTURES这两个故事中了。这个时空错乱的循环既印证了片中多次出现的一句话——“圆圈不是一个圆”，也让整部原本看似很沉闷的影片徒然变的耐人寻味起来。
　　　　
　　这个不合逻辑的循环很不幸地影射了两个现实：仇恨和爱情。当然，这两者是电影的永恒主题，但《暴雨将至》完全反向地诠释了这两个主题。在前南地区，民族矛盾是如此激烈，激烈到民族间的仇恨甚至会让人失去理性去射杀亲人。民族仇恨就象这个循环，没有起点，没有终点，强制的统一没有用，战争没有用，联合国没有用，只要哪怕一点点过节发生，一切又转入这个打不破的荒唐循环，“圆圈不是一个圆”，永无和平的一天。而爱呢？我们看过太多浪漫美好皆大欢喜的爱情，而在《暴雨将至》的三个故事描述的全是绝望的爱情：不浪漫，不美满，永远不会有结果。在那里，有太多的阻碍让人不能得到美好的爱情：宗教的，民族的，道德的，战争的……，一个个人，一代代人皆是如此，荒唐地循环往复，圆圈依旧不是一个圆。《暴雨将至》很无情地打破了传统的电影美学，与人一种异常的心理体验。

[ 本帖最后由 schiff 于 2010-3-1 20:10 编辑 ]

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不喜欢这种片子，美国人喜欢这种东西？

还有邦尼和克莱德。这种抢劫就是就是自由，平等？

又长又闷，漏洞百出，装腔作势，真感觉是烂片呢。




本片改编自真实事件。1933年，江洋大盗约翰•迪林格（约翰尼•德普 Johnny Depp 饰）与同伙约翰•汉密尔顿（杰森•克拉克 Jason Clark 饰）持械劫狱，从印第安纳州监狱中成功救出抢劫团伙成员，包括“漂亮男孩”弗洛伊德（查宁•塔图 Channing Tatum 饰），“娃娃脸”尼尔森（斯蒂芬•格拉汉姆 Stephen Granham 饰）等，并藏身腐败警察马丁（约翰•迈克•鲍格 John Michael Bolger 饰）的农宅。马丁说服迪林格藏身芝加哥，寻求黑帮保护。在一系列银行抢劫活动中，迪林格爱上了芝加哥女职员比莉•弗雷凯特（玛丽昂•歌迪亚 Marion Cotillard 饰）。与此同时，联邦调查局探员茂文•普维斯（克里斯蒂安•贝尔 Christian Bale 饰）被上司胡佛局长（比利•克鲁德普 Billy Crudup 饰）提升，在美国第一次“打击犯罪战”中誓将迪林格捉拿归案。行动中，随着迪林格的势败，联邦调查局却日益壮大……　



　   昨晚上去看这电影纯粹是个意外。上个星期看变形金刚的时候晃过了它的预告片，当时只觉得是一部有大变态约翰尼德普，蝙蝠侠和曼哈顿博士的摄影乱七八糟，内容稀里糊涂的犯罪片。等美国军队和擎天柱们把我脑子搅的翻江倒海以后早把它忘得一干二净了。可一哥们老惦记着它，夜里没事儿就遛到了电影院。
　　
　　就这样，不知道导演编剧作曲是何方神圣，连预告片都还没有看全，除了演员之外没带着任何偏见看这电影（一堆男人，也提不起我兴趣）。看到一多半的时候，我就心想，这片子我给六颗星。
　　
　　 电影前半段有点不着调。只见着Dillinger和他的同伙们神不停佛不挡的在监狱和银行间闲逛，自自在在的把警察当狗遛，顺便泡了个妞。摄影比预告片还乱七八糟，人物没得一点生气，总之完全不知道这个电影想干什么。一直到他第二次越狱的时候才让我有了方向：这是一个人，一群人，一个时代走向终结的悲剧。
　　
　　如果对二三十年代美国历史不太了解的话可能看这电影会有点不着调。从二十年代禁酒令开始，暴力犯罪在媒体的推波助澜下几乎成为了美国大众生活的一部分，一大批曝光率极高的怪盗被偶像化成为了路人皆知的名人，这些“公众敌人”（public enemies这个词出自曼哈顿博士演的那位胡佛局长，FBI的创始人）是大萧条时期最让人着迷的社会怪象之一。那些无法无天，凶煞嚣张的歹徒在那个希望破灭的时代被当成了公众逃避现实的幻想对象，还有民众认为是银行的贪婪导致了大萧条，那些银行抢劫犯就变成了以暴力对抗腐败和权威的象征。许多大名鼎鼎的罪犯在各种各样的演义和传奇中都被变成了神话，像邦尼和克莱德，baby face奈尔森， Al Capone, 当然还这这部电影的主角，John Dillinger。
　　
　　电影没有任何引述背景的字幕或介绍，直接跳入了大萧条最严重同时也是罗斯福上任的1933年。这部电影比大部分声称“根据真实故事改编”的电影要更贴近史实，因为它抓住了那个时代的精髓：随着罗斯福的新政和整个社会结构在大萧条中的转型，传奇式的暴力犯罪时代即将结束了，高度组织化的经济犯罪成了“新潮流”，Dillinger们这样罗宾汉式的侠盗就成了旧时代的象征。他们不仅是警察的眼中钉，吸引了太多镁光灯的他们更成了让过去的同伙如芒在背的麻烦。曾经的“safe haven” 将他们拒之门外，獠爪日显的FBI更是倾力的逮捕他以树立声望. 强敌的追剿，朋友的出卖，被逼入墙角的Dillinger做着一次次漂亮但也绝望的挣扎，虽然结局早已经没有了悬念，然而他的一次次反击却成了他们的时代精神最后的强音：游侠式的自由自在，蔑视一切的狂放豪情，这一切都随着他的倒地消逝了。接踵而至的是FBI代表的大政府的崛起，高度统一化和组织化的社会让以暴力对抗权威的精神从此销声匿迹, “英雄”变成了在海外为美国夺取光荣和利益的军人，领导游行的民权领袖和摇滚歌星，像约翰迪林杰那样漂亮的翻过柜台的身影永远的消失了。
　　
　　人物性格的模糊我认为是导演有意的。上面我也说了，电影对史实忠实到了让人有看历史片的感觉，而对历史最准确的把握，是对时代更替的掌析。FBI的一步步壮大其实是美国走上帝国之路的缩影，曼哈顿博士演的（不知道那家伙叫什么，反正就认得他是他个大蓝人）的胡佛局长，一个急功近利的官僚几乎是片子里唯一符合传统审美习惯的人物，他是有性格的（虽然戏份很少），因为历史在他这样的人的手中；其他的角色，都是只有特点但没有真正的性格，不管是Dillinger 还是Purvis，他们都不是创造历史的人，一个陨落，一个功成，跟他们本人是什么样的性格没太大的关系，只是被时代的大潮挟裹着走过各自的人生而已。
　　
　　约翰尼德普的表演是蛮成功的，平时充愣卖乖惯了，猛一下见他端着汤姆森狂扫还有点不习惯。Dillinger不是作为一个性格鲜明的人物出现的，而是作为一个时代的象征显现在一个人的身上。能细腻的刻画出时代交替中面对终亡宿命的人的痛苦挣扎和坚持，就已经成功了。
　　
　

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1838年，18岁的亚历山德拉·维多利亚登上英国女王的宝座，直到1901年去世，在位60余年。她是英国历史上统治时间最长的一位君主，她开创了英国历史上的黄金时代——维多利亚时代。
人们评价：没有一个坐上帝位的女人，像维多利亚一样，如此出色地完成了女王的职责，同时又拥有如此平凡的作为女人的幸福。

维多利亚时代是英国最辉煌和充满朝气的时代。
万国博览会，水晶宫，在世人眼里充满了童话的清澈的激情和梦想，"无上的荣光",这是女王参观后一直说的话。


女主角在“简奥斯汀读书会”中也有很好的表现。






失落童年

1819年5月24日，维多利亚降生在伦敦肯辛顿宫。为了让孩子在伦敦出生。她的父母专程从巴伐利亚长途跋涉回国。 爱德华对这个结实健康的头生女的降生欣喜若狂，而对母亲来说，这个女婴是个特别的孩子。爱德华的妻子维多利亚出身于历史悠久的德国名门萨克森·科堡皇族。第一次婚姻给她留下两个孩子，但只有这个小女婴才有可能登上大英帝国的王位。父母为她取名费尽了心机，最后定名亚历山德拉·维多利亚，一是表示对孩子的俄国教父——亚历山大一世的尊敬，二是为了纪念她的母亲。

维多利亚的童年远称不上无忧无虑。她只有8个月大时，一向健壮的父亲突患肺炎去世。在他死前不久，一个星相家曾对他说，王室中很快会有两个人死去。爱德华做梦也没有想到厄运会降临到自己头上。在匆忙宣布自己和孩子为王室的合法继承人后不久的一次打猎中，他受了风寒，从此一病不起，撒手人寰，留给妻儿的只是沉重的债务。

从此家里开始节俭度日。小维多利亚总是穿同一套衣服。从小她就被灌输这样一种观念：女人频繁变换服饰不仅是挥霍浪费，而且是一种不良的品行。成为女王后，她在服饰上也一直很俭朴，王冠上价值连城的珠宝仅仅是为了显示对王权的尊重。

