看片杂记

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一名当代电影人与另一个来自19世纪的法国外交官（Sergei Dontsov 饰）发现自己置身于圣彼得堡的一座古老的宫殿中，周围的人完全看不到他们。两人结伴在宫殿中徘徊，见证了暴怒的彼得大帝用鞭子抽打他的将军；凯瑟琳女皇的私人生活；革命前夕末代沙皇一家最后的晚餐以及1913年最后一场辉煌盛大的宫廷舞会。短短100分钟内，亲身经历了俄国200多年的历史……



自从长镜头和艺术建立起某种正相关之后，想过拍“史上最长长镜头”或是“用1个长镜头贯穿电影”的文艺导演应该不在少数。可惜想归想，做成却不是那么容易的事。终于有一天，一个俄罗斯人，凭着自身的天分和技术的进步做到了，这就是《俄罗斯方舟》。
　　
　　要拍一部一个长镜头贯穿的电影，首先考虑的是怎么拍的问题。传统摄影机固定在架子上，只能做有限的空间移动，如果要一个长镜头贯穿电影，只能让镜头尽可能地静止不动，人物不停地进出画面，这样做的效果和戏剧类似，虽然借台词的力量未必不能炼成一部文艺牛片，但保证会非常非常非常地催眠。好在现在的DV摄像机技术貌似已经进步到可以担当正统摄影的程度，也就解除了空间上的局限，那么下一步就可以考虑连续不断的摄像机如何对情节作出“隔断”的效果。因为空间的局限虽然解除了，但一个广阔的空间，摄像机能一下子拍到头，所以必须倚靠天然隔断，一个很自然的想法是找一个有很多房间的地方，在不同房间内发生不同的事情。那么哪里的房间最多呢？答案是：宫殿、博物馆和城堡。如此以来，选择曾经是冬宫的Hermitage就是再自然不过的选择了。
　　
　　第二个用长镜头的问题是，由于镜头是不间断的，如果只讲一个故事，故事时间的局限便在电影的长度内，无非跨越更长的时间，而且让一群人从一个房间蹦达到另一个房间来完成一个合乎逻辑的故事实在是过于考研编剧大人的水平。在这点上，导演需要动脑筋了：如何以最自然的方式打破时间和人物的物理限制？很简单，既然选择了博物馆，博物馆自身就是跨越不同时期的产物，如果构筑一个超自然的情节，在不同场馆看到不同时期的人物就是很自然的事情了。如此以来，选择历史题材似乎不可避免。
　　
　　下一步来考虑影片的组织问题。我们已经说明了，一个长镜头的构想必然要求在不同房间出现不同的人物，那么影片的形式必然是松散的，这就需要一个主线来把他们串起来，一个游历全馆的主人公是再合适不过的了。另外一点，是连续镜头摄影机存在感很强，需要为镜头寻找一个藉口，再联想一下，生活中什么镜头是最天然的连续长镜头？没错，就是人的眼睛。用摄影机作为主人公的眼睛出现，便是所谓的主观视角。
　　
　　所以鸦以为，一个长镜头的客观局限，已经造成了《俄罗斯方舟》这部电影必须这样拍，也必须选择类似的主题。从这一点来说，这部电影并未有多少创新之处。然而就如我之前所说，虽然理论上可行，要做到却是不易，导演的水准，往往体现在细节上，下面细细道来。
　　
　　首先是主角的设置问题。前面说过，因为摄像机的合理存在的需要，必须设置一个游历全馆的“我”的形象。然而这个“我”却无法出现在镜头前，而镜头前若没有主线人物的话，很容易变成类似纪录片式的介绍配音片，难免无趣。而我以为本片最大的成功，则是设置了生活在不同时代、不同地方的“我”和外交官两个主角。双主角的好处很多，除了让影片出现一个实质主角之外，两人的互动，也可以增加电影的有趣程度。尤其是本片里的外交官，不仅是法国人，还是古人，这种超现实的设置很容易地就让视角变得深入而有趣。外交官的演员演得很好，肢体语言丰富，小动作很多，在诸如转换房间之类很容易无趣的部分，他的个人表演为影片增色不少。
　　
　　然后就是拍摄时客观存在的最大难点：调度问题。解决大规模连续调度问题一个小技巧是设置小断点，办法是对着静物拍，拍静物的时间可以拿来调度演员的走位。这个技巧片子里是用了不少的，除了艺术展示，还有诸如盯住主角的手、脚狂拍的现象。只是画对着拍就是了，人可不一样。一个演员的错误可以报废整个拍摄过程，这也是很可怕的。本片有个好主角，所以省心的一个办法是，很多房间根本没有或是只有一个主角以外的人，大量倚靠主角的表演。注意现代部分的主角和配角们交互很少，平均每个房间一个，出现的大部分都是根本不需要演的路人（理由是：他们看不见主角，实在是省心啊）。在不可能省掉配角的历史场面，则选择了很多只有少数人的情节，比如叶卡捷琳娜二世的好多情节，人都很少，尼二的人也不多，情节对演员走位的要求也不高，把钱和精力省下来给重点大场面，保证大场面的成功。最后的舞会场面，想必花了导演不少心血吧。
　　
　　最后考验导演功力的地方到了：如何维持电影的吸引力和丰富性的问题。摄影的具体技巧我不懂，但电影的镜头很显然地用了很多不同的角度，到后面的时候，镜头运动之流畅，几乎让人感觉不到摄影机的存在。比如尼一见使者的场面，限时远景，然后是主角在人群中曲折地穿过，正面和反面交错，然后高过头顶，投向中央，看到使者之后，从人群中穿过，锁定中间部分，介绍了一点交涉情况之后，很快又拉到人群的另一边，拍摄女士们的情况，最后回到外交官这里，整个镜头虽然没有隔断，但变化非常丰富，既多角度交代了情节，又增加了有趣性。这样的细节有很多，加上本片本身丰富的历史史实和犀利的评论，信息量极大，足够支撑影片的长度。
　　
　　灯光音乐这些不说了，不懂行，而且是后期制作，问题不大。总得来说，虽然这部电影未必够得上突破性的创新，然而看到它出色的完成度，还是很让人惊喜。从想法到完成的水准，充分体现了导演的功力。






我们为形式所震撼，我们却因此只能游离在俄罗斯艺术宝库中的大门之外，我们的影评人大谈长镜头，却无法跟随着导演的眼睛去认识俄罗斯伟大的古典艺术，因为，这是个快餐的年代，我们已经放弃了欣赏和思考！
　　回忆吧，想一下，电影史上有位大师他的第一部彩色片，采用一镜到底的技术彪炳电影史！技术是外因，内容才是每个电影人必须追求的。
　　一个镜头，没有必要一直保持仰视姿态，《俄罗斯方舟》的题名已经告诉我们：方舟上的是艺术，决不会是形式。
　　当代技术使得电影的表现形式多样化，但是，电影首先是人的艺术，一切的内涵应该围绕着人进行，如果，我们只是一味停留在对技术的迷恋中，这样必将如同海派，陷入在结构华丽的虚空中，本末倒置！
　　有人把亚历山大·索科洛夫（Alexander Sokurov）和塔可夫斯基类比，真是滑稽，索科洛夫的长镜头带着旋技的故意与塔氏的内敛和布道式的作家电影风格有着很大的差异。
　　索科洛夫的勇气不是因为技术化的一个长镜头，而是，他敢于介入浩瀚如云的俄罗斯艺术史，带着我们穿行在俄罗斯的艺术史中，也从艺术为切入点，对俄罗斯的历史、意识形态、政治、音乐，建筑的做了全景式的回顾，虽然是蜻蜓点水，但是观众已经大饱眼福了！
　　已经有大量文字在介绍《俄罗斯方舟》的背景资料，但是，由于我们自身（包括鄙人）我们只能游荡在圣彼德堡的埃尔米塔日 (Hermitage )宫博物馆【注一】的打门之外，任西伯利亚的寒流穿越我们的空空荡荡的头颅，我们走马看花的“轧闹猛”，在那些艺术瑰宝面前却说不出所以然。
　　唉！
　　会意或梦魇，我们和艺术的精灵同行。跟随他在他磁性的声音中进入俄罗斯艺术的殿堂，这部只有导演，没有演员（演员在其中只是艺术镜框中的存在，导演的提线傀儡）的影片中，抚去花哨的表现，认认真真思索一些问题。
　　这是一个当代人对逝去时代的注目礼，这是一个当代艺术家对无法逆转的追忆，这是一个商业的年代，这是一个权威可以被“通奸”的年代，我们已经耳闻过堂堂的国家级博物馆中举办的傅抱石画展竟全是赝品，我们也看见在资金运作中一些人不甚经典的作品可以堂而皇之进入艺术的殿堂，套用我认识的一个装置艺术家的话来说：艺术是什么？！艺术是玩意！
　　一个玩意的年代，方舟注定成为残骸，在我们的意念中轰然倒塌！
　　进入埃尔米塔日故宫博物馆的是个法国外交官，这是种身份认同，俄罗斯横跨欧亚，东西文化的精华在此交融，但是俄罗斯对自己身份的认同是欧洲的，那个影子的身份就隐喻了这一点。
　　豪华的宫廷舞会，名媛淑女云集。怎样的开始有着世事的无尽沧桑，痛话当年，却只是梦中胜景，虚影可梦，繁华已失。
　　那个法国外交官说：会不会所有的一切是为我上演的…
　　是的，这是俄罗斯的怀旧，这是对心念中对昔日时光的苍凉回眸！
　　这只是戏，导演明确告知了。有人言“历史的瞬间消失与活着的成为死去的悲哀成了主题（原文如此）…”【注二】，可是，在整部影片中我们看到的是导演一次次对埃尔米塔日故宫博物馆艺术致敬。那些人，那些历史场景中的人，只是艺术殿堂的花哨陪衬，可以忽略不计。
　　对彼得大帝的讨论，是历史和情绪的讨论，那些君王，那些心情各异的君王无论在位时的政绩怎样，大多数都以他们的喜好给人类文化宝库留下了宝贵的遗产，个人的修养往往促成了这一切，路易14、彼得大帝乃至中国某些君王都因为他们的收藏而给世界留下一份瑰宝。只有暴君，无知无识的暴君才会肆意践踏人类文化的宝藏，历史早将其们钉在了耻辱柱上，让后人唾弃！
　　欧洲身份，是俄罗斯一直想挤进去的，对于欧洲而言当年的俄罗斯在思想上还是个小弟弟，为了俄罗斯走向西方和走向强大，彼得大帝在300年前进行了伟大的改革，也使得俄罗斯成功进入欧洲思想的版图。艺术是传承的历史，它是永生的，它们寄存了观者的面容，而观者带着精神的愉悦渐渐淡出人间和记忆同在。
　　我希望这是内阁时代的寄语表达了导演的心态，那是强盛和精致的年代和今天的脆弱和浮浅截然不同。它在我们观看那些油画、雕塑的时候刺痛了久已麻木的内心，我们在这个飞速发展的网络时代，我们还有没有雅兴驻足艺术宝库，细细品味艺术的纯净和脱俗？！
　　优美的旋律中上演着诞生在意大利的芭蕾，欧洲宫廷的品味在这个当年的农业国宫廷同样成为时尚，时尚在历史的特定时刻成为变革的动力，成为融入的先声！凯瑟琳女皇在此成为景象的一部分进入俄罗斯历史的腹地！
　　旁白，充满了没落时代对辉煌历史的敬义和感慨，远去的不仅仅是女皇，远去的还有一去无回的精神和理想。
　　在历史的回廊中瞩目，在建筑的恢弘中思考，引出了拉斐尔的话题，一个伟大的复兴年代的传承，俄罗斯建筑淫浸着欧洲的风貌并且在思想上一脉相承。
　　埃尔米塔日故宫博物馆的建筑明显有着文艺复兴建筑的余韵，人，在其中，川流不息，人，带着艺术的美感远去，留下，那些雕塑和绘画，历史的记忆里，精神传扬！
　　在那宫殿中，那些巨幅的油画令人震撼，但是，由于对俄罗斯流派的不甚熟悉，我无法知晓他们的背景，这是遗憾，我也询问过一些画家朋友，他们对俄罗斯流派也知之甚少，真的可惜了。
　　导演提到的《施洗者约翰的诞生》是意大利文艺复兴时期威尼斯画派的最后一位大师丁托莱托的著名油画，创作于1560年，在此提及我想必然有着特定的含意，约翰的诞生是信仰和坚定的诞生，隐喻着对艺术的态度：坚信和无悔的皈依（看看《圣经》，您就可知道为什么我这样说）。此画被特别提起，可以看见导演的艺术的态度和执着！】
　　这是呼唤，呼唤浮华年代里可能的信念坚定！
　　这是呼唤，呼唤我们对艺术女神的尊重和认知！
　　艺术，是美的，但是，艺术家在任何年代都是一种“痛苦”的修行，需要对时代的自觉的保持心智的距离，只有距离，才能让我们看清目标！
　　在另一个展馆中我们看到了佛兰德斯画派著名画家凡·代克的油画《有鹌鹑的处女地》【注三】，导演特指的每一幅画多有着意含，导演让我们跟着天使远离轻浮，在上帝的庇护下使心灵安详、平和、宁静，这些古老的人类精神在当下正在消亡，人类已经被坏品味败坏了口味！
　　如果我们丧失了对信仰的虔诚，那么我们从此失去了家园。
　　归去来兮，天使 或 上帝！
　　跟随天使，慢慢介入艺术的世界。下一个屋子有着魯本斯1618的杰作《西蒙的盛宴》【注四】，面对大师，我们可以审视时代和心灵！
　　门，纵有一天会被关上，但是，请你不要关上和艺术女神沟通的心灵渠道，它能使你远离俗念的干扰，成为一个大写的生命。
　　你可以进入网上的埃尔米塔日 (Hermitage )故宫博物馆，和《俄罗斯方舟》一起，一个一个房间观赏这些美轮美奂的艺术，那刻你的心灵回翔飞起来，那刻，你能明白艺术的真实含意是什么！
　　他穿行在冬宫，穿行在历史深处…
　　在西班牙画家葛雷柯（Greco）的圣经画《彼得和保罗The Apostles Peter and Paul》面前，他和一个孩子谈论宗教的救赎意义。
　　当他和一位老年舞者在伦勃朗的1636年油画《达娜厄》(Argos国王之女,珀尔修斯之母)面前对话，导演再一次讲述了心灵的主题，艺术，是发自于灵魂的感动，语言是多余的，舞者轻盈地旋转而去，留下他，在冬宫的昏暗里继续心灵的漫游！
　　当他来到林布兰特（Rembrandt）1635年的巨画《奉献以撒（The Sacrifice of Isaac）》面前一队匆匆而去的兵士走过，导演每一次对画作的选择都有其象征意义，熟悉宗教史和艺术史的朋友不妨对照一番。
　　而他对林布兰特 1668年的《浪子回头（Rembrandt The Return of the Prodigal Son）》的凝望不正是导演对战争中的兵士和我们的寄语吗？！
　　而交错时空中无声的冰冷的冬宫讲述着二战的惨烈，一口棺材就是最好的控诉！
　　伊朗使节造访沙皇的镜头，是导演对泱泱大国的心酸回望，也是对俄罗斯当下羸弱的一份辛酸。对于，一个曾经的超级大国而言，现实的一切只剩下意念里的雄壮。
　　与之对比的是沙皇家族最后的晚餐，在时代的洪潮中，生命，无论是帝王和庶民都是微尘而已。
　　舞起来吧，在昔时的荣耀下；舞起来吧，让你的躯壳进入俄罗斯的命运中，那些陈年往事因为你们的扮演再一次撩拨心伤！在1913年的辉煌盛大皇家舞会中，圆舞曲中告别贵族的年代。
　　从此，革命的波澜席卷欧亚，地球上第一个社会主义国家一度屹立东方…
　　一百年后，海涛依旧，但，佳人何处!
　　海，埋葬了说法，埋葬了乌托邦！
　　历史，滚滚向前，势不可挡！
　　
　　导演在手法上创下了一个电影史的记录，但是，更有意义的是通过导演的视野给我们这代人留下了一份凝重的艺术历史回顾。导演以这代人的思考对几百年俄罗斯的历史进行了俯瞰，提出了自己的见解，这是难能可贵的对文化尊重的态度！
　　在这个被上帝遗弃的时代，在这个没有诺亚的时代，“有家的凡高，无家的我们！”【注五】是当代普遍的写照，在华屋高堂中，我们沉迷肉身的麻木，可是，心灵上，几个人能够真正的诗意的栖居？为名利的你我，难矣！我们漂浮在浮躁和虚华中，今夜，愿你留下，用心灵扣响艺术之门，让我们在欣赏和回味中归返本初的真。
　　这部电影是导演智力的创意和尝试，也许对于艺术的门外汉而言，只是视觉的猎奇，他们，永远只能停留在艺术的城堡外――
　　匍匐在地，哆嗦不已，却从没有想过思索一下，怎样才能拿到一柄艺术殿堂的钥匙，让自己的心灵和大师通灵！

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看这片子像做了场恶梦，但还是想看下去。在惊悚悬疑科幻类型里，这部电影好像做到了某种极致[s:20] [s:20] [s:20]





美国阿拉斯加德诺曼小镇，在过去的几十年里当地不断发生离奇事件。许多人神秘失踪，还有很多人被严重的失眠所困扰，自杀案件居高不下。单身母亲阿比盖尔•泰勒（米拉·乔沃维奇 Milla Jovovich 饰）当年曾经历一场诡异的灾难，在那场灾难中，睡在身边的丈夫神秘死亡。在此之后，阿比盖尔开始研究催眠。当得知诺曼镇发生的事情时，她直觉这与自己的经历有很大关系。经过对几名当事人的催眠，阿比盖尔得知他们都有着遭遇莫名生物的经历，在此期间，她更目睹了当事人杀害全家并自杀的悲惨场面。随着调查的深入，真相渐渐浮出水面，然而最为恐怖的事情也随之发生……




现在我也无法相信自己看完电影后会这么说，但这的确是我内心最真实和深刻的感受，现在我的眉头还紧皱着，这部片的内容太强烈太复杂太真实了，很难一两句话说清楚，说淋漓了，但也没办法细细去掰扯来掰扯去做出一副很享受的品味（或认同）状，它的内容实在太丰富了我不得不说之前没有任何一部电影给了我这样的感觉，这种我甚至不知道该怎么形容的感觉，复杂，太复杂了。我被活生生夹在了可以产生各种情绪幻觉的多个地方中间，一个未知的地方。
　　
　　真实的Abigail Tyler女士令我感到非常压抑，也是令我感到最复杂的一个人。我甚至都不知道该说什么，所以我选择让自己对她这个角色的各种感受以想法的形式存在于大脑里。
　　
　　治安长官August的固执和拒绝接受自己小宇宙之外的任何资讯的态度，令我感到愤怒，极致的愤怒，即使最后他亮出了Will属自杀的看起来很确凿的证据（而这让他有了一些筹码说自己不会去听信Abigail的“疯狂”言论），在事件发展过程中他表现出来的那种固执也可以充分被理解为直面问题的勇气的严重缺失。对他的评价不仅仅止步于固执，更令人难以接受的是他在处理问题时所带出的几近无理取闹的火爆脾气，那太令人感到难堪了！理性、智慧和优雅这些字与他一点边儿也不沾（当然，没人有权利要求他沾上这些字眼，可是你要知道，他毕竟是个治安长啊，不管Nome是个多小的地方）。
　　
　　Ronnie Tyler，片中Abigail女士的儿子，也令我感到非常难以忍受，但仍然可以被理解，因为毕竟他处在极端罕见和令人困惑的状况里面。但毫无疑问，他对母亲的恼和怒（恨并不精确，在我个人看来小孩子不具备去恨的基础条件）对整个事态没有任何帮助，他看起来似乎是自愿般的在妹妹Ashley失踪后与母亲进行了脱离，这是令我非常难过的。但同时，小孩子对人对物的喜恶应该是非常简单和直白的，这也没什么太大疑问。
　　
　　Ashley Tyler，Abigail女士的小女儿，自父亲死去后便失明，并在最后被绑走，一直挺正常的，没什么特殊感觉。
　　
　　Abel？Abigail的同事或朋友（或长官），给我留下的最深刻印象就是他说“我拒绝去接受”。一个受过高等教育的心理医生在面对匪夷所思的状况时，去这样对个人认知体系进行自我保护，是很令人惊讶的，在某种程度上，他和August更相似，这就导致了他的更加令人困惑——他是两件事的亲历者——Scott被扭杀——Abigail那段恐怖之极的分裂式自我对话（也可以说是寄生物与宿主的对话），而他却依然拒绝去相信和进一步思考这诡异状况，这令我很费解，但同时也给我种感觉，即每个人，无论其在各个侧面的水准如何，在面对极端状况时的表现，都很可能令旁人大感困惑。
　　
　　最令我感到舒适的片中人物毫无疑问是Awolowa Odusami博士，仅凭他那颗开放而又严谨的心便足够支撑。同时我不得不认为这位博士是本片编剧兼导演Olatunde Osunsanmi同志的某种理想模型，因此他趋向完美。
　　
　　当然，本片最易让很多人困惑的地方在于它到底是不是基于真实事件，尽管片中的各种叙述以及“档案录影”似对比的效果让人在不深思的前提下很容易相信确有其事，但随着进一步搜索资料（如果你愿意的话，请去Google.com搜索“the fourth kind is it a real story”），我们会发现本片恐怕多半是非常像基于真实故事但其实不然的一部娱乐恐怖片。但是，我想说，片中所说的一切“本该是真的”的事情到底是否真实，并不重要，关键还是看我们每个人心底选择要接受到的信息是什么样子。
　　
　　我不会去揣测导演拍这部片子的本意是什么，我享受回想片中各种情节细节所带来的感受和个人判断，这对我来说是乐趣之所在。
　　
　　最后，我毫不犹豫地选择相信，它是真的，不管影片背后是否有个真实的历史故事在那里，它都是真的，只不过可能是以不同于此的形式发生过，发生着。

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坐落于美国宾夕法尼亚州的奥格登·马什镇，景色美丽宜人，生活安逸自在。但是，一起突发事件打破了小镇的宁静。原本性格温和的中年男子罗瑞（Mike Hickman 饰）手提步枪闯入正在进行棒球比赛的赛场，治安官戴维（蒂莫西·奥利芬特 Timothy Olyphant 饰）果断出击，将其射杀。惨剧似乎一发不可收拾，在此之后，各种血腥残酷事件接二连三发生，原本爱好和平的小镇人民一个个狂性大发，仿佛天堂般的小镇变成了恐怖的人间地狱。
　　戴维和几个理智尚存的伙伴发现，镇民疯狂的原因与当地的饮用水有关。与此同时，为防止狂病蔓延，政府派出军队封锁小镇。戴维他们必须绞尽脑汁逃离这片死亡之地……  





《小镇警察不好惹》
　　理由：俩男主角，虽生活在Iowa这种人烟稀少的州，镇上1200余人，竟然连就了超凡本领：阻击手/爆破专家/功夫小子/机械师，手刃无数疯人不说，连军队精英也是见一个撂倒一个，fucking nailed it! 民间英雄太牛了太牛了！
　　
　　《小强夫妇历险记》
　　还有什么好说的呢？男主角和他老婆，子弹打不死，电锯锯不穿，刀扎了手人家能立马显现出Xman 里狼人的本领连手带刀从地板拔出继续擒敌，最后来了个原子弹，啊他们就回头温柔地看了一眼￥%……&×（原子弹就立马杯具了！原来您就是小强！打不死的小强！！
　　
　　《怀孕妇女力量大》
　　这个开场当家庭医生的妇女同志，在后半场就变成了生化危机女主角。救下属，讲情义，简直让我想起《英雄儿女》里的情节啊～含泪问一声：您也是党员啊？砍死美帝国主义的人爽吗？对了我有提到全程她都怀着小小强吗。。。！
　　
　　《农家僵尸显神威》
　　撇开有第六感的农村男主角不谈，单看看这一堆堆来自美国农村的配角，人家内小日子过的，真是倍儿精神：颇有规模的棒球比赛，闲暇探险的打猎活动，平日开的各种牛X车，他们反军队，斗政府，变成僵尸来来了个大动乱～更不要说农家那些神枪手了，天哪，你们平时都没事儿就打鸟儿练出来的吗？直升机上的军人您都能打下来。。。
　　
　　其他副标题还有：《美国军队是怎么傻逼的》/《寡妇复仇记》/《验尸官僵尸惊魂记》/《种族主义在小镇》/《青少年啊，那脆弱的爱情》/《见谁灭谁》/《今天你丫喝水了没？》/《生化危机农场版》....etc大家继续补充啊。。。

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　[s:20] [s:20] [s:20] [s:20] [s:20] 90年的乌玛瑟曼，梅戴洛的神经质的美丽像玻璃器皿那样独特而令人着迷。

但。。。。。。就不能找个更有点魅力的演亨利米勒的演员？还就是找这么个秃头男来真实反映亨利米勒及小说的粗俗和粗鄙及颓废？



阿娜伊丝•宁（Maria de Medeiros玛丽亚•德•梅黛洛 饰），银行家雨果（Richard E. Grant 饰）的妻子，一个外表雍容却沉迷于D. H. 劳伦斯文字的野性女子。在丈夫的介绍下，阿娜伊丝结识了外表颓废粗糙的小说家亨利•米勒（Fred Ward弗雷德•沃德 饰），她迷上了眼前这个睿智的男子，继而又为亨利的妻子琼（Uma Thurman 乌玛•瑟曼 饰）所吸引。
　　在琼的嘱托下，阿娜伊丝开始照料亨利的生活，为他的小说《北回归线》四处奔走，并由此衍生出一段段狂野激情的欢愉……