年满12岁时，维多利亚第一次知道了怎样的辉煌前途在等待着她。她开始学习冗长繁琐的宫廷礼仪和许许多多的行为禁忌：不许和陌生人交谈，不能在外人面前流露情感，不得破坏规矩，不许按照自己的好恶选读书籍，不许吃定量外的甜品，等等。


少女国王

1837年6月20日，威廉四世辞世，他的侄女维多利亚即位。28日，18岁的维多利亚坐着金光闪闪的马车，前往威斯敏斯特大教堂参加加冕大典。紧张不安的维多利亚悄声问她的侍从：“求求你，告诉我，应该做什么？”那天，伦敦上空有黑天鹅飞过，遂有流言传出：维多利亚的王位坐不长。

然而登基后不久，年轻的女王就向世人证明：“请告诉我，应该做什么”这样的惶恐不安已永远成为历史。女王很快就展现出她的政治才能。新任首相墨尔本勋爵向女王建议，更换她身边的两个女侍，理由是两人的丈夫是效忠前政府的。年轻的女王这样回答：我不会换掉其中的任何一个，我对她们的政治观点不感兴趣，因为我不需要和她们讨论政治问题。

维多利亚在青少年时期就熟知各种典章律法。她充分了解自己承担的义务。她从未试图修宪，也从不漠视政府做出的决定，但这并不意味着政府官员们可以在女王面前敷衍了事。因为，女王深知自己的权力所在。在写给政府的诏书中，女王不止一次用威胁的口吻提到，如果政府不充分尊重她的权利，那么大臣们就有被免职的危险。

1839年，年轻的俄国皇太子、未来的亚历山大二世，来到伦敦庆祝维多利亚20岁生日。21岁的皇太子英气勃勃、彬彬有礼、风流倜傥，尤其是他身着军装时的潇洒风度，在伦敦上流社会的名媛淑女中引起了不小的骚动。女王也并非心如止水，在宫廷舞会上，她把第一支和最后一支舞曲都留给了这位皇太子。这难道仅仅是出于对一个大国的尊敬和礼貌吗？激动不安的女王私下向首相的妻子承认，亚历山大对她产生了巨大的吸引力，他们已经成为亲密的朋友。

但是这段感情很快就无疾而终了，女王对俄国王位继承人所表现出来的特殊兴趣引起了英国政界的不安。首相墨尔本劝说女王要与俄罗斯保持距离，女王的顾问们也一致赞同首相的观点。他们认为，俄罗斯的实力在不断增长，对大英帝国构成了巨大的潜在威胁。游说有了结果，1840年1月，维多利亚在议会上宣布，她很快就要结婚，未来的丈夫是阿尔伯特·萨克森·哥达亲王。他是维多利亚的表哥。他们是由同一个接生婆接生的。不过，直到维多利亚已经是年满16岁的如花少女时，他们才第一次见面。并很快就成为密友。

女王夫妇在温莎城堡度过了蜜月，尽管蜜月最后缩短为两个星期，但这段不被打扰的安静岁月仍是女王一生中最幸福的时光。

幸福女人

维多利亚女王并没有世俗意义上的美貌，但她的脸透出一种聪慧，一双明亮、有些凸的大眼睛充满求知的欲望。女王年轻时十分苗条纤瘦，她一生都在努力保持一副好身材，但不太成功。照片上的女王雍容华贵，可见，她完全掌握了如何使自己看起来体面的艺术，虽然她曾不无幽默地说，我的个子，对于女王来说，是太矮了。

女王的丈夫是一个极具魅力、举止优雅的男人。他学识渊博，被称为“走动的百科全书”。他兴趣广泛，酷爱技术、绘画、建筑，还是一个出色的击剑师。如果说维多利亚对音乐的欣赏只停留在轻歌剧，那么阿尔伯特则具有高雅的音乐品位，他精通古典音乐。不过，这丝毫没有影响到他们的夫妇关系，他们被公认为是一对模范夫妻：彼此忠诚，相敬如宾，甚至从未对彼此说过有损夫妻关系的激烈话语。

婚后，女王立刻开始孕育下一代。1840年，他们的第一个孩子诞生了，是个小公主。“亲爱的，你满意吗？”维多利亚醒来后，问丈夫。“当然，我亲爱的，但是英国民众是否会有一点点失望呢？”“我保证，下次一定是个王子。”一年后，女王果然生了儿子，他就是后来的爱德华七世。

维多利亚一生育有9个孩子，但由于是近亲通婚，4个王子中的3个都是血友病患者，所幸5个公主个个健康美丽，但也是血友病基因携带者，她们与欧洲王室联姻的结果是使这一可怕的疾病在欧洲王室中蔓延。

1856年 ，女王向首相提出，希望在宪法中承认和巩固阿尔伯特亲王的地位和权利。议会在拖了一年以后，阿尔伯特亲王才获得了“王夫”的称呼——即在位女王的丈夫。

女王力图提高阿尔伯特地位和威望的举动，是因为她是一个深爱和忠于自己丈夫的女人。最初，女王曾不无自我解嘲地说：我阅读和签署各种文件，阿尔伯特则用吸墨纸将我的签名吸干。但随着时间的推移，亲王对维多利亚以及国事的影响力不断提高，正是亲王对科学技术的热爱改变了女王对各种新发明的偏见。例如，当时在英国北部铺设了火车轨道，但女王害怕坐火车，是亲王的鼓励使她认识到铁路运输无可限量的前途，使她成为在国内推行工业化的坚定倡导者。1851年，由于阿尔伯特的提议，在伦敦举办了第一届世界博览会。为了迎接这次博览会，在伦敦海德公园建起了用玻璃装饰的巨大钢结构建筑——著名的“水晶宫”。

永失我爱

虽然王宫里不喜欢阿尔伯特亲王的人不少，认为他是个吝啬、性格古怪、惹人厌烦的书呆子，但从没有人怀疑过他们婚姻的牢固程度。因此不难想象，当阿尔伯特亲王42岁英年早逝时，对女王是何等沉重的打击。失去他，女王几乎失去了一切。作为女人，她失去了爱情和深爱的丈夫，作为女王，她失去了挚友、谋臣和助手。在女王厚厚的书信集和日记中，你找不到哪怕一件他们观点有分歧的事情。

女王离开伦敦，将自己禁锢在房间里，外面的世界对她已经没有任何意义。“世界已经死去了”，她在给亲戚的一封信中这样写道。女王很长时间没能恢复过来，黑颜色成为她余生40多年衣服的主色调。她脸上的表情经常是悲伤的、冷漠的，有时呈现出焦躁不安，那背后隐藏着的是她对丈夫的永恒怀念。

维多利亚女王写了厚厚的回忆录，来纪念他们的共同生活。在她的倡议下，英国各地建起了规模宏大的文化中心、滨河大道、桥梁、造价昂贵的纪念碑，以表达对阿尔伯特的纪念。女王自己承认，她余生的所有意义就是为了实现丈夫未竟的事业，“他的观点就是我的法律。”渐渐地，女王的这种心态引起了周围人的不满。经过艰难的内心斗争，女王终于醒悟过来——回到她所应承担的义务和责任上来。

铁腕君主
许多人认为，女王经过这样的打击后，她将只是一个受人操纵的木偶。但是他们错了。维多利亚是一个悲伤的寡妇，但同时也是大权在握的君王，这双重身份彼此毫不影响。由于她的调停，俾斯麦在法国和普鲁士战争中放弃了轰炸巴黎的计划。维多利亚女王是对爱尔兰实行铁血政治的坚定支持者。她一生共遭遇过6次谋杀，全都是爱尔兰人策划的。他们见刺杀女王无望，就炸毁了阿尔伯特亲王的雕像。女王悲痛万分，就好像炸掉的是活生生的阿尔伯特亲王本人。

维多利亚时期，是大英帝国对外领土扩张最辉煌的时期，为了扩张领土，女王不惜使用一切手段。而这，正是从丈夫那里学到的：阴谋、收买、强权、先下手为强、武力攻占。1857年，英法两国争夺苏伊士运河的统治权达到白热化的程度，但是一场设计巧妙的阴谋使英国获得了苏伊士运河的控股权，法国只能乖乖地退让。第二年，在大英帝国沿海殖民地的版图中又增加了印度——帝国王冠上的一颗明珠。英国还让俄国在1877～1878年与土耳其的战争中的胜利果实几乎化为乌有。当时，俄国军队离伊斯坦布尔只有一步之遥，俄土双方签订协议，将巴尔干半岛的一部分土地归属俄罗斯。而维多利亚不希望看到俄国势力深入到巴尔干半岛，她以武力和外交双重施压，迫使俄罗斯做出退让。女王当时已经是60岁了，但她是这场较量的真正赢家。

流水落花

女王日渐衰老，她原本就不很谦和的性格愈发暴躁。她无休止的挑剔和不满已经使她的大臣们难以忍受，女王的孩子们也有同感。维多利亚是一个严厉的母亲，对亲人表现出令人难以置信的吝啬。长子爱德华因为送给妻子贵重的首饰而受到惩罚——女王十分妒忌儿子儿媳表现出来的伉俪情深。当爱德华结婚时，许多人都认为，女王将很快让位，但是，不停抱怨国事操劳的女王却并不急于逊位，结果让爱德华整整等了40年！

1900年12月，整个英国都在纪念阿尔伯特逝世38周年。每年这个时候，女王都会在日记里写下相同的话语：“你的去世是一个巨大的悲剧，我的人生从此支离破碎。”这一次，女王似乎预感到自己末日的来临。