1931年12月5日，阿奈斯·宁遇到亨利·米勒，很快将他和他的妻子琼带进她的肉欲世界，无论现实还是虚构的，宁一次又一次藐视一夫一妻制的行为令她的丈夫雨果惊恐不已。
　　　　亨利·米勒（Henry Miller，1891-1980），美国文坛举足轻重的作家，毁誉参半。著有自传三部曲《北回归线》、《黑色的春天》、《南回归线》；殉色三部曲《**之旅》、《情欲之网》、《春梦之结》等等。
　　　　琼·曼斯菲尔德，亨利·米勒五位太太中的第二任，是她激起亨利·米勒的张狂而又粗糙的欲望、燃起驰骋顺境的写作激情。
　　　　阿奈斯·宁（Anais Nin），西班牙作曲家琴宁的女儿，金融家雨果（Hugh Guiler）的妻子，作家亨利·米勒（Henry Miller）的情人……以日记体小说《火》（The Diarv of Anais Nin，又名：《亨利、琼和我》），这便是本片的创作蓝本。
　　　　1931年的法国巴黎，亨利·米勒从事《北回归线》（Tropic of Cancer）的自由写作生活，而阿奈斯·宁也在无关痛痒地写着分析D·H·劳伦斯（D H Lawrence）的文章，当二人擦出炙热的情爱火花，接着琼的加入，于是三人三情第三性的纷乱撕扯的爱情纠葛开始了。
　　　　
　　　　不大能记住第一次看Henry & June是什么时候了，只是针对考夫曼的电影，远没有《布拉格之恋》（The Unbearable Lighteness Of Being）印象深刻，或许多是因为不大喜欢亨利·米勒将性写得过于粗糙肮脏的缘故。
　　　　
　　　　巴黎，现代艺术的巴比伦，艺术家虔诚地膜拜在她宽容的裙脚。在神秘主义、自然主义、虚无主义、象征主义、直觉主义、无政府主义还是什么超现实主义的大旗下，我们的确意识到工业文明繁荣后来自西方艺术界的强音，无论在美术绘画、旋律音乐还是文学创作方面敏锐的嗅觉让我们完全迷失在二三十年代曼妙的世界里；罗列大把熟悉的字眼：弗洛伊德、陀思妥耶夫斯基、斯特林堡、尼采、兰波、罗摩克里希那、毕加索、劳伦斯……
　　　　
　　因为D H Lawrence开始
　　　　
　　　　《情迷六月花》，我不大喜欢这样的港译，过于绚丽缺失了本该具有的内涵；台译《第三性》，直白窥视，却有些含糊；权且用直译《亨利和琼》吧。
　　　　首先映入眼帘的是玛丽娅·德·玛德奥斯（Maria De Medeiros）扮演的宁，那双虚无的大眼睛，以及书柜里翻出的一叠日本画家葛饰北斋的浮世绘，心仪在全然不知中缓缓引入了1931年的法国巴黎后是1931年巴黎路文森的居所。
　　　　玛丽娅·德·玛德奥斯扮相的宁确实比较神似，一个宽额大眼的女人，一个让文字欣宠坏了的女人。从某种程度上说她与弗吉尼亚·伍尔芙有极多相似之处：
　　　　首先：懂得绑款，文学创作完全寄生在老公茁壮的钱包里。伍尔芙顺溜了出版商，为日后将靡靡弱智呻吟装订成册奠定了坚实的基础；宁则是借着金融家的钱袋施舍情夫，并且利用情夫的文学发迹爆猛料扬名。
　　　　其次：谙熟“玩爱”，老公无微不至地爱灌输在每个生活细节，一旦跨越温饱的伟大鸿沟便开始释放前所未有毛茸茸的阴器，将所谓“爱”的真谛与身体的追求完全剥离；
　　　　再次：奉行偶像，她们都比较推崇劳伦斯，将劳伦斯笔下的查泰来夫人落实到具体，并且无限放大并且身体力行地融会到文学先锋青年的队列里好不快活。
　　　　最后：果敢地混淆性别，自柏拉图开始讴歌的男同性恋被她们敏感地衍生到广大女性群体，无不惊世骇俗精神焕发喋喋不休地津津乐道地跃然纸上。
　　　　　　
　　　　1931年底，宁计划写一部研究D·H·劳伦斯的专著，也是在此期间她遇见了来路文森居所做客的亨利·米勒，于是纷乱的性纠葛埋下朦胧的种子。
　　　　
　　北回归线
　　　　
　　　　亨利·米勒：我对生活的全部要求不外乎几本书、几场梦和几个女人。
　　　　
　　　　我个人认为导演考夫曼具有深厚的艺术修养，他的文艺气质在诸多方面影响着他的电影创作。他的电影恰恰如南北回归线一般与赤道并行，决不重合，但又没有过多的偏离。他的电影作品有较高的艺术门槛，你可以夸夸其谈他霉涩的电影选题，你可以垂涎他在电影中对性的毫无遮掩，你更可以指戳他对作家视角的具体理解差异……在考夫曼极为强权的电影表现形式下只能屈从于他固执地理解，不可否认他的思绪需要你细致地重复地解读，将他解构的艺术碎片重新组合排列。
　　　　本片是严格按照时间顺序前行的。
　　　　宁在初会亨利之后，对这个极具活力的老男人产生了浓厚的兴趣，顺延着对他有了再次拜访的欲求。
　　　　亨利出生在美国的德裔裁缝家庭，基本没有受过系统完整的高等教育，且在青年时代频繁更换工作，庸碌地糊口并没有湮没他的创作欲望，当他在纽约遇到不知是第几流的演员且兼职业余*女的琼时，开始赋闲在家专业从事文学创作，时年已经四十有余。
　　　　宁怀抱打字机穿行在游荡着波希米亚侨民的街道里，目睹着怀揣各种技能却从事扒窃的行当的底层流民，满眼的惊异。亨利便混杂在如此的人群里，与他的再会仍旧是冷冷的言语，然后迫不及待地将她牵进简陋的酒吧面包糊口，再借她的钱搂着裸露的*女匆匆爬上了阁楼。
　　　　却是在如此的境遇里也殁不了亨利的才华，谁又能真正理解一个文字的行者，一个自嘲为“流氓无产者的吟游诗人”的超现实主义先锋文学的奠基人，一个六十年代垮掉一代的预言家。
　　　　
　　　　正是应为亨利·米勒不羁于伦常，巨大的反差产生巨大的诱惑。
　　　　宁饶有兴致地与亨利讨论哲学、文字以及不曾谋面的妻子——琼，还有在亨利描述下窥得的琼在纽约的同性恋经历。文字的征服与吸引，言谈的广博与深隽，思想的跃牵与孤独……燃起汹汹“爱”的欲焰，静谧在彼此行间字里的遐想里。
　　　　
　　　　阿奈斯·宁：我由此成为一个女人的痛苦经历。
　　　　
　　黑色的春天
　　　　
　　　　亨利·米勒今晚，我愿意想一个人，一个孤独的人，一个没有姓名、没有祖国的人，一个我所尊敬的人，因为他和你绝无共同之处——这便是我自己。今晚我将考虑我是何物。
　　　　
　　　　亨利·米勒于宁激烈讨论文字的叙述方式，宁极力征询亨利对劳伦斯的认可。当琼“从花园的阴影走入门厅的光亮中，走向我，我生平第一次看到了世界上最美的女人。”三人三情三性，“亨利暗淡无光了，她就是色彩、光亮、新奇。”
　　　　一切都在巴黎夜色的绚丽里顺其自然了，一切都在不羁的法兰西“爱”成了唯一放纵的籍口，一切在娇小女人暖昧的眼神里融化了……
　　　　
　　　　镜头一：亨利将宁放倒在酒吧的包阁里，用直白地语言正告宁：“看你跳舞就知道你的本性……”
　　　　镜头二：琼与宁相拥地坐在同性恋酒吧的一隅，殷红的法国葡萄酒，彼此对视，
　　　　“我想喝醉。”
　　　　“我也想你喝醉，”迟疑、犹豫，然后忧郁地说：“我有点怕你，原谅我所说的一切……”
　　　　
　　　　阿奈斯·宁：不论什么爱情，我都无法抵抗，我的血液开始起舞，我的双腿开始张开。
　　
　　南回归线
　　　　
　　　　亨利·米勒：因为我觉得我是地球上最后一个圣徒。
　　　　
　　　　纷乱的爱，纷乱的性，纷乱的爱纷乱的性纠葛激起生活不止的涟漪。当宁的自我遭遇亨利另一个自我，当亨利用强悍的性欲将宁征服在床第，女人只是印证亨利自我的躯壳。
　　　　亨利米勒用颓丧的弗洛伊德派对、迷惘的酒精麻痹自己痛苦的思索；亨利·米勒强烈的欲望书写人性鄙夷的亢奋，用意识流洗刷着一切固化的伦理；亨利·米勒强烈的欲望批判人性的沦落，批判人性在金钱在诸多诱惑面前的虚伪与脆弱。
　　　　左岸的阳光，亨利与宁在桥孔里忘我地撒欢；暗夜的迷雾，琼撕碎亨利的书稿将他与宁甩在荒街的阴郁里，用冷冷地目光再次目睹他们的相拥……痛彻的同情不知道究竟该落在谁的身上。
　　　　
　　　　阿奈斯·宁：对于我，在米勒的旅馆房间里度过的最后那天下午像一只炙热的熔炉。在此之前，我仅具有白热化的头脑和想象力，现在获得的却是炙热的血、神圣的完美。
　　　　　　
　　萨蒂与德彪西
　　　　
　　　　神秘与阴冷的主题。整个电影的配乐俨然是三十年代先锋派的主旋律下完成。恰恰是采用萨蒂与德彪西的音乐章节与整个电影的格调如此的切合，在部分情节的跌宕后恰如其分地将萨蒂的音乐真髓浑然一体。
　　　　不由得折服考夫曼对互动艺术载体的纯熟运用，伴随萨蒂旁观者一般的阴冷，自我之后善意地思考人性，孤独的人类社会迷惘地前行顿足的伤感。
　　　　
　　布拉塞（Brassai）
　　　　
　　　　细心地观者一定会发现考夫曼引用了摄影大师布拉塞的作品：
　　　《珠光宝气的女人》（１９３２）
　　　《阿尔伯特成员中的流氓》（１９３２）
　　　　……
　　　　在亨利、琼与宁之后矗立着一位伟大的配角——布拉塞（１８９９－１９８４）。布拉塞是亨利·米勒非常要好的朋友，１９２８年来到巴黎，用他的照相机记录夜巴黎的生活，将镜头对准流民与腐朽，留下贫民窟人性最后的暗影。
　　　　１９３２年布拉塞得第一本摄影集《巴黎之夜》用先锋派艺术的浪漫格调再现了亨利·米勒在《北回归线》中描述的生活与状态，其中《戴草帽的男人》中低头依在长凳里的男人便是亨利·米勒。
　　　　考夫曼在本片中大量的镜头语言也深受布拉塞这种浪漫格调的影响，所以无论是细节还是演员的表现形式上都格外地令人称道。
　　　　也恰是以宁为主视角的镜头语言，让整部电影虚实详简颇具艺术气质，也切合了阿奈斯·宁所记录日记的文学意味，特别是三个主角的出色表演，叹服不已。既完整地叙述了作家间了纷乱又不显得庸俗做作。