她感觉很不好。当时的糟糕天气不适合去海边，但女王坚持去了怀特岛——她和阿尔伯特喜爱的地方。许多年以前，在这里，阿尔伯特从事他心爱的园艺，他们身边围绕着可爱的年幼儿女。在这个幽静的地方，维多利亚写下了遗嘱，写下了自己葬礼的细节，她吩咐死后给她穿上白色的衣裙。女王不希望死在温莎城堡，那里到处是过去生活的影子。1901年1月22日，维多利亚女王卒于怀特岛，享年82岁。

英国人听到她的死讯，简直就像是世界末日来临。即使是国内最恶意的批评家也无法否认，在维多利亚统治期间，国家空前团结，英国成为一个强大的帝国，并不断壮大发展。这是女王给英国人留下的最好遗产，也是对她一生政绩最有力的评价。没有一个坐上帝位的女人，像维多利亚一样，如此出色地完成了女王的职责，同时又拥有如此平凡的作为女人的幸福。



影片改编自维多利亚女王的青年时代，从1836年她登基前一年开始到1840年她和阿尔伯特亲王结婚为止，影片着重描述的是她的爱情生活。
　　维多利亚的童年生活其实并不幸福，宫廷生活让她觉得厌烦和无趣。直到她的表哥——年轻而又充满活力的阿尔伯特亲王走进她的生活——一切就都改变了。从此维多利亚开始想象自己是一个普通的女孩开始追求自己的爱情和幸福。不过家庭和国家总是矛盾的，选择了一方就意味着要放弃另一方，因为在维多利亚之前的英国，女王才拥有至高无上的权力。而阿尔伯特亲王也陷入了选择的痛苦中，选择爱情，那就一定要接受一桩政治大于爱情的婚姻——因为做了国王，就意味着没有自由、没有办法主宰自己的命运。如果选择了政治，那么他并不是女王对合适的结婚对象。两个年轻人就在这种痛苦中煎熬着。1837年，18岁的维多利亚被命运推上了王位，虽然她并不想这样，但是她还是默默承担起了一个国家领袖的重任。3年后，她和表哥阿尔伯特亲王结婚，之后开创了一个强大的帝国。




Prince Albert： Thank you for reminding me that I am a guest 。
　　阿尔伯特亲王：谢谢你的提醒，我只是个客人。
　　（女王的侍女长认为亲王不应该对白金汉宫的管理提出意见，并说我们大家都是客人）
　　Victoria: I wear the crown. And if there are mistakes, they are my mistakes. And nobody else will make them.
　　维多利亚：皇冠戴在我头上。除了我，谁都没有犯错的权利。
　　（维多利亚希望阿尔伯特亲王认清自己在白金汉宫的地位）

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[ 本帖最后由 schiff 于 2010-10-24 20:08 编辑 ]

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韩国的暴力片给人的感觉总是不那么暴力，还带些诗意，一脉相承？一种市场检验过的风格？老男孩，亲切的金子，到这部都是如此。
到目前为止，我都能兴味盎然的欣赏，但如果再遇到四五部这样的片子，还会这么有趣吗？





人人都有梦想，杀手也不例外。这个杀手(申河均 饰)的梦想就是希望自己有朝一日能够像像斗牛士一样风光，得到赞誉和认可，当然，最主要的是要能讲一口流利的情话，“如果讲话不利落就不要讲，你真是难堪极了”，这样的话他听的太多了，上天给了他一身杀人的本事，却没有给他一条好舌头，然而现在事情有了转机，自己的舌头问题可以通过整形手术获得解脱，但是前提是肯出一亿韩元的天价费用。
　　为了凑钱，他决心好好发展一下自己的事业——只有努力杀人才是王道。接下来，生意的单子如雪花般的扑面而来，而他也陷入了深深的苦恼之中，这么多人命去修补自己的一条舌头，值得么，自己和屠杀者有什么两样？无限的懊恼和悔意从心中涌起。就在此时，一个绰号“芭蕾”（金珉俊 饰）的前辈出现了，并且给了他一个的忠告，可以挑那些没教养的家伙下手，让那些随手乱丢垃圾，不尊重长辈的人先一步下地狱，杀手就应该像一个清道夫，把那些垃圾一样的败类全部清理掉。
　　“芭蕾”和杀手的合作开始了，除了能给自己赚够钱去做整形手术，也能肩负起更大的“社会责任”，杀手乐此不疲，他的身影开始奔走于城市之间。有时他为了洗刷身上的太浓的血腥气，经常到一家酒吧喝烈酒，由于职业和言语的关系，让他和人群彼此隔离着，但内心的徘徊和孤独却始终挥之不去，而恰恰在这个时候，一个不嫌他沉默的女孩（尹智惠 饰）闯进了他的世界。
　　与此同时，“芭蕾”得到一笔大买卖，只要做完这一单，不但自己的手术费用可以解决，就连下辈子的生活费就不成问题，包括能和自己心爱的人一起去西班牙，可问题也出现了……


本片的形式和幽默方式非常独特，电影走的是黑色电影路线，深色的皮衣下戴着一副墨镜出场的杀手很酷，但下一个镜头，他一张嘴说话，便把本来已经烘托很好的氛围毫不留情的打破了。开局的时候，导演的意图很明显，任何人都缺点，而且让本来都是走悲情路线的杀手的故事也不至于太过沉重，但导演也会镜头一转，传达出另外一个信号，有些人为了摆脱自身的自卑感，除了拿起枪外，别无它选，就像喉咙里有伤一样，笑过之后那种只有自己才能体会的苦涩也夹杂其中。
　　〖申河均淋漓尽致的演绎〗
　　实际上，本片中的申河均台词只有一句，除此之外的台词都是通过旁白叙述的，而这些旁白在电影拍摄之前就录好了，所以拍摄的过程中就要求演员必须按照这个感觉来表演，所以实际电影拍摄中，所有的插入录音都需要原封不动的记在脑子里，这样才能准确无误的和磁带节奏吻合。这无疑对任何人来说都是一份艰苦的工作。但所有的演员都做到，十分不容易。除此之外，为了更真实表现很多情景，申河均曾亲自嚼了数个极品辣椒，挨过真实的鞭子挨打，最后痛得无法坐下；可以说，《没教养的家伙》正因为有了申河均才能成功，懦弱和狂傲，单纯和冷酷的双重形象在《我要复仇》和《拯救绿色星球》都能找到，申河均找到了属于自己的表演方式，2005年主演的《欢迎来到东莫村》和《请在鼓掌的时候离开》两部影片都创下了惊人的票房成绩，如果算上在《亲切的金子》客串演出，那么去年申河均一定是韩国票房最高的男星之一，这也奠定了一线实力演员的地位，同时他的格外沉默，他喜欢用他的演技来表达自己的世界观。“对这个喧闹的世界保持沉默是多么幸运！”这句话不但能概括申河均，也能概括本片中的杀手角色，完全恰如其分。影片中他在冷静寡言的同时，也给观众带来一些出人意料的感受，申河均和角色可以说完全是一体的，正因为这样，这个角色才能百分百的光彩十足。
　　〖金民峻挑战韩国第一个芭蕾杀手〗
　　优雅美丽的芭蕾舞和冷残忍的杀手结合，这恐怕是在任何一部杀手电影中都找不到的，可“芭蕾杀手”就在《没有教养的家伙》中诞生了，本片中的“芭蕾”以前是跳芭蕾舞出身，后来膝盖受伤不得不放弃，这才半路出家做了杀手。但他始终不忘自身的艺术气质，优雅的杀人技巧是他的特征。金珉俊为了演好“芭蕾”杀手，很是钻研，在拍摄之前他就请现职的舞蹈家黄英根做老师并接受了训练，在经过坚持不懈的练习和努力下，芭蕾舞的基本动作已经不在话下，在现场演出时连芭蕾舞教练和武术监导也连声称赞，因此“芭蕾”杀手也成为本片的亮点之一。
　　【花絮】
　　·杀手要干掉没有教养的家伙，那么什么才是没有教养的家伙呢，以下是一个衡量标准：
　　首先，我们周围存在很多没有教养的家伙，一天少说也能碰到一个。
　　具体表现为，刚说完十分钟后又开玩笑不管不顾的乱说；出去相亲盯着对方看；别人请客吃牛排，自己请客吃烤肉；全然不顾社区宣传板的通知随便涂写，用自己的照片把别人照片盖的严严实实；电影已经开演了，迟到还大踏步地跑进来；正在看电影却像苍蝇一样嗡嗡地高谈阔论；开车刚打起左转灯突然被人抢了先；欺负比自己弱小的人……
　　最后一条，舌头灵活，能熟练卷起来吹口哨的家伙，格杀勿论。
　　【精彩对白】
　　杀手：虽然最近枪支泛滥，可是我不能放下枪，因为那代表着杀手的生命力。怎么人们的口味变的喜欢枪了，真让人担心。不知道最近的子弹也涨价了吗。
　　女友：因为你舌头短，所以让我兴奋不起来，喂，你不只是舌头短吧？
　　【音乐】“芭蕾”死的时候放的背景音乐是《波丽露》

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还不错，80几分钟的长度也正好。
但美国人应该找只美国犬，拿这只日本秋田犬说事，总让人联想起美日之间的军事政治关系[s:97] [s:97] [s:97]




理察·基尔饰演的大学教授在小镇在车站上偶遇一只可怜的小秋田犬，它孤苦无依的身影惹起他的怜悯，虽然妻子（琼·艾伦饰）极力反对，但在女儿的强烈要求下，八公终于成为家庭一员，帕克为它取名“八公”。但女儿忙着谈恋爱，无暇照顾八公，所以养狗的差事便落到帕克头上。

　　八公陪着帕克全家一起成长，从小狗渐渐变成庞然大物。温文儒雅的帕克甚至趴在地上自己用嘴示范捡球动作给八公看，但却无法教会八公捡球回来的动作。

　　八公每天准时陪伴帕克上班，傍晚五点准时出现在车站门口迎接帕克下班，这可是他们的约会时光！在小镇车站站长，卖热狗的小贩，附近商店的老板娘的眼中这都是已经习以为常的画面；看到帕克从车站出来叫出那一声熟悉的“Hachi”，八公兴奋地扑上前去撒娇的样子，已经成了车站每天上演的故事。然而，在八公学会捡球的那一天，帕克开心且骄傲，但也是最后一次两人的珍贵回忆……

　　但是有一天，帕克在大学演讲时突然倒下，他因病死了，再也没有回到车站。之后，每天傍晚五点，八公都来到火车站里等候、凝视……第二天、第三天……从夏季到秋季，九年时间里，八公依然风雨无改，直到它最后死去。


幕后制作：

【历史上真实的八公】

　　《忠犬八公的故事》改编自1935年发生在日本的真实故事，1987年拍成日本电影，由仲代达矢主演，该片当年曾在日本引起轰动，创造了40亿日元的票房收入。新版本由《浓情威尼斯》和 《狗脸的岁月》的金奖导演莱塞·霍尔斯道姆执导。

　　八公日本历史上一条具有传奇色彩的忠犬，这个真实的故事发生在1924年，秋田犬八公被它的主人上野秀三郎带到东京，上野秀三郎是东京大学农业系的教授。每天早上，八公都在家门口目送着上野秀三郎出门上班，然后傍晚时分便到附近的涩谷火车站迎接他下班回家。这样的幸福生活一直持续到1925年，一天晚上，上野秀三郎并没有如常般回到家中，他在大学里突然中风，抢救无效。他死了，再也没有回到那个火车站，可是八公依然忠实地等着他。

　　上野秀三郎死后，八公由小林菊三郎收养，但八公常常从小林家逃出来，一次又一次回到从前住过的地方。八公犬并不了解主人已经离世了，一次次失望之后，它只是意识到他的旧主人已经不住在那幢旧房子。于是，它跑到涩谷火车站寻找旧主人，因为它记得以前就是在这里迎接主人下班回家的。每一天，它都默默地蹲在这里等候上野秀三郎，然而每一天，它都失望而归，来来往往的人群中并没有它望穿秋水的身影。

　　就这样持续了十年，八公每天傍晚准时出现在火车站里，准确无误地等候火车靠站。后来，上野秀三郎的学生在火车站里发现了八公，并跟着它回到小林的家中，从小林口中得知八公的故事。不久之后，这位学生在日本发表了一份关于秋田犬的调查报告，报告当中包含了八公的故事。1932年，这份报告刊登在东京一份最大的报纸中，八公成为全国的焦点，他对主人的忠实感动了日本人民，老师和家长都把八公作为忠于家庭的例子去教育小朋友，它教会了人民什么是爱和不屈不挠的忠诚，大家都称呼它为“忠犬”。

　　1934年4月，人们还在涩谷车站前为八公树立了铜像。八公“本犬”也出席了铜像的揭幕式。此后，铜像附近的车站入口就被称为“八公入口”。

　　在二战中，由于金属资源的短缺，八公的铜像被熔化。现在树立在原址的铜像是在1947年8月重建的。另外，在其出生地的大馆市车站前也有同样的一座铜像。

　　1935年3月，八公11岁时候因心脏感丝虫病而死亡。它死后尸体被制作成标本，保存在国立科学博物馆。

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实在兴趣缺失，美国的这种高中电影就是拍不出真实尤其是平实的感觉。
另外这中毒品的问题离我们也远了些，缺乏感同身受。



邓恩在学生心目中是个能力超强、和蔼友善的好老师，即使是在学校之外也是名声远扬，在街头同样受人尊敬。德蕾是个14岁的非洲籍女学生，她的家庭由于毒品问题而支离破碎。邓恩想帮助她，却提不出任何有用的建议。在一次篮球比赛过后的夜晚，德蕾发现了邓恩的秘密——他的手臂上有吸食毒品的痕迹，原来邓恩也是一个瘾君子。两个都被毒品折磨得烦恼不堪的人因此结下了一段超越师生关系的友谊，生活都有了戏剧性的变化。


《半个尼尔森》是一匹从圣丹斯电影节杀向奥斯卡的黑马，即使没能黑到最后（瑞恩高斯林以其出色的演技获奥斯卡最佳男主角提名），至少证明了美国独立电影的存在不容小觑。同样表现“救赎”的主题，影片所呈现的灰暗基调与颓废状态，跟我们惯常见到的好莱坞主流电影大相径庭，或许这更接近于生活的真实，只是在所谓的“正常情况”下被某些人刻意回避掉了。独立电影存在的意思恐怕就此，它让我们看到了好莱坞歌舞升平皆大欢喜结局之外的另一面，因为我们知道生活永远不止是阳光灿烂的日子，还有许多纷纷扰扰剪理两难的烦恼，甚至意料不到的灾难。你哪怕暂时可以装作看不见，但它终究还是实实在在地在某个角落存在的。

　　影片涉及的是已经成为美国乃至全世界公害的毒品，明知是罪恶的东西，由于人与生俱来的弱点还是经不起诱惑，身不由已地沉溺其中，毒品可能是世上最能折射甚至放大人性阴暗面的东西。其实片中人物要面对的不光是让他们无法容易脱摆的毒品，更主要的是现实生活中的各种压力，影片从更深处来讲，你能戒掉毒品，但你有勇气面对比毒品更让人失望的现实生活吗？

　　对于中学历史教师丹尼·邓恩，通常所说的“理想的破灭”恐怕属于比较抽象的理由，准确地说他是无法面对人前为人师表与人后孤独瘾君子的两重生活。他厌恶生硬僵化的教育体制，但为了生计，他还是要无奈地存活在体制之中。他循循善诱鼓励学生自由地思想，以辩证的眼光来看待历史看待生活，他给学生以希望，自己却沉溺于黑暗之中无力自拔。可以想象他吸毒的初衷可能是发泄对现实的不满，结果除了导致自己堕落外一无所获，真是莫大反讽。

　　德蕾的状况与丹尼大致类似，片中运用了大量的平行剪辑来暗示两人的同病相怜。她父母离异，哥哥因贩毒入狱，毒贩弗兰克假意来关心她，其实是试图让她替他贩毒，她明知道这是犯罪，但现实是除了走上哥哥的老路，她几乎已经无路可走了。于是，她“理所当然”地接替了哥哥的工作。她并非没有犹豫与困惑，可谁又能给她善意的建议，让她摆脱现实的困境走上正道呢？

　　与《迷失东京》一样，影片设置了一对同病相怜却在年龄经历上相差悬殊的男女。不过，比较两片可以明显看出本片在人物设置要复杂许多。首先，两人分别存在人种上的差异，其次，两人的关系是师生，而并非萍水相逢，更重要的是德蕾还是未成年人。这样的设置让“救赎”的主题产生许多微妙的变化：究竟谁会来拯救谁呢？

　　影片出现许多场景与人物来表现人物所处的生活环境，真实地反映纽约布鲁克林区居民生活的某个侧面。比如丹尼的家庭聚会，父母分别对他的嘲笑与鼓励，他与哥哥女友的简短对话。还有德蕾的母亲，这个疲于奔命的女人让我们看到处于美国社会底层黑人居民的生存状态。片中最戏剧化的场面是德蕾送毒品到酒店房间时发现买家之一居然是丹尼，两个不甘堕落又身不由已下坠的灵魂在这里意外遭遇，不需要任何多余的对白，两人心照不宣的无言以对，无论是强自镇定还是刻意自嘲，都足以令观者为之心碎。

　　影片名字叫《半个尼尔森》，而片中却无半个叫尼尔森的人。原来片名最初来源于迈尔·戴维斯的一首歌，反映了正是一老一少面对生活和现实的无奈挣扎。“半个尼尔森”原意指的是一个摔跤的动作。用导演瑞安·弗雷克的话来说：“这是摔跤中的僵持状态，但你可以逃脱，尽管这需要技巧。只是一个关于挣扎的比喻。”或许可以解释成人的生活状态进入一个瓶颈阶段，摆脱与堕落只在一念之间。影片最终给出一个看似光明实则暧昧含糊的结局，世上本来就没有什么救世主，谁也不是天使，谁也同样不能保证谁会在某个瞬间戏剧般的幡然悔悟，现实生活的变化总是缓慢而沉重的，毕竟罗马不是一天造成的。






当Dan知道Drey和Frank有联系时，他跑去找Frank，让他不要接近Drey，但Frank的一句“白人永远是对的，对吗？”就把Dan给说扁了，他依赖Frank，依赖Frank的毒品，从某种程度上来说他还不如Frank，对于Frank和Drey来说毒品不过是生存工具，如果他们有钱自然是会和这个危险的行当撇清关系。

　　Dan游离于梦想与现实之间，现实于他是有些残酷的，梦想的破碎，女友的离他而去，也许就是这一切让他无法离开毒品，毒品成了他逃避现实的帮手，当那次Drey为他送来毒品时，第二天他甚至无法面对他的学生和课堂，躲在吸毒的地方没有来上课，好在Drey并没有放弃他，而是去找他，使他重获信心。