　“这不是一本书。不，这是无休止的亵渎。是啐在艺术脸上的一口唾沫。是向上帝、人类、命运、时间、爱情、美等一切事物的裤裆里踹上的一脚……”（引自《北回归线》）
　　1934年，亨利•米勒写出了他的“处男作”《北回归线》，这时的他已经40好几了，在巴黎波西米亚社区过着经常一文不名的生活，但看得出他过得还算惬意，虽然经常饿肚子，但身边还算不缺女人。
　　1990年，美国著名导演菲利浦•考夫曼（Philip Kaufman）用胶片再现了亨利在巴黎的那段时光——我不得不说，比起《北回归线》里的那位总是恶狠狠地批判一切的亨利，电影中的他要可爱得多——这个亨利显得温柔一些，且更懂女人以及生活……
　　
　　第一次看《情迷六月花》那会儿我还在上大学。我是在一家小音像店里发现的这部电影的盗版VCD，看着碟盒上那颇具挑逗意味的“春宫图”（事后我才发现封面的女人与影片内容风马牛不相及），我决定将其收购。是的，我当时的购买动机有些可疑。因为在那时，我根本不知道它是美国作家亨利•米勒的传记电影。
　　应该说这部电影在我们宿舍里的“首映式”还算成功，即使不知道亨利老兄是何方神圣的哥们儿也都边擦着唇角的口水边喃喃地说过瘾。
　　而我本人更是在这之后将这部电影看了数遍，我完全被这部电影迷住了。海明威曾说巴黎是流动的盛宴，我也曾心醉于他不动声色的冷静叙述。可我还是要说，最迷人的巴黎绝不在那本书中，甚至也不在真实的时空之中，而只能在电影《情迷六月花》之中。那是一个颓废至纯洁无邪的香艳巴黎，在导演完美的光影调度下，伴随着德彪西、萨蒂和普朗克销魂勾魄的音乐，以及那个时代有着香颂风格的流行歌曲，我们会看到那些夜雾迷离灯影暧昧的长街，空虚如泡影的舞会沙龙，烟雾弥漫暗香浮动的色情酒吧，以及只属于野兽和裸身男女们的狂欢游行……
　　
　　影片是根据女作家阿娜伊丝•宁（1903—1977）的日记体小说改编而成的。据说她的日记现在已经原装出版，被取名为《火》。而她本人被称为身体力行的性解放先驱。“不论什么爱情，我都无法抵抗，我的血液开始起舞，我的双腿张开。”——阿娜伊丝如是说。
　　影片开始于阿娜伊丝对一个老头儿的拜访，这个老头儿可不简单，他就是大名鼎鼎的《查泰莱夫人的情人》的作者D•H•劳伦斯。老头儿好奇于阿娜伊丝为他写的小说评论中有如此老到的性爱感觉。阿娜伊丝说她的经验来自房东家发现的一叠日本性爱浮世绘明信片。随后老头儿开始对阿娜伊丝动手动脚，后者半推半就着，两人就在书房里发生了关系。阿娜伊丝当晚在日记中写道：她之所以没有拒绝是因为出于对年老的劳伦斯的同情。
　　阿娜伊丝在丈夫雨果的介绍下认识了亨利•米勒。但阿娜伊丝很快被举止粗俗且秃顶的亨利迷住了，她静静地倾听着后者不时闪烁着智慧火花的高谈阔论……
　　亨利的木偶戏演员的妻子琼从美国来巴黎看望丈夫。她和亨利一见面就要吵架，主要是她不满意亨利在小说中对她的描写，凭心而论，我这个拜读过《北回归线》的读者也认为亨利•米勒对琼的描写过于刻薄了。
　　在吵架之后，伤心的琼一个人破门而出，她是个一切情绪和想法都流露在表面的女艺术家，她性感、聪明而善良，这样的性格很容易受伤。她一直希望自己成为亨利伟大小说的不朽主角。可亨利则醉心于颠覆和反讽，根本不会去写她所希望的那种小说文本。
　　在一旁的阿娜伊丝追了出去，在巴黎夜雾弥漫的的街边找到了琼，她们一起去了一个女同性恋酒吧喝酒。后来她们又在酒吧彻夜共舞。阿娜伊丝事实上从一开始就被琼的波西米亚的成熟女人气质所吸引（其日记中的记述可以见证），尽管琼告诉阿娜伊丝自己干过所有放荡的事，但阿娜伊丝觉得琼是那样的纯洁无邪。在她们交谈时，阿娜伊丝不停地在重复一个话题：颓废到极致的女人才会真正的无邪。当晚这两个都具有双性恋倾向的女人并未越界。
　　琼走前委托阿娜伊丝帮她照顾亨利，于是阿娜伊丝开始经常去亨利住的那间又破又小的阁楼，和亨利讨论小说，并送了一个打字机给他。
　　在一次舞会沙龙上，阿娜伊丝一边跳着舞，一边用极其暧昧的眼神瞟着亨利，情场老手亨利自然心领神会。当阿娜伊丝到后台上厕所，亨利跟了过去，在音乐后台和阿娜伊丝发生了关系……
　　雨果有一段时间离开巴黎出差，阿娜伊丝和亨利也开始了秘密的恋情。她变得越来越狂野，对性有着饥渴般的欲望，跟外表文静清纯的形象完全判若二人。亨利也越来越大胆，甚至跑到阿娜伊丝的家里同其做爱，并差一点让出差回家的雨果撞上。
　　这其中有一段情节十分好玩儿，亨利在和阿娜伊丝做爱之后，心满意足地搂着阿娜伊丝，这时阿娜伊丝说：“还是跟你做爱好啊，”亨利一听挺得意，阿娜伊丝接着说：“我老公雨果的那个太大了，每次都得用凡士林才行，你的那个则刚好。”亨利一听此话立即萎了（考虑到我们在他的《北回归线》中能看到这样的一段叙述：“…… 你的西尔维斯特这会儿有点吃醋了吧？他觉得不大舒服，是吗？我感觉到我硕大的阴茎留下的东西了。我把你那玩艺儿撑大了，我把皱纹都熨平了。跟我干过之后，你尽可同公马、公牛、公羊、公鸭子和一只瑞士圣伯尔拿僧院驯养的雪山救人犬干……”——我们可以得出结论：千万不要把作家在其自传小说里说的话太当真）。
　　也许是阿娜伊丝觉得歉疚，当她和雨果做爱，她开始显得疯狂。雨果可能亦有所察觉，他甚至很反常地在巴黎狂欢游行上带着面具当街对阿娜伊丝进行性袭击，表示自己也能狂野。事实上，雨果好像也认识到光是对一个女人无微不至的好，表现谦让、完美的没有缺点的绅士风度，女人未必满足。阿娜伊丝好像就是这样，雨果对她来说是个好人，仅此而已。但她好像更喜欢表面很张扬、一身烟味、有点狡诈，充满激情又主动进攻的亨利——亨利的确释放了阿娜伊丝作为女人的激情和性幻想。
　　在阿娜伊丝的恋情的鼓励下，亨利终于写完了《北回归线》。阿娜伊丝帮亨利联系了出版商，和出版商洽谈的那天，琼又从美国到巴黎。在酒吧里，阿娜伊丝和亨利坐在一起，她看琼的眼神一直很显得很微妙。好在琼喝醉了，没有感觉到。
　　琼在回家后再次指责亨利没把她写好，亨利愤怒地掀翻了桌子……
　　阿娜伊丝和琼来到了小阁楼的里屋，阿娜伊丝开始亲吻并爱抚琼。可琼突然变得有些紧张，她说亨利会在门外听到的。
　　阿娜伊丝随口说，亨利一旦睡着了天塌下来也不会醒——琼也因此知道了阿娜伊丝和亨利的隐情。
　　她哭着说阿娜伊丝和亨利都显得聪明而残忍，只有她这样的人才总是绝望和受伤。琼继续说阿娜伊丝的颓废只是在收集作为作家的经验。琼甚至说，其实亨利也亲口说过，阿娜伊丝对亨利和琼这么好是因为精神无聊……
　　阿娜伊丝通过琼的话好像理解了亨利的另一面。她一个人走出了波西米亚社区，无助地抱着自己的小说手稿，在街上漫无目的地走着。这时雨果开车来接她，他还是像什么事都不知道似的，阿娜伊丝看着雨果这样，反而眼眶湿润。
　　汽车驶出街道，超过了骑着自行车的亨利，雨果跟他打了一下招呼。汽车继续前行，把亨利慢慢甩在后面。从反光镜里，阿娜伊丝看见亨利的脸一开始很尴尬，一会儿他又自嘲似的做个鬼脸，苦涩地笑起来——他仍然是一个坚强而乐观的人。
　　看着反光镜中的亨利，阿娜伊丝不禁泪流满面，她或许是为自己在一夜间同时失去她的异性情人和同性情人流泪，或许也在为自己成为一个成熟女人的痛苦过程流泪……
　　
　　 过后好久，我才知道《情迷六月花》原来是美国著名导演菲利浦•考夫曼的作品。并了解到《情迷六月花》是他在完成《布拉格之恋》的两年后完成的，其中后者使菲利浦•考夫曼的名声如日中天，而前者却让他遭到了上至美国电影协会，下到影评界的一致贬斥。由于片中过多的性爱暴露镜头与毫不掩饰的女同性恋场面，影片也被定为美国电影史上第一部NC-17级别的影片（17岁以下人士禁止观看）。
　　导演菲利浦•考夫曼对这一结果很是不服气，就自己跑到华盛顿去抗议。好笑的是美国电影协会负责人们在仔细重看此片后，认为原来的定级确实不准确，这些可爱的专业人士们进一步认定这部电影即使是对于大多数17岁以上人士来说同样不宜观看。于是《情迷六月花》被改定为Ｘ级（色情影片），也就是在一般院线不得放映，只能在Ｘ级院线放映。在家庭录像及影碟发达的90年代，去Ｘ级院线的观众寥寥无几，《情迷六月花》至此已相当于被禁映——这下菲利浦•考夫曼完全服气了，这从他若干年后拍的另一位“色情作家”萨德的传记电影《鹅毛笔》中能看得出来。
　　
　　•在片中饰演亨利妻子琼的女演员是有着“好莱坞有史以来最美女人”之称的乌玛•瑟曼（Uma Thurman）。她在本片中的扮相堪称美艳绝伦、倾国倾城，即使单是为了看乌玛•瑟曼的脸蛋儿和身段儿，将这部艺术电影看完也绝对值得。
　　
　　•1931年12月，当阿娜伊丝第一次遇见琼之后不久，她写下以下日记：
　　“一张惊人苍白的脸，燃烧的眼睛，琼•曼斯菲尔德，亨利的妻子。当她从花园的阴影走入门厅的光亮中，走向我，我生平第一次看到了世界上最美的女人。许多年前，当我尽力去想象一个纯粹的美女，我在自己脑海中创造的形象就是这样一个女人。我甚至想象过她会是犹太人。我早就知道她头发的颜色，她的轮廓，她的牙齿。她的美貌淹没了我。当我坐在她的面前，我感到自己会去做任何她要求我做的事。亨利黯淡无光了，她就是色彩，光亮，新奇……那天晚上我像个男人，疯狂地爱上了她的面孔和身体，如此的诱惑……”
　　
　　•亨利•米勒于1932年3月10日写给阿娜伊丝的情书：
　　“你让我欣喜若狂，你让我保持完整——让我做我的艺术家，而同时仍旧是那个男人，那个野兽，那个饥渴贪婪的情人。没有任何女人给过我所需要的所有特权，而你，如此勇敢，如此快乐地叫了出来，甚至还大笑着——是的，你邀请我前行，做我自己。我为此仰慕你。那是你真正高贵之处，一个超凡的女人。你是怎样一个女人啊！现在当我想起你的时候我忍不住笑起来了。我对你是女性这一点毫无畏惧。”
　　
　　•《情迷六月花》（Henry & June）——电影史上最为唯美的“情色”经典，30年代巴黎诡异魅惑的全景，巴黎艺术精英们之间的情爱隐私……
　　
　　•严肃艺术、政治及人性解放的话题一直是《情迷六月花》（Henry & June）导演菲利浦•考夫曼热衷的题材，他喜欢把主人公放在一种极端的体验中，不顾后果地去挑战传统的道德规范，挑战守旧的神经末梢，让他们去煽动、颠覆、诱惑，在感受美好燃烧的同时也永无止境地沉沦。因而他影片人物的对白总带有脆弱的敏感，细腻的感触，正如欧洲影片一如既往的特质。他又融尖刻与华丽、幽默与妄想、寓言与童话于一体，在古典乐、爵士乐、拉丁音乐、捷克民间音乐等生动而丰富的音乐形式的伴奏中拼贴出一副瑰丽诡异的人间图景。







　一、片段
　　
　　晚上在碟包里扯出了压抑很久的《亨利和琼》。两个小时，平缓得像溪流一样，没有热浪，没有高潮。这也是菲利浦-考夫曼留给我的全部印象，正如他的另外一部电影《布拉格之恋》，远远没有昆德拉好看。虽然没有读过亨利米勒的作品，但可以相像应该比这部电影好看。
　　我不断地想起劳伦斯。这个长着海明威式胡子的老头在电影开始不到三分钟里，就把抽雪茄的手伸向了安妮的双腿之间。我想，这个出身卑微的男人把文字插入无数女人内心的同时，也把生殖器插入了多少女人的下体。
　　其实，生活像生殖器一样，只有真正进入某种东西的内部时，才有他存在的意义。亨利米勒正是这一理论的坚守者。接下来，头顶像地中海一样的亨利和安妮一个废弃的隧道里做爱，伴随着亨利老头激情的喊叫，秋天的枯叶在他们的脚下有节奏地低徊着。这时，老头的手也像秋风中摇摆的树枝一样颤抖不已，他说，我要撕开你的衣裙，我要进入你的身体。这个时候，我忽然想起了查太莱夫人和她的情人在柴房里做爱的片段。
　　
　　二、闲扯
　　
　　Ours is essentially a tragic age, so we refuse to take it tragically.
　　在认识Cherry的大学英语角上，我一开口就说出了《查太莱夫人的情人》中的第一句话。显然那个刚上大二的英语系女生愣了一下。我故作深沉地对她说，世人对劳伦斯存在诸多误读。后面的，以及往后的诸多次交谈我已经记不清了。我只记得在那个压抑透顶的冬天里，我并没有把这段故事延伸到床上。
　　在时隔三年后，在毕业的跳蚤市场上，我再次遇到了Cherry。于是，我顺手把那本伴我渡过数个发情之夜的书送给了她。我说，在书中，你会找到我四年青春的印迹。因为，如果她仔细看完全书的话，她一定会在书中的某一页发现一些残留的斑痕。
　　对那个年代的我来说，恋爱还是一件奢侈的事情。我宁可在宿舍无人职守的黑夜里辛勤劳作，也没有勇气去单独约自己心仪的女孩子。于是，在那个影像还十分匮乏的年代里，我几乎完成了对古今中外禁毁书系的全程扫描。中国古典的就不用列举了，我印象深刻的是有一套黑皮的西方色情经典图书，那套书里有卡桑德拉的炼狱，体热，o娘的故事，淑女劫等等。当然，以上书都是在学校周边的一个小书店里借到的。在平时，哪天忽然来了兴致，手头又没书时，把那本英文原版的情人拿过，翻到高潮的一段，目光像钟摆一样在那些诸如pubic，pussy，vagina，enter等词上摆动，然后佐以联想，配以《读者》夹页广告上的女明星，完成一次节俭版的劳作。想想如今的八0九0后们是多么幸福啊，有松岛，有电驴，还有豆瓣。现在豆瓣还推出了“豆瓣猜你会喜欢...”，我给了官人我要五颗星后，豆瓣马上给我推荐灯草和尚，多么富有关怀精神啊。
　　
　　三、背叛
　　
　　扯远了，再谈谈电影。
　　安妮说，不论什么样的爱情，我都会张开双腿迎接它。
　　安妮与琼的亲昵，不过是安妮与另一个想像中的自己交合。
　　就像“白日美人”中的那位贵夫人，因厌倦了程式般的生活，以至于经常梦到自己被强奸的场景，于是她下决心去体验一下做妓女的感受。同样，在安妮那里也这种类似的体验。只不过，安妮分裂得更加“艺术”。
　　安妮和丈夫做爱时说，把我当作琼，使劲干她！
　　安妮对琼说，我崇拜你，我想经历你所经历的。
　　前后对比，女人的内心昭然。
　　安妮在与亨利的交合中说，我要进入你的思想，我们合二为一。
　　安妮在一次与丈夫的偷袭式的交合中忽然感受到了前所未有的高潮，她喃喃自语，我背叛了谁？
　　可见，所有的一切，只不过是感官的冒险之旅，内化成了精神的自我欢娱。
　　
　　四、虹
　　
　　两年前那个燥动不安的周末，我把虹带到办公室看了一部苏菲玛索主演的情色片。这个从俄罗斯留学回来的钢琴教师，身上有一股淡淡的香草味，这种气息让我着迷不已。每一次接吻，我都能感受到她内心的汹涌澎湃。我吻她的耳垂，她粗重的呼吸和呻吟几乎把影片中苏菲的声音淹没，她用弹钢琴的手指在我身上舞动得上下起伏。在新添置的办公室沙发上，顺着她峰回路转的身体，我找到了那支川流不息的水源。
　　忽然，她把樱红的嘴唇从我嘴上移开。她说，不要这样，不要这样，我不能对不起他。
　　我说，虹，已经进去了。
　　
　　无论如何，色情都是一种文学现象。