　　能有谁不存在矛盾呢？我想生活中我们每天所面对的最大的矛盾就是现实与梦想的差异，许多人年轻时怀揣着梦想，可是随着年龄的增长，梦想就终于被柴米油盐这些平凡小事所消磨了。能有几个人在临终的时候说“我终于把这辈子的梦想都实现了，我死而无憾了。”？也许现实生活的确不尽如人意，但倘若我们对其失去了信心和希望，那我们就只能在生命的终点为丧失了年轻时的理想和干劲而挽叹！

　　影片的最后Dan和Drey两人坐在那儿会心的相视一笑，说明了一切。尽管现实不会因某几个人而改变，但我们不能失去改变现实的希望和信心，否则现实将永远与梦想脱离。

[ 本帖最后由 schiff 于 2010-2-20 17:54 编辑 ]

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蔡明亮的电影，不是有特别嗜好或品味实在独特的人还是少看为好。




一部有关爱情的电影离不开男人和女人，而一部有关后工业时期的电影，则离不开男人、女人和性别角色暧昧的人。台湾著名导演蔡明亮巧妙的利用这三种“有机元素”准确呈现了当代都市男女微妙而尴尬的两性关系，为女性主义的困境与希望“道破了天机”。
影片《爱情万岁》的主要人物不多：一个外貌俊朗的夜市商贩阿荣（陈昭荣饰），一个钟爱同性的纳骨塔推销员小康（李康生饰），和一个时髦开放的售楼小姐林美美（杨贵媚饰）。三个都是飘泊于台北繁华市井的单身青年，在匆匆的交往或交错中讲述那个关于感情的古老命题。
像大多数发达地区的职业女性，林美美过着衣食无忧、独立自主的生活，相比之下两位男主人公却逊色很多——这里，导演似乎营造了一种阴盛阳衰的景观。物质生活上，美美的职业在三个人中收入最高，拥有虽不豪华却也独立的个人居所，打扮入时……远远强于那两个居无定所、依靠贩卖推销度日的男人。社会地位方面，虽然他们三个都称不上“精英”，但一个出售豪华大屋的职员似乎要比夜市小贩和通过在茶餐厅散发小广告买骨灰盒的推销员更能在社会科层中占据较上端的位置。面对性接触——这是导演极具象征性的表现——影片中女性更是要较之男性主动，在美美和阿荣的两次幽会中，均是美美主动出击，处在掌握节奏进程的“控制者”位置上（传统的男性地位）；而作为男性代表的阿荣，无论是在他和美美的幽媾中，还是在小康的暗恋意淫中，都扮演着被动的角色；那个偷穿女装爱慕同性的生理层面的男人小康则夹在中间，他不能像美美大胆直接的从“相中”的对象身上得到满足，但可以通过自慰和偷吻、关注心上人获得补偿。更为有趣的是使三个主人公发生互动的那套待售房是美美的商品，阿荣和小康能侥幸寄居于此客观上还要“托”美美的“福”——这里女性成了豢养者，而传统社会中供养女人的男性在空阔的台北大屋成了寄“女”人篱下的被豢养者。
以上信息似乎表明女性解放运动数百年来对重构两性关系的影响——至少像美美这样的年轻职业女性能够和男人一样工作、外出、养活自己、获得大众认可，而且生活小康，甚至在某些方面要比同龄异性还强。
讽刺的是，三位同样孤独无助的男女中，美美因为职业和生活的优势而愈显可怜。她拥有自己的公寓，销售形形色色的房屋——房子，广义上是“家”最形象直观的表象，成家的关键元素之一，但她无家，不仅无家而且无伴，生活在空屋子里边吃盒饭边讲电话中，在傍晚西门町的闲逛中，在自己公寓的匆匆一宿中，在和陌生异性的一夜情中漠然流逝了……阿荣和小康则因为不敢声张的偷宿反而成了“同盟者”，在一段时间里两人共同进退俨然成了朋友。特别是那顿热气腾腾、有说有笑的火锅，以及小康为阿荣洗衣的惬意——影片中最接近家庭日常景象的故事发生在了两个萍水相逢的男人之间，发生在了提供这个机会却毫不知情的美美的待销房中。形成强烈对比的是形单影只的美美回到公寓翻找冰箱里剩下的蛋糕充饥；除了彼此勾引的眼神和身体的接触，她和阿荣几乎没有言语上的交流……难怪影片结尾美美会在街心公园的长椅上无缘无故的痛哭六分钟。面对这个几乎静止的长镜头，谁都不免心生疑问：她为什么流泪？
“文明”的现代社会为林美美这样的女性走出孱弱无助的传统角色，对抗男性强权，摆脱沦为“生育工具”的宿命提供了机会与支持：只要你有文化、有工作、经济独立就能够主宰自己的命运，成为“自尊、自立、自强、自信”的“新女性”（而教育和社会制度是强有力的保障）。然而事实并非如此简单。我们知道，任何一种文化都必然留有历史的烙印，历史又源自胜利者的书写，沉默了几千年的女性在世界历史上是零语的，可以毫不夸张的说，现存的人类历史是男人的历史，现代文化里深深埋藏着男性的基因——在一定程度上，男人代表了整个人类！所以当前用来衡量个体成就的众多指标（经济收入、文化水平、外貌、社会声誉等）实质上属于男性话语系统，是男人游戏规则。用这些来标志女性地位提升、诠释男女平等无疑充满了单一、强势性别（男性）的话语霸权。沿着这个思路推理下去我们得到的是一个具摧毁性的发现：林美美般追求独立、性别平等的现代女性，经过数十年的努力打拼，好象得到了所谓的“解放”、“独立”、“平等”，甚至可以得到同性的羡慕与异性的钦佩，而要命的是这一切是男性文化定义出来的！也就是说作为“第二性”，女人永远不可能实现真正自我救赎——只因为你曾经错过书写历史的机会……
当然，这可能并不是美美哭泣的原因，但我以为此刻纠缠影片中美美流泪的具体原因已经不再重要——我更倾向于把她的哭看做某种仪式化、形式化、启示性的表现——每一个观众（特别是女性观众）都可以赋予这个镜头自己的意义。
所幸的是，女性主义并没有山穷水尽。《爱情万岁》中的所有爱、情、性都是非生育指向的——小康对阿荣的同性爱，美美和阿荣的一宵云雨都和人类繁衍无关。由此想到了崔子恩独到的观点，他认为克隆技术是男性自取灭亡的历史嘲弄：历史上男性掌控着科学的发展，女人不过是“生育工具”，而当充斥着父权意味的科学技术以克隆的出现再度辉煌的时候，人类的繁衍似乎不再绝对意义上的需要男人了！
我们不能因此便断言未来社会的两性结构与关系，但《爱情万岁》所昭示的两性间心理上的隔阂、“中性”化的社会走向以及“幻象”式的“男女平等”将长期存在……



　有的电影，就像这部，看完了你就一定得为它做点什么，因为你压抑的不得了。你不把心里的感受吐出来，你就难过得要死。
　　就是这部根本没有爱情的《爱情万岁》。
　　这里的那些人，一个卖房子的售楼小姐，一个摆地摊的，一个卖骨灰盒的，就是他们三个，在一所空屋里，轮番上阵，有时是他们两个，有时是他和她。他们总是互相躲避，怕被发现。他们可以做肉体的游戏，却几乎没有交谈过一句。
　　有的是喘息，是沉默，是静的杀死人的寂寞。
　　他们是些最普通不过的人，他们每天要去兜售商品，做的生意有：卖贵物，如房子；卖贱物，如地摊货；卖给死人（当然是活人出钱），如骨灰盒。有四处陪着看房的，有吆喝招揽生意的，有发夹名片的资料的，都过得挺忙碌挺充实。
　　他们都不是唧唧歪歪的小资，没时间吟风弄月，忙完生计后觉得寂寞，也全然不是为了寂寞的寂寞，绝没有陶醉其中、自我欣赏的意味，所以，你不可鄙夷他们。相反，你发现的是，你们之间有些共通的地方。
　　所以，有些细节你看到出神。小康亲吻他的西瓜，如痴如醉；和帅哥阿荣两度一夜情后茫然走在路上的阿美，坐在天色初亮的公园长椅上，哭个没完；小康和阿荣分别穿上女人的衣服和鞋子，扭来摆去；阿美在空屋床上沉沉睡去。
　　那时候竟是那么自由自在。全都是一个人的时候。
　　那么爱情呢。人们不是说它是摆脱寂寞最好的良药。为什么有一天你觉得你必须和另一个人分享，才不会寂寞。是他们的喘息声吗？一如小康在床下听到的那样。其实哪里有爱情呢。只是当早上小康从床底下爬出来，情不自禁吻了沉睡中的阿荣，爱情才悄然登场，在不被对象察觉的时候。我们从什么时候开始，学会了隐藏内心。可以赤裸相见，却没有做好打开心扉的准备。惧怕。又不知怕的是什么。
　　据说女人长寿是因为她们比较懂得哭。所以阿美那样的对着你哭过了之后，你就只好把她放进你的心里了。她对你哭。尽管也对别人哭。她软弱的样子你全看到了。她跟你有了秘密。因为这个你压抑吧，是你跟她一样感受到了寂寞一样无助。原来，这样的人很多。这一刻你决定爱上阿美，爱上她的哭泣。
　　在独自一人时快乐，无力承担两个人在一起。
　　所以，这里没有爱情。
　　在凡世里决定热闹相见热闹往来，那种热闹格外有种虚浮的调子。至于死后——卖骨灰盒的老板在给大家介绍自己的新产品，这个是夫妻型的，是两个骨灰盒打通，有的人会买两层，另外的是给朋友，免得打麻将三缺一。还有家族型的，打开是更大的空间，似乎可以预见到很闹猛的样子。小康和阿荣在一边静静看着。
　　他们那时候会不会做邻居，比较有机会说说心里的话？





听朋友说蔡明亮是知名导演中的SM，然后看了他今年的新片“天边一朵云”。印象深刻，默许了朋友的说法。今天看了“爱情万岁”，是今年第二次接触他的作品。
　　
　　比起“天边一朵云”，“爱情万岁”里的象征符号含蓄许多，但是对性的暗示（水，西瓜等）仍然明显。片尾对女主角痛哭的镜头作了好几分钟的特写，让影片在沉重的基调中落下帷幕。
　　
　　一如蔡明亮的一贯风格，整部影片台词少得可怜。但是贯穿影片的一种无形的孤独压抑感却在男女主角不动声色的行为纪实中，被沉甸甸地传递给观众了。影片中的所有客体，都是导演所表达的潜意识里的孤独信号。无论是灰蒙蒙的天，陈旧的建筑物，空荡荡的房间，还是冷漠的城市，绝望的边缘人，都给人一种无所适从的无力感。影片的三位主角，卖骨灰盒的男甲，摆地摊的男乙和售旧楼的女主角，在戏剧性的故事发展中走到一起。男甲一次上门推销产品，无意中偷取女主角遗忘在门把上的钥匙；男乙和女主角在一夜情之后，同样偷取了女主角的房门钥匙。至此，三人被女主角空荡荡的大房子联系在了一起。
　　
　　生活还是一如既往。女主角仍未售出一套旧楼；男甲仍落寞地封闭自我；男乙仍玩世不恭地日复一日，他们被命运带到一起，而这种相遇却并未给他们带来丝毫温暖，反而更加寂寞。女主角和男乙在片中有两场一夜情的画面。但在他们厚重的喘息声蔓延的背后，让人看到的却是一个更无边的孤独深渊。so close,yet so far.讽刺的是，两人第一次作爱的时候，男甲正在割腕自杀；第二次作爱时，男甲在床下自慰达到高潮。
　　
　　影片中的所有人都是麻木冷漠的。它是对现代生活的一种极端刻画。人们在快节奏的生活中早已迷失自我，变得感情淡漠。他们不仅失去了爱的能力，更失去了生活的勇气。于是在内心深深的虚无感中，沉湎于不可自拔的孤独深渊。片中情节有细致地刻画，女主角几次违章横跨马路，张贴售房广告，暗示其淡漠的社会道德观；男甲自杀时的犹豫不决，偷穿女人的内衣，亲吻睡梦中的男乙，暗示其胆小懦弱的性格缺陷；男乙在公话里慌称自己是跨国公司主管，暗示其虚荣贪婪的本性。
　　
　　回过头来反思痛苦的本源，边缘人之所以边缘，是因为他们处在被社会遗忘的角落。在我们的现实生活里，聚光灯下一些光鲜美好的事物只是社会存在的一种形式，还有更多值得去关注的，是大部分生活黯然的边缘人。他们大多来自社会的中下层，终日饱受身心的折磨。竞争残酷的现代化生活让他们疲惫不堪，而社会又不可能为他们放慢向前的脚步，于是在一次次的恶性循环里，他们最终陷入了堕落与放纵。说到这里，突然想起“云上的日子”那部影片里面提到的一个故事，大致是这样：一个登山的人雇了一群工人帮他把物品抬上山，但是没走多远工人们就停了下来不再向前，那人于是问他们为什么，工人们不说话，但是过了一段时间后，他们又起程出发了，那人更糊涂了，这次他再问到原因时，工人们告诉他，原来山路很高很陡，而他又不断要求他们加速，所以他们只得停下来，等到他们找回自己落在后面的灵魂，才能继续向前。
　　
　　影片里没有爱情的痕迹却以“爱情万岁”为名，应该也是导演的一个暗示。Anyway,爱才是人类永恒的主题，cause love, is our final solution.

schiff

如果吕克贝松不拍动作片，我觉得很多观众应该感谢他。





如果说大部分动作片的受众是男性，那么《飓风营救》很意外更令人惊喜地男女皆宜，甚至更多地赢得了女性观众的心。故事依旧是老套的，孤胆英雄足智多谋，深入虎穴，一网打尽，但情感核心的置入和人物关系的建立使其焕然一新，不仅有刺激火爆的动作场面喂饱你的眼球，还有隐秘、微妙、润物无声的感情戏来撩拨你的心。


退休特工布莱恩最大的欲求就是补偿一直亏欠女儿的父爱，却频频受挫。他费尽心思给女儿买了台CD机，但富裕的后爸却给她牵来一匹骏马；他职业病式的严谨、固执与神秘，让前妻格外反感，与女儿难以亲近。总之，他是一个挣扎在合格线上的父亲、一个失败的男人、一个loser。但这一切在危险来袭时全盘逆转。布莱恩接到女儿在巴黎被绑架的电话，立马冷静应战，向电话那端的敌人痛下战书。那一刻，大幕拉开，英雄登场。但这个英雄不是为了拯救人类、国家，甚至不是为了正义，除了女儿，他谁也不拯救，也拯救不了。吊诡之处正在于——布莱恩必须先成为一个英雄，然后才能成为一名真正的父亲。


感谢伟大的弗洛伊德，发现了俄狄浦斯情结和伊拉克特拉情结，或许很多人觉得有点扯，但不可否认，很多人在寻找另一半时，潜意识里都是在寻找理想的父亲或母亲。对于女儿Kim来说，父亲是一个靠一星半点的记忆和捕风捉影的想象建构起来的幻影，幻影如何蜕变为实体？日常生活中春风化雨是不够的，需要一个仪式。这个仪式不仅是拯救与再生，而且饱含性意味。请注意，正是布莱恩亲手按下按钮，以50万的标底拍得女儿的初夜。最后他追到游艇上，一枪击毙了想要占有Kim的老男人——这也是“父亲”，乱伦且越轨的“父亲”。


除此之外，影片值得一提的还有拿捏得当的节奏感、极富质感的画面。你可以捧着爆米花，被劲爆的声色爽到，还可以滴两行清泪，走出影院若有所思，如此这般，如非十分挑剔，当深感满足了。

schiff

文德斯装B的本事在德国应该是首屈一指，不想和自己过不去的或不想装文艺*年的人还是少看



文德斯似乎是把在好莱坞拍片时遭遇的禁锢和愤懑一股脑地在这部电影中全部抛了出来，比如对于经典B片“幸存者”的指涉本身就表达了创作者自身在好莱坞制作模式体系中身陷囹圄的感触。除此之外，影片中几乎无处不在的超8摄影机、照相机，以及与巴赞所谓“木乃伊情结”具有同等象征意味的兽首的大量参与构图，小津式的空镜转场镜头，剧中不断出现类似“人人都是演员”、“每个故事都有个结局”这样具有间离效果的台词，再加上那个以突兀而激烈的死亡和男主角抓起超8当做手枪的断裂式的结尾，无不将本片的主旨直接指向了好莱坞电影讲故事传统本身，而本片的叙事本身所具有的近乎无情节、去戏剧化的极限主义风格也恰到好处地应和了这个主旨。最后，关于本片的名字“事物的状态”，更是与本片的叙事风格息息相关——的的确确就是呈现了一下处于特殊情境下的一群人（事物）的状态。


故事发生在葡萄牙的海边，一个电影剧组正在这里翻拍罗杰·柯曼的名作《世界末日》，新版本的电影在拍摄过程中却遇到了各种困难。导演不知道为何没有了资金来源，电影面临被迫停拍的命运。导演试图联系到在洛衫机的制片人，以便可以对所有人员有一个交代，但是不知为何却找不到人。他费劲心思希望可以改变不得不停拍的命运，然而，世事总不如人所料，他感到十分无奈。该片情节很简单，但是却耐人寻味，整个电影都沉迷在一种神秘的意蕴中。

当时西德名导演维姆·文德斯在八十年代初应美国名导演科波拉之邀赴好莱坞拍片，但拍片情况很不顺利，于是维姆·文德斯抽空拍摄了这部低成本的黑白片，反映当时整个电影摄制组流落异乡时那种前途茫茫的不踏实感觉。对于拍电影的幕后辛酸有相当深刻动人的反映，美国独立制片界名导演塞缪尔·富勒和罗杰柯曼本人都在片中客串演出。

schiff

以前听Jesse的歌，没想过他能演出一部打动人心的电影。虽然不是专业演员，但是他把Keith这个角色演得到位入骨，就像无意间发现了这部电影，无意间发现了Keith.
　　 看厌了好莱坞那种爆米花似的青春偶像片，一条路线的美女俊男，小小波折，最后完美的结局。Keith很不一样，就像他自己，就是一个怪胎。永远看不透他。
　　 对着心爱的女生N总是神经兮兮，看上去一切无所谓。玩一些无聊的小把戏，很爱主动的挑衅，让人捉摸不透的举动。其实就像谜一样，N永远不知道K怎么想的，就是因为太想了解，自己也脱离了原先的世界。
　　 Natalie原本有着一切正常的生活，优秀的网球选手，又叫人羡慕的主球运动员男友。而从化学课开始了与K做搭档后，在不知不觉间，自己的生活也改变了。
　　 也许K黄色的破卡车远远比不上R的跑车，不过就像喝汽水，也许一开始喝到了一种很怪的口味，但却时间一长，自己再也戒不掉。N最后选择了K，想解开一个个的秘密。
　　 从被动到主动，N不仅了解了感情，也了解了生活。或许一开始完全两个世界的人，在不经意间也能融合。也许K的生活才是N想要的。
　　 电影结局没有美好的画面，就像最后的场景，当让没有拉上刹车的黄色卡车冲向悬崖，最坠崖的一瞬间，我们还是选择了活下去。
　　 也许K和N 所向往的London 并不是同一个地方，但却有能交汇的时刻。
　　