考夫曼(Philip Kaufman)的名字是电影界也属是响响当当的了,他所有的电影,能凑得上数的有十几部,但算是伟数的我认为只有三部,其他的都几近可以不看,看了也白看,考夫曼的这三部电影是<布拉格之恋>,<情迷六月花>和<鹅毛笔>.这三部电影很凑巧都和文学有关,而其中有一部是跟我崇拜的一位作家享利米勒有关，这就是：《情迷六月花》。
　　
　　
　　 记得那天窝在被子里看这部电影的时候,窗外的小雨正沥沥飘个不停，仔细瞧久了，又发现因为有风的缘故，空中的雨竟然是横着飞的，就像阿甘在越南经历的那场一个月的连绵大雨一样，实在是酷毙了.电影的英文名叫《Henry＆June》，中文直译是<享利与琼>,有个香港译名叫<情迷六月花>(JUNE也是六月的意思,六月花指的也就是琼了),而台湾的名译则是<第三情>，相比之下，我更喜欢〈情迷六月花〉这个译名，因为我觉得这是一部关于爱情界定概念被迷失的电影。
　　
　　 电影以极为平静的的语调讲述了是美国文学史上有名的作家享利米勒在巴黎居住时发生的一段生活故事, 这其中最重要的,也是电影所重点表现的就是他与两个女人的感情瓜葛，一个是他的第二任妻子（生活中他有五个妻子，妒忌中....）琼，另一个是侨居在巴黎的有夫之妇安妮.
　　
　　 关于巴黎,米勒曾在<北回归线>中是这样写道的:"巴黎,一座永恒的城市!它比罗马更久远,比尼尼微更壮观,它是世界的肚脐,人像一只漂到大门面中死一般寂静的软木塞,独自漂浮在这儿."<北回归线>是米勒最伟大也最成功的一部作品,也正是因为这本书，才让我崇拜起享利米勒来，很抱歉我只能用崇拜，说喜欢那会有些渎职的。在读书的过程中，那感觉就如封面上印的那句宣传语一模一样：这也许是唯一一部会让人读出快感的作品。读得很爽，几乎就是一种快感式的渲泄，《北回归线》出版时曾因为包含着太多淫秽的文字而被美国人查禁,后来在法国解禁,却被人争相传诵,《北回归线》也是作者本人的一部自传性的作品,在这本书里,享利米勒用天马行空的想象加上无比深刻的思想，快速而深刻地再现了他在巴黎的一段真实生活过程.相信考夫曼选择巴黎做为电影的表演空间看重的也就是米勒曾在这个城市里留下的不可磨灭的生活证据,在巴黎的生活,也是更能体现出米勒最真实的一面的地点所在!
　　
　　 电影的剧情始终围绕着米勒与琼之间的爱情命运而展开,当然,这种所谓的人爱放在米勒的身上,那到底是怎样的一份爱,精神还是肉体？灵魂还是生命?游戏还是放荡?仿佛界限都那么的飘忽,在<第三情>这部电影中,所有的人游走奔寻的都可以称作是爱,也都可以叫做欲,当安妮为了一种身体上的快慰不停地奔走在人群之中时，她那带有火焰一般的迷人眼神，触及之处可谓是火光四射，男人，女人，丈夫，情人，玩伴，都是她寻找欲望的目标！而琼与享利则更是疯狂，两人在片中互相亲抚的场面处处都显得那么的随性,安妮家作客空隙间两人情不自禁地相互抚摸，野外郊游时在大自然的世界里抱作一团， 肉体上的占有让爱的界线也变得模糊不清。作为爱,也许是我们了解的太少,也永远都不会懂得,如果不是亲身感受的话.
　　
　　 对于爱或者女人，米勒在书中这样写道:"一个人总是追逐新的女人便会厌倦,这会变得机械起来,你瞧,问题在于我无法恋爱,我是十足的利已主义者,女人总是帮我做梦的,仅此而已."在电影中,霍夫曼所表现的享利米勒是最真实的，他也的确是这样做的,琼的爱被他视为其写作的动力来源,做梦的安眠药，琼此时所谓的爱已然变成一种实用价值的感情了,当琼选择离开的时候,这也就是她失去价值的时候,当然也是作家断裂灵感源泉的时候,也只有在这个时候,这个男人才能表现出那种肝肠寸断的痛苦,这一点看似是电影唯一值得庆幸的真爱！可是,痛苦并不在于失去爱,而是失去梦,在影片下意识中,导演菲利浦.霍夫曼却是用一种男人利益的价值观来回报女人无私爱情的,放在当时的享利米勒身上,这真是贴切的拥抱,享利米勒风流快活,从来都是似女人如工具一般,米勒总是利用自己的知名度,异人的思想,出色的口才来为自己的寻欲道路上打拼出一条宽敞大道,正应了荷兰文学家埃拉斯穆斯的那句话,"男人在谈情说爱的时候习惯于胡说八道,为了迫使女人委身于他的情欲,他什么荒唐事都做得出来.",而且更为疯狂的是,米勒本人一点也不为这一切忏悔,而且还认为他所做的一切都是顺应自己心底最深处欲望最真实的做法,在米勒的身上, 我仿佛又看到了另外一个人的影子,一个如他一样作品被大众谴责的色情作家马尔奎.德.萨德伯爵,他曾在刑椅上这样回答皇室的拷问:"无论那是什么,都不可能是错的,我根据内心最深处的欲望行事,这无法抗拒.".萨德直到最后可怜的死在疯人院里的时候都没有得到最权威的皇室认可,当然,就算认可,萨德也一定不会接受那象征禁锢的封爵.直到二十世纪,萨德的作品才被艺术家们重新挖将出来,<索多玛的120天>也被意大利著名导演帕索里尼翻成了电影，当时轰动世人，而且还是如书本一样逃脱不了被禁的命运。比起一百年前的萨德来说,享利米勒的疯狂也许还不足惜以论,但同样的命运放在两人身上可以看出很多东西,对生活的不满,对世人无知的鄙夷,对自由的追求,对爱的利用,都是显而易见的类同.而且更为巧合的是,考夫曼在5年之后把萨德的故事搬上了屏幕,并且取得了巨大的成功,在当年的奥斯卡上获得了好几项奖。真是一回生，二回熟啊，如此说来，应该要好好期待他的下一次了！
　　
　　 在这部电影的另一面,考夫曼还用了过多的笔墨来着色另一种的爱情,那就是安妮与琼之间的同性能之爱.，这两人竟然也是在互相爱着的，在我看来,两个女人之间的爱是源自精神深处的爱，才是与欲望无关的一种爱。电影中很多次她们俩的对话中都有说到“纯洁”这个词，很贴切的词语,爱在个女人这里是一种彻头彻尾的纯洁的爱,是不带一丝丝的烟花粉的爱情。当电影最后,琼从纽约归来知道了丈夫与女爱人之间的关系了，她选择了离家出走，而此时的安妮也万念俱灰， 一样选择了离开享利。离开,在这里只是一种逃避的手段,而不是绝情的抛弃,因为对于那个男人而言,是无情可绝的.在享利身体内永恒性的注入一种本能的寻找灵感的天份,考夫曼加入的这段美妙爱情,不仅体现了女人的无辜与被伤害了,也反衬了在米勒身上那种虚无与价值混淆的流氓行径.要在这里讨论这两种爱，哪一份才是真正的爱，那是没有意义的问题，因为，电影的人都在真诚的追求着自己所谓的爱，有的是欲望，有的是需要，有的是体贴，也许还有什么都不追求的爱。
　　
　　 在电影的结尾，那条熟悉的街道中，丈夫来接走了安妮，汽车行驶中遇到了骑自行车的享利，看着安妮紧紧握住男人的手，作家故作轻愉地笑了起来了，拉了拉帽子,遮盖自己的脸,永远都不显示自己的真实心痛,也许在帽子底下能看到一种失去梦的人才能具有的痛苦到扭曲的脸.
　　 电影就这样在安妮的一段喃喃自语中结束：
　　"今天早上我哭了
　　我哭是因为我爱这条让我离开亨利的街道
　　有一天或许也会因为它让我回到亨利的身边
　　我哭也为了成为一个女人的过程如此痛苦
　　　　我更为了从今起不再哭泣而哭 。"
　　
　　 电影灰蒙蒙地就这样结束，把一段哀伤的感情余丝留给了我,当看到汽车渐渐地消失在马路上时,我关掉了电源,从来都不喜欢看字幕的落成,那像是宣告生活的暂停那么残酷而不好接受！望着窗外不停歇的雨水,又想想电影中最后出现的那片灰暗的天空,寂寞的气息升上空荡的房间里，在考夫曼的这部电影中，我找到了一种久违的真实,真诚，同时也得到了生活的教训,启示。爱,真的是难以界定的!









　题记：我在写一个故事，这个故事充满了欲望和背叛。当一切尘埃落定的时候，我才发现故事终究只是故事，现实远比故事真实残忍得多。
　　
　　在我沉静温柔的外表下充斥了对于不同寻常的情感的迷恋和追寻，我的灵魂告诉我：安娜依丝宁，你不是天使。
　　是的，只有我自己知道，我是那么深地渴望着不同寻常的爱情体验。
　　一年前，我按捺住出轨后的兴奋和不安走出这条街道，雨果打开汽车门微笑着说：可以带你一段吗？
　　一年后，还是这条街道还是深爱我的丈夫，他照例打开汽车门微笑着说：可以带你一段吗？恍惚间，我知道自己只能回到原点，丢开曾经迷恋的人和事，失去了，也得到了。
　　雨果的汽车缓缓开过这条让我遇见了亨利又离开了他的街道。亨利骑着脚踏车尾随在汽车后面，愉悦地保持着作为雨果，我的丈夫的亲密伙伴应该有的表现，在岔道口，他以一个轻松告别的姿态离开了我的视线。留给我的，是窗外满目的灰色。他的笑容远比琼的愤恨更深地撕裂了我对爱情的定义。
　　我的眼泪悄无声息地流淌下来，我哭，是因为成为一个女人的过程如此痛苦。我爱过亨利，爱过琼，爱的时候都是那么投入，愿意付出我所有来成全他们的要求。然而我又是怯懦的，当雨果的脚步声逐渐响起，我只能惊慌失措地熄灭燃烧着的欲火，把亨利一人留在房内，转而用充满着亨利的气息的身体将雨果挡在了真相的门外。当琼说亨利在隔壁听着的时候，我又一次惊慌失措地选择了逃离，逃向亨利。每一次当我想掩盖我的背叛，我本能地选择与其做爱。或许，这只是一种欲盖弥彰的证明和偿还。
　　我哭，是因为我的痛苦消失了。而痛苦的不存在我居然如此不适应。一直认为只有痛苦才能诞生深刻，爱就是伴随着苦痛和不安的。不可思议的情感永远都来自于真实的世界，远比小说电影深刻残忍得多。现实让其所有的复制品黯然失色。
　　那些身体的纠缠如此真实，快乐得无法言喻。那是和雨果在一起时永远不法达到的境界。世人眼中畸形肮脏的欲望充满我的内心，我给他们冠以爱情的名义。是的，我爱他们，深深地爱。当亨利离去的时候，我找到了琼，当琼离开的时候，我又找回了亨利。他们在我的生命中轮回，燃烧我蓬勃的爱情欲望，像奔腾的岩浆，左冲右突寻找出口。
　　琼不爱亨利，她爱的是能写出自己不寻常生平的陀思妥耶夫斯基；亨利不爱我，他爱的是能助其成为琼的陀思妥耶夫斯基的欲望之泉；可是，我爱亨利也爱琼，所以我伤害了爱着我的琼，并且被我自以为爱着的亨利伤害。被背叛的琼愤怒地面对着我和亨利，撒掉了那一沓被冠以爱情的名义的作品，是我和亨利用我们的身体我们的欲望为她而写的作品。琼的离开终于让我们解体。
　　没有公平不公平，如果选择离开，我要离开亨利，如果选择留下，我要留在雨果身边。失去了一切痛苦，也得到了失去哭泣的权利。那些故事，飘零在现实里，披着黄旧的光晕。

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[s:20] [s:20] [s:20] [s:20] 当然历史证明绥靖政策是软弱及错误的，但丘吉尔战后马上就被赶下台又说明什么呢？历史的角度真可以多样。

这部片子拍的很优秀，人物刻画的非常到位，即使是一个年轻议员的配角，2分钟的滔滔不绝也栩栩如生。




影片在现今和1939年二战前夕的英格兰之间穿梭，展现了传统的凯耶斯大家族的的命运。大女儿安妮是一名有前途的女演员，她爱上了名叫劳伦斯的外国军官，然而她完美的生活在偶然发现几盘有关反英国纵容纳粹政策的秘密录音带之后急转直下。调查录音带来源的过程中，阴暗的秘密被触及了，造成一位好朋友的死亡。战争爆发后，追寻真相的安妮逃到伦敦为自己的猜疑寻找证据，但直到她被抓住并且囚禁，她才明白自己被背叛得究竟有多深。





剧情的发展，让我觉得一切的背叛都可以被时间冲淡，那些曾经的伤害，亲情的纠结。。。
　　
　　 她的父亲与弟弟在维持与跟随张伯伦的“绥靖政策”，他们何错之有，但当她发现她父亲与弟弟的“暴行”后，准备通过她的准男友公布于众的时候，她的父亲与弟弟毫不犹豫的杀掉了她的男友，并给予了她警告，但这一切没有动摇她的想法，最后亲情还是战胜了政见不同的迫害，她的父亲与弟弟并没有迫害她。
　　
　　 剧情并没有深刻的批判，也许这是最好的，没有绝对的对错，结局给予了我们一些更深层的思考。



看这个名字，本来还以为是类似〈赎罪〉的战争爱情片。却原来是伦理片讲了一个道理，孩子还是只疼自己生的：1939的大时代背景，在战争边缘的英国，推广绥靖政策的政府实施恐怖政策暗杀自由主战人士，但故事其实没有讲历史战争，却把画面放在一个道貌岸然的高贵家庭。大女儿是被收养的，艺术天赋高做了女演员。之后家庭诞生了女儿，儿子和乐融融，其实只是假象。很快大女儿无意中发现的窃听录音揭开了一连串针对她的陷害，可惜我们美貌而衣服换个不停古典风的女主不是特工佳人，只害得一个个要帮她的男人身首异处，女主终于发现了幕后黑手是自己的弟弟，却未发现自己一直敬爱的老爸才是终极黑暗大BOSS。最后被捉住囚禁，而家庭的面子不能撕破，最终BILL NIGHTY大叔又再操狼外公老本行演坏人。当然，结尾还是光明的。要活得够长才能安然再当年的小帮凶面前展露笑容啊。
　　这片质地感很好，无愧BBC出品的历史剧。而且其中刻画人物的心理细致入微 ，例如女主感受到了自己的被收养地位而被人鄙夷是通过个个极其小的细节，比如陪姑妈（英剧里总有唠叨的厉害姑妈）居住的时候，移动了留声机也被说，出去行走姑妈要换鞋，撒娇式的命令她把自己的鞋上泥土刮掉，这些给人内伤的小行动就暗示了后来女主的悲剧缘起--一个遇到关键时刻就要踩死她的虚伪家庭。不过为了平衡，还是让最沉默戏份最少的妈妈关键时刻给她开了生命之门，一直埋头园艺让人看不出多少的感情的母亲，在偷偷把门打开之后对着女主只简单的说“GO”，这才是关键时候的大爱。

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这是我看到的最好的音乐剧，远超过“音乐之声”。

另外犹太教在这里让产生了一些好感。真正打动人的是人的朴实，真实的生活情感。

最终其实还是这部片子的人物的朴实真实深深的打动了人[s:20] [s:20] [s:20] [s:20] [s:20]



贫困的送奶工人特伊（以色列男演员托普饰）生活在一个乌克兰族的犹太人居住区，在那里，他不得不忍受来自非犹太居民的歧视；五个女儿理不清的感情纠葛也让他操碎了心。特伊常常不堪生活重压，却无法从妻子格特（诺玛．科恩饰）那里得到丝毫慰藉，为排解苦闷，他更愿意向上帝倾述衷肠。
　　特伊一心想把大女儿特拉嫁给有钱的屠夫拉查．沃夫，然而，事与愿违，特拉却爱上了穷裁缝默特．卡姆佐（里奥纳多．弗雷饰），此时的特伊不得不为女儿另做打算。特伊认为自己要比那些整天骑在他头上的非犹太人大宽容得多，可最终还是不能接受另一个女儿夏娃决定和非犹太人菲得卡结婚的想法。当他和邻居被沙皇的手下从居住地强行赶走后，一向循规蹈矩的特伊这才意识到必须改变过去的处世哲学，重新开始生活。



先转载一段, 我也不用费力去写剧情梗概了。
　　
　　 《Fiddler on the Roof》是根据阿列切姆的犹太文学作品改编的两幕音乐剧。由Jerry Bock作曲，Sheldon Harnick作词。由著名的杰罗姆.罗宾斯编舞。
　　 1964年在纽约首演，并多次获得殊荣。1965年获第十九届托尼奖最佳音乐剧、最佳男主角、最佳导演、最佳编舞等七项大奖。1972年因该剧在百老汇演出时间最长而获得第26届托尼奖特别奖。91年获最佳重演奖。而且由音乐剧改编的电影也在1971年获得奥斯卡最佳音乐、摄影、音响奖。
　　 该剧中的灵魂人物是男主角泰维(电影版中的泰维由以色列演员Topol出演，他的表演非常吸引人）。他是一位养牛的东欧犹太人，他具有非常开明的思想，并深爱着他三个未出嫁的女儿。为了她们的幸福，他拒绝了富有的屠夫的求亲，让大女儿如愿嫁给了青梅竹马的穷裁缝；勇敢地破坏了传统，让二女儿和激进的大学生自由恋爱；甚至突破了心理上极大的矛盾，让三女儿和俄罗斯族青年私奔。是一位非常了不起的慈爱父亲。
　　 （看看，这剧情梗概写得也不甚准确。泰维接受了屠夫的求亲，不过在大女儿的要求下，同意女儿嫁给了自己的爱人；但是他不能接受三女儿嫁给异教徒，在影片最后，他们被赶出俄罗斯，三女儿前来道别，他说：MAY GOD BE WITH YOU. 而且泰维有五个女儿，而不是三个。泰维养了几头乳牛，平时给人们送牛奶维生。）
　　
　　
　　
　　 看完影片我问，“为什么叫屋顶上的小提琴手？” 老笨要我说我的答案。
　　
　　 我想了想，说：一般我们脑海中的小提琴手都是在舞台上的，而这个片子的序幕是由屋顶上的小提琴手的琴声伴随着日出而揭开的。小提琴手出现的次数并不多，一次是泰维得知政府要针对他们犹太人进行一次示威（也就是打砸抢）。小提琴手出现了。一次是整个村庄的犹太人被赶出家园，当泰维在泥泞的道路上拉着自己的破车，跟着妻子和孩子。小提琴手出现了。我想，也许是说的我们每个人都是一位小提琴手，不论生活如何的窘迫，不论是辉煌的舞台，还是简陋的屋顶，我们都应奏出自己的歌。泰维，一个贫穷的milkman， 一屋子的女儿，他却幽默的唱出“If I were a rich man.”.
　　
　　 过了一会儿，我想了想，还是不对。整部影片围绕着传统与变迁展开。影片一开场一段欢快的唱段就是“tradition”.当大女儿央求泰维同意她和穷裁缝的婚姻的时候，泰维左思右想的,质问“tradition”; 当二女儿告诉泰维她要和基辅来的大学生结婚时，泰维问“tradition”; 当三女儿和异教徒私自结婚后，泰维痛苦的说” tradition”. 曾经维系整个民族，和村庄的运作的TRADITION， 一次一次的遭受挑战并被打破。而屋顶上的小提琴手，在拉琴的同时必须保持平衡。而泰维不断的在传统与转变中被撕裂，他也不断地在传统与转变中寻求平衡。事实上，泰维每次的思索过程就是寻求平衡的过程。 这也是影片中我最喜欢的安排。每当泰维在进行思想斗争的时候，导演将女儿与未婚夫用镜头泰维身后远处，处理为两个模糊的影子。泰维自言自语，不断地用” ON THE OTHER HAND”…来进行思维的转折。 同时，好像东欧犹太人喜欢在屋顶拉小提琴，为什么？ TRADITION。 据说这已经成了一个象征之一。 所以，我猜想，影片的名字就象征着传统与转变之间人们的寻求平衡。 另一方面来说，事实上还有很多更大的外在因素站在这些生活在异国的犹太人们身后：革命，战争，沙皇对犹太人的迫害，黑死病。。。正如基辅来的大学生说的，世界并不远。而所有一切巨大变化反映到泰维的生活中就是三个女儿的婚姻，和最后一击：被迫离开家园。
　　
　　 我并不喜欢音乐剧。觉得音乐剧啰嗦，矫情。可是这是我最喜欢的一部音乐剧。剧中人用音乐来表达心声的时候，音乐和剧情结合的是那么的自然，如同从他们的心中流淌出来，天衣无缝。 另一方面，俄罗斯美丽宽广的自然风光也为该片添上了砝码。而与大多数好莱坞音乐剧不同的是，该片音乐和舞蹈有很多的民族元素，比如在小酒店的那一段犹太人和俄罗斯人们的狂欢，结婚时后的瓶子舞蹈. 这样的民族元素给音乐和舞蹈加入了活泼泼的生命力，绝非在好莱坞布景棚里所能相比的。
　　
　　 影片的主角泰维由以色列演员topol扮演。我只能说，我认为他的表演无懈可击。虽然影片中一个穷人能够表现出来的层面似乎并不多，他表现出来了。当屠夫求亲的时候，他喜欢有钱，希望女儿能嫁给有钱人，应允了；他女儿央求他的时候，他是慈爱的父亲，希望女儿幸福；当女儿要嫁给异教徒的时候，他痛苦万分，不能违背自己的信仰；他有温情的时候，问嫁给他二十五年的妻子“do you love me?”. 他还很狡猾，编了一个梦蒙骗妻子让她同意大女儿的婚姻。他乐天，幽默，他就是生活的小提琴手。 可惜那年他败给了马龙。白兰度（“教父“）。其他演员的表演也很好，三个女儿，妻子，媒婆，屠夫。。。
　　
　　
　　 影片也丝毫不煽情。看了一篇影评，说煽情。我认为影片的分寸把握得非常好，我猜想导演脑子里恐怕根本就没有出现煽情的念头。 真正优秀的导演不煽情，他们已经感动了自己。
　　
　　 片子在个别地方稍嫌拖沓，但是整体节奏掌握的还是不错的，毕竟是一部音乐剧。而且导演对于大环境的把握也很好，没有过多的让冲突进入日常生活，影响到整个片子的基调，却给人留下了回味的余地。
　　



屋檐下是爱，屋顶上是自由——评《屋顶上的小提琴手》
　　
　　passionfly
　　
　　 卡尔·马克思、爱因斯坦、波尔和波恩、弗洛伊德、库尔特·戈德尔、约翰·冯·纽曼、卡尔·波普、弗兰茨·卡夫卡、海涅、毕加索、卓别林、希区柯克、斯皮尔伯格、罗曼·波兰斯基、大卫·李嘉图、米尔顿·弗里德曼、保罗·萨缪尔森、罗斯柴尔德、摩根、洛克菲勒、巴菲特、卡耐基、哈特、拉兹、德沃金、波斯纳……在这一长串让人高山仰止的名字背后，有一个共同的名字——犹太人。
　　
　　 从这些名字当中，不难看出犹太人在西方世界尤其是美国社会的精英层中具有怎样的控制地位：物理学、经济学、商业、法律以及文化和娱乐业。而且，犹太人所信仰的犹太教还是基督教和伊斯兰教的渊源。如此正统与显赫的身份，在西方世界的历史中却一直背负着被歧视与被驱逐的悲惨命运，从11世纪的十字军东征（凯文·科斯特纳的电影《侠盗罗宾汉》1991），到16世纪的工商业兴起（阿尔·帕西诺的电影《威尼斯商人》2004），再到20世纪的第二次世界大战（斯皮尔伯格《辛德勒的名单》1993，波兰斯基《钢琴师》2002），实在是不公得有些吊诡。如果说“多难兴邦”，那犹太人却是连“邦”都没有。
　　
　　 前日看美剧《the big bang theory》时突然提到了《屋顶上的小提琴手》，让我想起了很早以前买了没看的DVD，没想到居然是一部讲犹太人的经典老片。《屋顶上的小提琴手》1971年改编自Sholem Aleichem1964年的百老汇音乐剧《特伊和他的五个女儿》，其风格酷似1965年改编自理查德·罗杰斯1959年百老汇音乐剧《冯·特拉普家的歌手们》的《音乐之声》。所不同的是，《屋顶上的小提琴手》比《音乐之声》中的维也纳少了太多的浪漫贵族气质，多了底层人民的现实沧桑感。也许对于小资情调的外语系mm们，会更青睐《音乐之声》，但对于网络愤青们，《屋顶上的小提琴手》或许是宣扬自由、民主、博爱更好的材料。
　　
　　 来看看网上的犹太人现当代史背景介绍：“19世纪末期，由于东欧的迫害加剧，成千上万的犹太人逃离此地，大多数投奔美国、加拿大和西欧。到1924年，共有大约200万犹太人移民至美国，因当时美国社会对待犹太族群的态度相对比东欧而言更加宽容。在德意志帝国时期对犹太人的迫害达到顶峰，发生了灭绝约600万犹太人的大屠杀。1948年以色列国建立，是自罗马摧毁耶路撒冷后近2000年来成立的第一个犹太人国家，并人为复兴口语希伯来语的使用。但以色列建国的地点是在巴勒斯坦地区，导致和当地定居已久的阿拉伯裔巴勒斯坦人矛盾激化，致使原先居住在阿拉伯国家的近90万犹太人陷入困境。到21世纪初，美国和以色列是犹太人的主要集中地。”
　　
　　 也许了解了这段犹太史之后再对比中国，更容易理解电影的主旨。在同样的历史时期里，中华民族也面临着西方列强的殖民和抗日战争时期亡国亡种的威胁。所不同的是，中华民族是有“邦”的，而且这个“邦”历史悠久、政权强大、经济稳定、文化认同度高，所以很容易举起民族主义的大旗，组织有效的军事力量进行反抗。在《屋顶上的小提琴手》中，送奶工人特伊Tevye及其生活的乌克兰犹太人居住区Anatevka，却没有这样的条件，在1905年沙皇对犹太人进行迫害和驱逐的时候，他们无法与强大的国家机器抗衡，只能“用脚投票”，流落他乡。在晚清、民国和抗战时期，同样有大量华人通过偷渡、人口贩子或者流亡，移民到香港、东南亚和欧美（张爱玲《倾城之恋》、杜拉斯《情人》），他们的遭遇与《屋顶上的小提琴手》或许更为相似。
　　
　　 正因为如此，在没有国家机器撑腰的情况下，犹太人通过什么方法才能生存下去呢？《屋顶上的小提琴手》在开篇提出的方案是“传统”（Tradition），但无论是严格在种族内通过父母之命媒妁之言的婚姻结合，还是安息日和婚礼上繁琐的礼拜和生活仪式，无论特伊一家多么的安分守己并以其幽默和善良赢得了治安官的友谊，这些传统都不足以防止犹太人的流离失所。难道面对暴政，唯一的方法就是以暴易暴吗？且慢，故事通过三个女儿的出嫁这样的生活细节，抽丝剥茧，渐渐给出了更加令人信服的答案：
　　
　　（1）经济——大女儿特拉Tzeitel与穷裁缝卡姆佐Motel Kamzoil
　　
　　 特伊的老婆格特Golde通过媒人介绍，一心想把大女儿特拉嫁给有钱人屠夫拉查·沃夫Lazar Wolf，但特拉却与青梅竹马的穷裁缝卡姆佐私定终身。特伊经过思想斗争，用一个噩梦骗过了老婆，成全了女儿的愿望。原因在于，卡姆佐虽然穷，但是为人正直勤奋，特伊相信他通过努力终有一天能让特拉过上幸福的生活。
　　
　　（2）政治——二女儿霍德Hodel与基辅革命学生帕契克Perchik
　　
　　 特伊和Anatevka的所有犹太人一样，不关心也不愿意参与政治，但是从基辅大学来的青年学生帕契克，却是一个激进的革命者，他不仅在特伊的女儿和犹太人中间宣传革新思想，鼓励男女平等的新风尚，而且还在基辅的示威中被捕而流放西伯利亚，二女儿霍德要随他而去，特伊经过思想斗争，同意并送走了女儿。原因在于，帕契克所倡导的自由、平等观念，让特伊反思自己多年的传统婚姻是否有爱，并在大女儿婚礼上打破习俗主动与自己的妻子跳舞。
　　
　　（3）信仰——三女儿夏娃Chava与非犹太文学青年菲得卡Fyedka
　　
　　 三女儿夏娃通过书友关系结识并爱上了非犹太人菲得卡，特伊在经济和政治上不断妥协，但在同族同教内部通婚的信仰上，触及到了容忍的底线，拒绝了夏娃。然而，正在这时，依据沙皇的命令开始驱逐Anatevka的犹太人。自己遭受的宗教和民族的迫害，使得特伊认识到宗教与民族歧视的恶劣，在举家搬迁的时刻，以同一个上帝之名，祝福了自己的三女儿。
　　
　　 我们每个人都生活在自己既有的社会环境中，有自己的根脉和传统，有自己的社会关系和生活习惯，这无可厚非。特定的经济条件、政治地位和宗教信仰，会在我们的内心形成某种定式，在遇到异己的人和社会环境时，就会出现不和谐甚至是冲突，由于经济条件的如马家爵，由于政治地位的如杨佳，由于宗教问题的如zd和jd势力（无奈二词被盾）。如何化解这些不和谐与冲突使其成为和谐与和睦？《屋顶上的小提琴手》无疑给了我们一个经典而鲜活的例子。就像特伊一样，与自己的思维定势作斗争，无疑是艰难与痛苦的，需要自醒，需要宽容，需要灵性，需要智慧。也许在今天的青年看来，自由恋爱是何其稀松平常的事情，然而就如同当年他们被父母和族人视为异端一样，今天的我们仍然充满了各种偏见与歧视，仍然缺乏宽容与自省。在网络力量日益强大的时候，对少数人和弱者的攻势也日益凶猛，各种极端言论肆无忌惮的对异己言行口诛笔伐，对私人隐私和权利的尊重、对受害者的宽容和关爱、对自我责任的承担被偷窥、揭丑和泄愤的声浪淹没，这与当年的沙皇又有何异？
　　
　　 影片的最后，犹太人还是离开了乌克兰的Anatevka，若干年后，甚至还遭到了德国的大屠杀。但是，他们没有亡种，他们在逆境中学会了坚强的生存之道，用自己的聪明才智和吃苦耐劳，在世界各地走上了精英的舞台。犹太人为中华民族从屈辱的历史中崛起树立了榜样，那就是严以对己，宽以待人，靠自己的努力而不是诋毁别人而获得成功。美国的确给很多犹太人的发达提供了自由平等博爱的宽容社会环境，但是最终，还是需要犹太人自己战胜自己，忘记仇恨，相信屋檐下就有爱，相信屋顶上就是灿烂的星空。