　前一个月去听讲座， 讨论什么是“cinematic" ，尤其是和电视上的东西比较。那么明显电视以”说“为主，电影上视觉讲故事更重要。但是更重要的就是电影讲的是”光滑表面下潜在的风暴”。
　　
　　这个片子的毛病就是他不是“cinematic" 。电影永远是同过人物做出什么事情，而不是通过人物说了什么话，而表达给我们一种作者的观点的。之所以这样，是因为无论什么文化，什么国家，语言都是便宜不占分量的。因为注水太多。
　　
　　Keith 就是一个注了水的东西。他只能通过自己说的，和别人说的，表达自己。而且，编剧和的导演选择的这种表达是不令人信服的。
　　
　　我对中学生的故事一向感兴趣，但是我不理解Keith这个人物，我感受不到他——我心里觉得他是一个谎言。
　　
　　而这个片子能够挽救自己的地方就是它真诚的展现了这个女主角的心理世界——我每时每刻都能体会到她的处境和心理，这个是编剧和导演的成功。
　　
　　但是对于我来说，这种精英主义的个体洞穿世态炎凉，人生大奥的故事， 多一个不多，少一个不少。奥斯卡年复一年都是Disillusion的故事，想让观众感受到这种生活意义泯灭，万万不能找一个才经历了17年生命的人来做教材，这样太自以为是了。
　　
　　当你的电影没有特别惹人注意的新颖之处的时候，除非你的明星和制作班组强大，否则一定会被业界人士怀疑抄袭——往往是冤枉。但是别人在看的时候一定会举出一系列往年的热门影片说，这个是从那里找的原型。
　　
　　所以如果读者有意自己掏腰包拍这种电影——我绝对不会支持你。因为我觉得包括《革命路》在内，都应该老老实实呆在书本上，或者剧院里。因为电影院的黑暗中，语言没有图像可信。

schiff

感觉还行吧，弗里德曼演片子就那么个样子，不过不失，但指望多少惊喜也很难。

达蒙演橄榄球队员是不是太矮了些？

还有在片中老是谈到要和台湾代表团谈事干什么呢？





南非前总统曼德拉伟大的政治才能无人不知无人不晓，但是鲜有资料能够将他的人格魅力和独到的政治见解直观而又亲切地表现出来，也少见能直现曼德拉精神内核的影视作品，直到这部电影的问世。曼德拉出狱后便当选南非的总统，前任政府给他留下一系列烂摊子——经济萎靡、治安混乱、种族分歧、国民不团结等等问题。"He can win an election, but can he run a country?" 这是南非人民抛给曼德拉的一个问题。时值1995年，南非作为橄榄球世界杯的主办国，南非橄榄球队“绿羚队”却面临着战绩不佳备受质疑和嘲讽的窘境，而队伍此前作为种族隔离现象的象征，更是遭到了南非黑人的集体排斥。一个不受国民支持的国家队如何代表国家征战？一个不受国民尊敬的国家队如何为国家争光（思维开小差，想到中国国足了，歹势～）？曼德拉意识到，“得民心者得天下”，不单是黑人同胞的心，而是全体南非人的心，尤其是那些因为种族仇恨而将他关进大牢30年的白人们——他们是这个国家经济政治文教体育中的重要组成部分。喜爱观看体育比赛的人都知道，最能在短时间内将国民自尊心和自信心大幅提升，将国民凝聚力增强的手段之一就是国际大型体育赛事。曼德拉也清楚地明白这一点，于是在世界杯期间，他的工作重心之一就是全力支持“绿铃队”，将他们送上世界杯的最高领奖台。这部电影正是细致生动地展现了曼德拉在世界杯期间所作的一切，以及他和球队最终取得的伟大胜利，对于曼德拉本人而言，此次世界杯夺冠就是他个人从政生涯的一次经典代表作。




《成事在人》从90年曼德拉出狱讲起，然后被选为南非总统，国内政局动荡，黑人过激，白人惶惶，经济、民生、外交等各种国家事务更是百废待兴，而首当其冲的就是令人头疼的种族问题烂摊子，南非从1948年至1991年间一直实行种族隔离制度，对人种进行分隔(主要分成白人、黑人、印度人和其它有色人种)，依照“法律”上的分类，在地理上强制分离各族群，尤其是占多数的黑人，依法成为某些"家园"的市民。



《成事在人》甫一开片，便以一个分割的球场这一具体符号展现了种族隔离的状况，同时也因为整个的剧情设置，橄榄球成为反映片中种族情况的一个具体媒介。影片开始的时间设置为曼德拉出狱的那一天，车子经过的道路，一边是白人在高树樊篱的绿茵训练场练习橄榄球，一边是黑人在几步开外的荒凉陋地踢足球。白人戏称足球是流氓的绅士运动，而橄榄球则是绅士的流氓运动，所以，低等的黑人怎么有资格玩绅士的高等运动，只有被樊篱隔离的份儿。国家橄榄球队“跳羚队”里也几近清一色的白人队员，穷困的黑人小孩到教堂领救济衣服，都没人要跳羚队的旧队服，因为那正是屈辱隔离的完美证据。







当曼德拉走上政坛掌权的一刻，南非黑人终于得以扬眉吐气，而白人则不自觉地惴惴不安、万念俱灰，如同片中跳羚队队长弗朗西斯皮尔纳的父亲，他很直接地说“看看安哥拉、莫桑比克、津巴布韦这些让黑人当家作主的国家吧，下一个就轮到咱们了，黑人会把咱们赶到大海里去。”



是的，南非的黑人人民的确有此打算，至少对白人长期霸占的橄榄球，标志着白人高尚不可侵犯地位的橄榄球，他们就要率先开刀，时值跳羚队恰好连续经历了几场完败，由黑人组成的体育委员会便举手表决要将跳羚队重组，队名队服都要彻底换血。







曼德拉早年就致力于南非的民族解放，甚至因此被囚禁了27个春秋，但是面对新南非的时候，他却率先放下个人私怨与种族仇恨，不仅沿用旧政府的白人官员和保镖，甚至不顾家人和党内的反对，出面保全了跳羚队。在委员会面前他一番慷慨陈词，“南非白人已经不再是我们的敌人，他们是我们的同胞，我们的伙伴，这是民主的社会，而跳羚队是国家的财富，我们南非百业待兴，我们要团结所有能团结的力量，即使是白人的力量也不例外，你们选我当了南非的领袖，这件事情请大家让我做主，在座的谁同意我？”却只得到了少得可怜的12票。



但是曼德拉始终坚信自己的决定是正确的，他对跳羚队队长及其队员无微不至的关怀鼓励和关注激励，终于帮助跳羚队成功的树立信心与斗志，奇迹般地走上了冠军之路，而南非的种族问题也同时迎刃而解、打破局面。







影片在此过程中，一直通过连贯的细节描写来表现种族问题的冰霜如何融化，对橄榄球和对白人同样心存芥蒂的黑人保镖开始和白人保镖一起打球，并在球赛一起激动雀跃，到最后世界杯决赛时，不管是白人还是黑人都聚在电视机前，外面万人空巷，球场则人山人海，甚至不要球衣的黑小孩都跑来蹭广播听，之前与白人家庭一直疏远冷淡的黑人保姆也在球场上与主人一同欢呼，而这些惊喜的变化，丝毫不输比赛胜利的鼓舞人心。



如同中国历史上“小球推动大球”的乒乓外交，显然，曼德拉也有异曲同工之妙，正如奥利匹克精神所阐述的，体育是没有国界与肤色的语言，曼德拉利用“橄榄球抹去黑白”，消除种族隔阂，终于使得南非人民团结一心，共同建设他们心目中“彩虹之国”的新南非。







从类型上说，这还是一部关于曼德拉的传记，关于曼德拉个人的一些性格与背面也均有所提及，但是因为着眼于橄榄球促进种族和谐的题材选择，其他地方都是一笔带过，所以本片看起来也有一半好似关于南非橄榄球体育运动的励志影片。



传记是奥斯卡爱的，励志是观众喜欢的，整体上说，这个选材还是够讨巧，。尽管这个二者结合的角度可能万众欢呼，但从影片质量上来看，伊斯特伍德本人却并没有大的突破。可能他尝试了一些以前没涉足过的领域，但这种程度对他而言并不能算作突破，尽管影片出来效果很是振奋人心，但是要看到励志这类题材，本身就有emotional inspiration的效果。



所以尽管《成事在人》仍是高水平的强大叙事与情感呼唤，但是拿奖的概率却豪不乐观，当然，伊斯特伍德也不再需要小金人的肯定，早晚，他还能为家里那几个小金人收获一枚终身成就奖的金伙伴。



摩根弗里曼为曼德拉的角色准备了很久，毕竟每个演员都有一个最高梦想，而摩根弗里曼的最高梦想就是扮演曼德拉，但是和本金斯利的甘地比较起来，摩根弗里曼的曼德拉稍欠火候，还是太摩根弗里曼了，尽管老戏骨的演技没得挑剔，但是和导演的问题相当，那就是突破甚窄。







不知道是不是本片所有因素都染上了的没得突破的毛病，马特达蒙这家伙演戏有四种境界，一种是好到大跌眼镜，如《天才瑞普利》《告密者》，一种是坏到神不守舍，如《无间行者》《格林兄弟》，还有一种就是扮酷耍帅，尽管并不十分娴熟，如《谍影重重》《罗汉》系列，最后一种就是中规中矩，如 《心灵捕手》《赌王之王》，而本片，就是这最后一种。







然而不管怎么说，瘦死的骆驼比马大，申奥的就没有糟糠，都是洗礼心灵的盛宴，更况还是东木大叔的作品。而本片，更是他多年来沉重之后，难得一见的激情四溢、振奋人心，就像曼德拉最爱的同时也是本作片名的那首诗，令我想到了另一个激情四溢的captain---《死亡诗社》。



Invictus

                                                   

By William Ernest Henley (1849-1903)



   Out of the night that covers me,
   Black as the pit from pole to pole,
I thank whatever gods may be
   For my unconquerable soul.