喜欢音乐剧，虽然从来没看过地道的现场。唯一的途径是音乐剧改编的电影——间接形式已然具有如此巨大的感染力，理所当然的让亲临百老汇成为我的一个美好梦想，也让塞在抽屉里的两张《猫》票成为触手可及的热切期望。
　　
　　 晚上在盒子的角落里坐了两个多小时，看完了这部《屋顶上的小提琴手》，不由自主的为它的歌舞场面心潮澎湃，在黑暗里肆无忌惮的会心微笑。
　　
　　 为什么音乐剧会让我觉得这么好看？
　　
　　 音乐剧归根结底应属戏剧分支，拥有强烈矛盾冲突的故事情节是它的元素之一。好的故事引发我的关注和兴趣，这绝不是无法解释的现象。成功的作品中，故事不但有起伏，而且结构简单，易于理解和接受，不像迷团重重的心理悬疑，也不像晦涩难解的意识流动。换句话说，这样的故事，好看不累。
　　
　　 但是，由于大量歌舞元素的揉入，使得它不能够把重心放在台词和细节上。在一些喜歌剧和发展初期的音乐剧中，的确有很多作品的故事情节是非常单薄的。而非音乐剧形式的电影，往往责无旁贷的倾向于花费心思，在故事情节的设计上极尽所能。所以显然，故事好看也不是音乐剧的专属优势，甚至相比之下根本无法以此取胜。
　　
　　 而歌舞的命运绝非止步于无形之中的桎梏。其实音乐剧作为音乐剧而好看，当然恰恰在于这些用来包装故事的歌舞形式。世界上的电影总数每一天都在增加，煞费苦心讲个故事，也总难免让我们感到似曾相识。要用同样的方法讲一个全新的故事越来越难，但用不一样的手法来包装一个老故事则打通了更多通往成功的小径，歌舞就是其中之一。音乐和舞蹈，台词和表演，前者强于感情抒发和气氛渲染，后者强于故事讲述和情节发展。如果能将二者恰到好处的结合起来，想要强强联合相得益彰，应该是不会错的。
　　
　　 所以，看上去是很简单的事情——无非是音乐+剧=音乐剧，但想要使这样的结合确实产生一种剑走偏锋的正面效果，就像大厨煲汤，一方面料要好：“音乐”和“剧”都要高质量；另一方面要掌握比例和火候，这才是精髓所在。
　　
　　 煲汤显然不是泡面那么容易的一件事。以《屋顶上的小提琴手》和《High School Musical》来对比，前者的音乐和舞蹈不管单论哪一段都可称感情丰富的优秀作品，加上民族风格的渲染，与剧情无懈可击的流畅结合，可以说是把音乐剧的优势发挥到了极致的水平；而后者的音乐过于流行化，从头至尾基本无法留下深刻的印象，用来给观众以震撼效果似乎有点隔靴搔痒。
　　
　　 实际上，High School Musical更多的仅仅是依赖了一个戏中戏的框架，以至于很多的演唱可有可无，看上去总觉得多少有点假情假意的。不过话说回来，拿一部Disney的作品和获过托尼奖的经典之作来做对比也并不公平，那只不过是人演的动画片罢了……但它们两个的差别还是能够说明一个道理，就是“做就要做到底”。音乐剧本来就已经是一个“中间形式”，如果连这个中位都再打折扣，不够纯粹，那它就真的变成两面不讨好的蝙蝠了。
　　
　　 所以总结一下，《屋顶上的小提琴手》作为一部音乐剧的出色代表，故事方面有犹太流亡的大背景，有父亲这一具体形象和小提琴手这一抽象形象来穿针引线，有传统与改变、民族与宗教的多重冲突，再加上幽默的点缀和演员的出色表现，足以做到持续两个半小时不觉冗长；音乐方面风格统一，其中蕴含和表达的感情又很好的配合了情节的发展，不但不觉矫情，而且更显推波助澜；两者的结合也几乎无懈可击，试想宗教节日、婚礼狂欢、背井离乡，哪一个场景不是适于结合歌舞的绝好典范？看到后来几乎可以让我觉得，随时随地从他们口中冒出的下一句话，都可以在歌声和对白中转换自如。




什么是“屋顶上的小提琴手”？
　　
　　如同卖牛奶的穷人泰维总是与上帝对话，屋顶上的小提琴手也是他的幻觉。一开始就讲了：
　　屋顶上拉小提琴要努力掌握平衡，而传统才令人脚下有根。
　　这话说的多好！
　　
　　主演是以色列人，他的魅力让这部片子生辉，幽默、狡黠、幻想、最重要的是爱，他爱上帝，妻子和儿女。如果不是他，看不完这么长的片子。还有音乐和舞蹈的活力，长而不显得冗长，堪称经典。
　　
　　故事发生在乌克兰，沙皇驱逐一个区几个村子的犹太人，他们被迫卖掉房子和牲畜，远走他乡。从前看来是与俄罗斯族杂居的，当兵的还有哥萨克人。往后去美国的，也有去耶路撒冷的，有去别村的，非常悲惨的故事，却把犹太人的“平衡感”抒发的淋漓尽致。
　　
　　住了起码半个世纪以上的他们，无奈遭逐，却自我安慰：我们的祖先比我们遭遇到这种情况更多。泰维说：怪不得我们整天戴着帽子！（一说总戴着帽子的人没有安全感；又可引申为帽子就是房檐，拍拍屁股就出发；再有可能是秃顶啦。）
　　
　　这种平衡感跟中国人挺像的，不过有宗教的仪式和核心支撑，更家固执，因为他们是上帝的选民。所以，泰维开上帝玩笑说：您是不是偶尔也选选别人？
　　
　　正是这种平衡感让泰维不得不“与时俱进”in the other hand，让大女儿嫁给青梅竹马的穷裁缝而不是富裕的老屠户，让二女儿追寻革命者远走西伯利亚，但到了三女儿，他到了极限。犹太人不能跟俄罗斯族通婚。他最后还是妥协了，上帝与你同在，一个父亲的祝福意味很多。
　　
　　这种随时调整平衡感的支撑点：传统，正在瓦解。小提琴手的状态是个视觉化的象征。这种平衡感在泰维身上淋漓尽致。
　　但还有一个声音，更为强大：时代在变化。穷人也有追求幸福的权力。一个汹涌澎湃的时代变化即将到来。泰维的传统还能继续嘛？传统在瓦解，小提琴手的脚下无根，无非是他心境。
　　
　　五@四由文化运动转变为政治运动，历史本不可虚拟，但是否也可以说为昌的某势力篡夺了这种文化成果呢？
　　自此，周围多是这种丧失了平衡感的人——时至今日。无法安宁的人的内心也是因为没有支撑点，没有平衡，因为没有“传统”，没有土地，也没有支撑——大多数人还不如流离失所的犹太人，只是有口饭吃罢了。这口饭和头上的片瓦不是神赐予的，是大地上的更迭的英雄——大家还在歌颂着这神主。哈哈。去日本、去美国、去欧洲，那些去重新选择支撑点，以获得平衡的新人、老人。他们找到自己的支撑点了嘛？

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这是部很消极的电影，意思不大。[s:20] [s:20]