In the fell clutch of circumstance
   I have not winced nor cried aloud.
Under the bludgeonings of chance
   My head is bloody, but unbowed.
Beyond this place of wrath and tears
   Looms but the Horror of the shade,
And yet the menace of the years
   Finds, and shall find, me unafraid.

It matters not how strait the gate,
   How charged with punishments the scroll,
I am the master of my fate:
   I am the captain of my soul.


                                                                                                   



不可征服

                                                         

威廉·埃内斯特·亨利（1849 – 1903）



透过覆盖我的深夜，

我看到黑暗如深坟。
感谢万能的上苍，

赐我不可征服的灵魂。



就算逆境犹如地狱，

我也从未退避哀求，

哪怕命运的棒喝下，

我也要流血不低头。


这怒与泪的尘世外，

恐怖幽灵悄然出没，

但面对岁月的威胁，

我丝毫不感到畏缩。


不论案卷写满惩罚，

还是前路门有多窄，

我是我命运的主人，

我是我灵魂的统帅。

schiff

现在对自己的看片趣味产生怀疑，为什么这么高分的电影我看起来感觉像烂片呢？[s:31] [s:31]
同样式美食片，德国的“美味关系”给我的感觉就很好。




生活，就好像一块块芳香、甜美、让人心情愉悦的披萨饼--而在本片中出现过的披萨，却拥有着更加独特的喻意，暗示着友谊、母爱以及把握机会所能带来的积极人生。故事中的女主人公名叫珍娜，是乔餐厅里最招人喜爱的女招待。但很多人似乎更愿意称她为“披萨天才”，因为她总能将日常生活中发生的一些事情或情感的起伏，变成制作披萨的灵感。比如说，珍娜想赢得披萨比赛2.5万美元的奖金，她就会发明出一款名叫“险中求胜”的披萨饼……

　　可怜的珍娜正因为一场糟糕透顶的婚姻而备受打击，所以她也只能靠烘烤披萨来逃避这个让她感到无比挫败的世界，正当她打算结束掉和丈夫厄尔之间名存实亡的关系时，却意外发现自己怀孕了--看看最近她刚刚发明的“我不想要厄尔的孩子”披萨，就知道她对这个意外是多么地措手不及了。厄尔是一个嫉妒心非常强的混蛋，基本上，他自己就是一个长不大的自私小鬼，又怎么有能力去养育一个孩子呢？而最让珍娜感到烦恼的是，她竟然疯狂地迷上了刚刚来到小镇上的妇产科医生帕麦特，尽管她知道这是不道德的，可是她已经没办法控制自己的心猿意马了。不知道该怎么办的珍娜只能继续埋头于她的披萨事业，没想到这一张张出自她手的披萨，竟然为她的生命带来了新的希望。




吉娜(凯丽•拉塞尔 饰)擅长制作各种美味非常的馅饼,她把每天在生活中的经历都化为做馅饼的灵感。但实际上她的生活并不快乐，她被一段名存实亡的婚姻困扰多年。
　　她一心想参加馅饼比赛，得到足够多的钱之后离开丈夫厄尔（杰瑞米•西斯托 饰）现自己怀孕了，她知道自己的丈夫是个自私的人，无法养育孩子。她十分迷茫之际，遇到了妇产科医生波马特（内森•菲利安 饰）并且两人疯狂的恋上了，波马特也是个已婚之人。她知道自己的行为是错误的，但她还是不能控制的与波马特见面，受尽良心谴责的她从朋友身上得到了很多的启示。
　　就在女儿出生当天，她决意要与丈夫分开，也要好好处理与波马特的关系。





又一部弥漫着美食香气的电影。一个个的美味派让人应接不暇。派这个字眼，最能提醒我想起的电影就是邪恶的《美国派》系列，不过《女招待》绝不是《美国派》那样的青春无敌，虽然片中的女主角Gina也还算一个青春美丽的女子。《女招待》讲述的，是一个女性的成长故事，电影里老套又经典的命题。但已故导演套入了女性怀孕困扰的视点，力图展示这种孕时的焦虑，关注的是作为一个母亲的复杂心理。所以，女主角Gina必定有了一个成长的过程，一个从不好向好的转变。故事的灵感源于导演怀孕之时带给她的心理变化以及巨大压力。但将这种压力与变化转以电影的方式表现出来，恐怕并不会得到多少的认可，毕竟，怀孕的特殊体验只能集中在部分女性身上，这样的受众面未免也太狭隘。
     所以，导演必定的向影片中放入了其他的类型元素，比如喜剧效果、成长命题、婚外情等等，用多样化的图纸拼贴出了这样一部姑且称它为美食电影的电影。欣赏这部电影，首先要建立起的一个前提就是，女主角Gina是一个能够忍受家庭暴力，需要大笔金钱作动力才能离开丈夫的女人。如果脑海里没有这样的一个设定，那么观影部分时间是要伴着骂声度过的。

     Gina是一个做派达人，有一个用一种变态的方法爱她的丈夫厄尔。厄尔开心的时候很疼爱她，愤怒的时候可以抬手就打。即使在东方忍辱负重的观点看来，这样的婚姻没有存在的必要，更何况向来追求平等、人权的西方。但Gina一直没有离开，虽然她怀孕了。但孩子不是牵绊脚步的原因，真正的原因是她没有足够的钱。Gina每天的工资需要上缴给丈夫，想要凑足多到让她不用担心离开后的生活，只能将为数不多的小费一笔笔积攒起来。片中貌似疯癫的老头一语道破Gina是不敢改变。心底里，她既想逃脱现在的一切，却又害怕一个新的环境。借用没有足够的钱为借口，透露的是Gina既憎恶丈夫，又依赖丈夫的困境。由这点，引出Gina的成长与改变，便是水到渠成的事情了。

     那么，改变肯定是需要借助外力，因为Gina本身一直没有促成自我的改变。所以，负责Gina生产的年轻男医生Jim出现了。这样的情节很有趣，本不该产生暧昧的两人却发展了各自的婚外情。医生和病人胡来，这是关乎职业道德的问题。而Jim作为负责Gina怀孕整个过程的医生，先是有了身体上的暧昧——从职业角度来说。这样的情况对Gina本是尴尬万分，但医生的温柔与体贴当然还有帅气，让Gina对医生产生大量好感。而更关键的在于，医生肯定了Gina做的派。这对Gina绝对是一种异常的满足，是一种心理上的被认同的快感。Gina虽然做派手艺非凡，但自己却说“谁在乎，就算做得一手好派。”别人没有给的，Jim给了，这样的恋情开始顺理成章的发展起来。

     当恋情快速升温后，这种外力已经足够助推Gina走向改变了。巧合在于终于准备出逃时，Gina即将生产。之后，孩子出生……此时，对Gina来说，孩子从一种负担转换成了一种力量。历经辛苦之后，Gina终于下定决心与丈夫说再见，与过去的生活说拜拜。导演的设置非常巧妙，新生命的降生，带来一种即将改变的新生活。一方面，是将导演所想表现的怀孕中的重担卸掉，另一方面，是融入导演想讲述的怀孕给人带来的改变。

      那随着改变带来的，是Gina生活的希望。有叫做lulu的美丽女儿，还有疯癫老头送给她的一座餐馆。猛然成熟了的Gina，也挥手与Jim作别了，真正的开始了自己独立完整的生活。

     其实电影的最后有点意外，本该由Jim的爱情顺理成章带出的Gina的改变，被即将出生的孩子打断。而最后的与厄尔的诀别，则让人有点措手不及。这是电影中产生的困惑，导演在成长与怀孕焦虑中显得摇摆不定，配菜喧宾夺主的抢了主菜的风头。而看片之中产生的疑问与不解，很多也产生文前的那个假定，常理逻辑之下Gina行为的不靠谱，已经严重影响了我对剧情的吸收。

      但综合来看，电影里的美食，配套着人物的喜怒哀乐，以及某种略显夸张的镜头表达，用非常风格化的方式表达了一个让人向上的电影。喜怒哀乐夹杂其间，好像又在年底来了趟美食之旅，幸福之余，缅怀一下为我们制造了本片欢乐的导演安德林妮·夏莉（本片上映之前被勒死于家中）