蕾娜选择和丈夫尼杰尔离婚，独自带着二个孩子生活。在前往布列塔尼度假的一路上，蕾娜感觉很不顺利，更让她恼火的是，好不容易到了布列塔尼她父母的乡村别墅，却发现父母和姐姐自作主张将前夫尼杰尔也召来了。蕾娜感到受到了欺骗和侮辱，具有强烈反叛性格的蕾娜在离开孩子还是留在别墅的想法间徘徊，面对母亲的责任，面对社会和家庭那些残酷的现实，蕾娜将如何走出迷惑，如何脱离忧虑，如何重新找到快乐幸福……
　　从蒙帕纳斯火车站开始，一切都变糟糕了。蕾娜跟儿子安东走丢了，差点误了火车。小喜鹊一样的女儿奥古斯汀吵个不停。到了布列塔尼，她发现父母和姐姐正在为她的幸福做谋划，还召来了她的前夫尼格尔。被背叛感、羞辱感和厌恶一时间涌上心头，她该走还是留？
　　她如此脆弱的自信心还是蒸发。关于希望、关于社会正义、关于家庭秩序的幽灵在脑海中盘旋不去，让她难以继续去生活、去爱、去思考、去成为她自己。
        一句话评论
        克里斯托弗·奥诺雷，《巴黎情事》的导演，带着新作重返他的故乡布列塔尼。在他的所有影片中，这一部是最反叛、最女权主义、也最让人心碎的。——《新观察家》
        在这部令人心痛的当今女性肖像画中也许潜藏着好几部电影。影片的女主角非基娅拉·马斯特罗亚尼莫属。电影拍得非常细腻、聪明，同时震动人心。——《LES INROCKUPTIBLES》
        如果说导演的某些选择仍然让我们迷惑，那么整体而言，作品卓越不凡，一群演员将其最出色的天才奉献给了这部影片，其中以基娅拉·马斯特罗亚尼为首。——Dvdrama网站
        导演奥诺雷终于给了基娅拉·马斯特罗亚尼一个漂亮的角色，影片中她传达出一种独特、甚至令人不安的人格……这部复杂而有灵性的电影冒着被斥为愚蠢的风险，最终优雅地面世。——《ELLE》
        堆积的情感和情绪，在一群表达精准而风味独特的演员的演绎下，变得异常活跃。这部电影以精湛的技巧、热情和暴力调配着人性的色彩，在一种美丽的狂怒之下。——《费加罗视点》
        幕后制作
　　      法国新锐导演克里斯托弗·奥诺雷的第七部剧情长片，此前作品有：《情撼17章》、《巴黎内部》、《巴黎小情歌》等，意大利著名演员马赛罗·马斯切阿尼和法国影后凯瑟琳·德纳芙之女奇娅拉·马斯特罗娅尼主演。
        【亲爱的基娅拉】
　　影片的最大亮点无疑是女主角的人选——法国影后凯瑟琳·德纳芙之女基娅拉·马斯特罗娅尼。电影创作之初，导演克里斯托弗·奥诺雷便期待同基娅拉再度合作，此前，基娅拉曾受邀在他的《情歌》中出演过配角。克里斯托弗回忆说：“从那时起我便看出我们俩在表演上表现出来的默契。《情歌》刚刚杀青，我就对基娅拉说：我们还要一起拍另一部片子。我不知道那会是什么，不知道何时开拍，因为我要先把《美丽的人》拍完。”他补充说，“她作为一位女演员的责任担当是如此强烈，以至于一度她甚至让我惶恐不安。对于我来说，基娅拉·马斯特罗亚尼不仅是一位不可或缺的演员，还是一位理想的搭档。我希望电影所带给她的能够不枉她的付出。”
　　基娅拉·马斯特罗亚尼对自己所扮演的角色有着发自内心的同情：我非常喜欢蕾娜，她是暴力行为的受害者，这种暴力直到今天还在加害于女性。然而暴力的受害者同时给自己判监，在如何扮演母亲兼女性的角色面前不知如何是好。蕾娜抗拒回归大家庭、重新成为小女儿的诱惑。影片是对蕾娜的辩护，尽管有时她神经质、一事无成。所有人都说是为了她好，但我们是否知道什么才是对于其本人真正的好？影片的开头，蕾娜疲倦、焦虑，失去了丈夫和工作，但她仍是开心的。她与她的孩子们感情非常深，然而，“为了她的好”，人们已经在指责她同孩子的这种关系太过亲密无间了。
        【动荡中的剧本创作】
　　通常，克里斯托弗·奥诺雷会独立撰写剧本。继《美人》之后，不，我的女儿，你不能去跳舞！是第二个例外。克里斯托弗·奥诺雷选择与日内维耶夫·布里扎克共同创作剧本。
　　在筹划剧本的过程中，克里斯托弗和日内维耶夫各自经历了一场家庭变化。日内维耶夫的父母遭遇了一场很严重的车祸，母亲在车祸中身亡。日内维耶夫回忆说，当时的自己几乎放任自流，什么也不做，这时克里斯托弗向我伸出了援手。于是，日内维耶夫开始为了克里斯托夫而写作，为了这部电影，将失去亲人的苦痛传达、改变、转化为能量。”
　　相反，对于克里斯托弗，改变则是可喜的——他当上了父亲：“我发现自己头一次以孩子之外的身份面对一位母亲，于是我经常观察我女儿的母亲，我觉察到自己居然经常会说出一段非常大男子主义的话，很轻易地指责她不是一个好母亲，将女性轻易置于这种暴力伤害之中，这大大出乎我的意料。对我来说，这才是影片的真正主旨，现代电影的主旨。”
        【布列塔尼风情】
　　影片的诞生也是出于导演想在他的家乡布列塔尼拍片的愿望。“……这很快就唤起我拍一部家庭影片的想法。我是布列塔尼人，在布列塔尼长到25岁才来到巴黎。直到现在我主要在拍巴黎，巴黎是我的三部曲（《巴黎情事》、《情歌》和《美人》）的背景。不过，其实我把首都也当成外省俩拍摄，我看她的眼光并非亲密无间的，而是发现的眼光。实际上，在我的巴黎三部曲中你也能看到很多的布列塔尼，我时常问自己，为何关于这片土地的无端想象会如此流传甚广。
　　电影中有很长一组镜头致力于刻画一场惊人的绝交：克里斯托弗·奥诺雷实际上利用了在布列塔尼流传已久的一个故事的影像：卡黛儿·高雷特的故事。这个故事最开始就在影片中出现过，蕾娜的儿子安东曾读到这个传说。传说讲述的是卡黛儿坠入了地狱，因为她拒绝成为一名母亲，为了对抗父亲，她甚至嫁给一名撒旦化身的男人。导演解释说，“每次回到布列塔尼，我都会听到这个传说，还是孩子时我经常被吓得惊恐不已。不过在我看来它似乎正点明了影片的主题。”
        【演员团队】
　　除了女主角的扮演者基娅拉·马斯特罗亚尼，本片次要角色的扮演者同样大牌云集，克里斯托弗·奥诺雷成功地邀请到他的喜剧偶像：意大利著名喜剧演员路易斯·加瑞尔和爱丽丝·毕铎。至于蕾娜的兄弟，则由导演的亲生兄弟朱莉安·奥诺雷扮演。
　　另外，克里斯托弗·奥诺雷喜欢召集今年来不大为法国喜剧所重用的演员。这一次，他选择了玛丽-克里斯汀·巴洛特来扮演蕾娜的母亲。“我对她有印象，这印象有些遥远却强烈。当我见到玛丽-克里斯汀时，我看到了一张保养得很好的天使面容，但就像在侯麦的电影中一样，这张面孔带着一种真正的残酷和贪婪。影片的角色要求她仍旧性感，艺术生命还未干涸。生活中，有一次我和基娅拉一块邂逅了玛丽-克里斯汀·巴洛特，她们曾相遇过却互不相识。我们一块对了对台词，我立即发现共同合作的热情已经被点燃了。

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刺身，咖喱、炸鸡块，火烧肉，miso汤泡饭，鲑鱼咸饭团，叉烧拉面。
男人嫌家里唠叨，被迫无奈的吃着家里难吃的食物。很真实而温情的制作。但一点都不滥情。
又一部很值得一看的日本片。[s:20] [s:20] [s:20] [s:20]





对于准备观看此片的观众，我只有一个建议：空腹，饥饿（尤其是晚上竟然没有夜宵的时候）时不要看这部电影，没有食欲，没有胃口，建议你看这部电影，保证你吃得香，睡的香，你要想象一下，在冰冷的南极，食材匮乏，没有异性做伴，那种男人对美食充满的无限欲望，美食在南极所散发出的无穷魅力是势不可挡的，举个例子来说，你饿了很久，突然眼前摆放的就是你做梦都想吃的美味佳肴，那种渴望的感觉你应该能体会到吧。

电影中的背景场所是日本1995年设立在南极Dome Fuji的富士圆顶基地，这里被称作世界上最冷的地方之一，就连人们想象中南极的可爱生物，企鹅都无法在这里生存，所以当八个男人挤在一起对着远程可视对话与日本的小朋友对话说，他们只好哭笑不得的说，这里什么都没有（细菌都没有），只有他们，这八个男人坚守在这个不毛之地，每天做着研究与在南极的特殊生活，有乐有悲，最后都会变成难以磨灭的特殊记忆。下面铺垫结束，正式开题。

以西村为主人公的大叔们是全日本最倒霉的八个男人，他们被部队派遣带这里进行科学研究，远离亲人，甚至是家庭不和，崩离分散。八个男人都在忍受这着比寒冷还要煎熬的对家乡的思念之情，却又在这个 鸟不拉屎 的鬼地方开创了一种自得其乐的新生活，自娱自乐，最终顺利完成目标。这其中，自然要感谢我们的主人公西村，因为他在南极基地的任务就是烹饪，在这寒冷的地方能做出与家乡一样的菜肴，通过西村这位 南极料理人 为我们揭开了南极生活的神秘面纱。这也是电影的讨教之处，喜剧+南极的新鲜话题+料理美食，这种组合绝对吸引眼球。

另一个我在想的问题是电影不会真的跑到南极（或者是近一点的北极）去拍了吧，我的想法 很傻很天真 。这部电影是在去年（2009年）在日本北海道拍摄的，而电影的原型，则是确有其人，真人西村淳在南极生活时，写下了大量的散文杂记，后出版了《乐趣的南极料理人》以及《乐趣的南极料理人：欢笑餐桌》，电影就是根据这两部散文集改编的。

在艰苦的奋斗下，眼前茫茫一片，还有极昼与极夜想象的南极，这八个男人组成了一个大家庭，他们都想早点回家，但是日子还很长，总要想写事情来打发时间，下象棋，打乒乓球，喝啤酒，弹吉他，唱歌，在雪地上打棒球，偶尔打个长途电话，在厨房里偷吃，每天最开心的事情就是一日的三餐了，早餐吃了就在想午餐吃什么，午餐吃过了又想晚饭吃什么，期待与等候，生活也有了目标与乐趣，但是时间长了，谁也受不了。在这冰天雪地的极地，与外界几乎就没有联系，心中的彷徨与被世界抛弃的感觉越来越强烈，基地就像是一座精神病院医院， 病人们 被困在里面，为了自己的生存以及能够 早日出狱 做着准备，做着工作来打发时间，与外界的联系被掐断，是他们肉体上无法与这个世界再形成i联系，最后也会灵魂，精神开始自我封闭，时间长了，谁都耐不住这寂寞，自然会做出一些出格的事情，所以八个男人就要互相帮助，给予对方最好的安慰。

轻喜剧的路线，让人很有好感，本片是导演冲田修一直到的第一部电影，用直述的手法也省去了很多繁琐的过渡描写.



冰天雪地裏，八個大叔大哥平淡的生活，
　　全因爲這個廚子西村而熱鬧滾滾。
　　西村是全能型選手，
　　和食、中餐、西餐、甜點、炸物、燒烤……etc.
　　誰家的老公能這麽能幹肯定做夢都要笑死。
　　可西村家的奧さん和女兒聽到自家老公/爸爸要去南極，
　　居然哈哈大笑，還讓他帶企鵝回來當禮物==[我也想要……
　　想起以去南極為人生終極目標的鈴木先生，
　　和西村在被艦長告知鈴木遭遇車禍，自己代爲前往的時候，
　　一個勁地往後縮，還拒絕和艦長握手，只是很堅決地重復著，
　　我要和家人商量，我要和家人商量，我要和家人商量……
　　叔，你家的“家族”太不給你面子了囧
　　
　　
　　
　　電影裏好笑的橋段太多，難怪作者也就是廚子西村要把書名取做「面白南極料理人」
　　比如逮到巨大的伊勢龍蝦的好消息在正在進行冰上作業的叔叔們中間傳開，
　　西村很當然地說龍蝦自然是刺身的幹活，
　　可叔叔們不，一個說了我想吃炸蝦之後，炸蝦病毒傳染到所有人身上，
　　結果變成西村手足無措的站在叔叔們中間，無可奈何地聼著他們發出炸蝦大合唱……
　　最早的勞動號子難道也是這樣產生的麽- -|||||||
　　然後雖然不知道廚子是怎麽做的，但最後還是把巨大的炸蝦擺上了桌。
　　這群難搞的叔叔們一個個的嘀咕著，果然還是刺身好，一邊默默地啃起來……
　　還有天天堅持不懈半夜起來偷吃拉麵的隊長，
　　吃到八月終于把一年份的存量都吃光了。
　　聽到噩耗的隊長頓時連帝王蟹也食不下咽了。
　　半夜啜泣不已的隊長把西村戳醒，
　　傷心不已的說，我這個人呐，是拉麵做的，沒有拉麵，我的人生就沒有樂趣了哇……
　　儼然毒癮發作般低喃著，我只要面就好，不是拉麵，沒得叉燒也沒關係……TAT
　　打個棒球，絕對是最拉轟最創意的，用果汁來澆場地劃綫＝＝
　　扯淡的是，還真有人拿出勺子來挖，你們當真以爲是果汁刨冰麽……
　　
　　也有讓人禁不住淚流滿面地時刻，
　　珍藏在胸口那顆友花的乳牙，
　　沒捨得扔上房樑，卻在勸架的時候掉進了南極冰下兩千五百米深的地洞裏，
　　西村爸爸趴在小小的洞口，
　　一遍遍朝著地心呼喊女兒的名字，
　　友花！友花！友花……
　　黑洞的那一段依稀仿佛能聽到女兒輕輕的呢喃，
　　爸爸……
　　西村禁不住終于想家了，哭得鼻涕眼淚橫飛地想那個有點任性有點調皮但卻怎麽都可愛的女兒……
　　(我說，這位先生，你老婆呢……)
　　
　　家族這個字眼，一瞬間被無限放大成各種溫暖的字眼，
　　本さん的生日電話裏，有女兒甜甜的生日歌，妻子卻固執地不肯接電話，説是沒啥可說的。
　　直到機場，本さん的夫人埋在他胸口，又哭又笑。
　　還有小哥的電話情緣，那個聲音很好聽的清水小姐。電話裏小哥衝動的說求你和我結婚，對方啪的挂了綫……
　　其實清水小姐還是來了機場，有點緊張有點羞澀又有點什麽的等待著小哥，
　　她說，我是KDDI的接綫生清水，小哥看著她，恍然大悟般的笑了。
　　
　　
　　
　　看完的時候，不禁對自己感嘆了一句，
　　霓虹國的電影真是需要耐心啊……
　　可即便如此，這真是部好片子。
　　別以爲冰天雪地裏的冷笑話不好笑。
　　幸福，就是當你獨自一人時的記憶幻燈片，
　　一遍遍的重復回放，才能支撐著活下去。





与日本的小朋友视频聊天。
　　 小朋友：你们那里有企鹅吗？
　　 队员：没有。
　　 小朋友：有北极熊吗？
　　 队员：没有。。。
　　 小朋友：那有什么？
　　 队员：。。。
　　 队员：有我们呀！
　　 小朋友：有什么可爱的动物吗？
　　 队员：。。。
　　 小朋友：真无聊。
　　 队员：。。。
　　
　　 如某日要的晚餐：
　　 厨师：今天有很多大龙虾，我们做龙虾刺身吧！
　　 队员：我要天妇罗。
　　 厨师：这个虾太大了，而且，我们可以做其他很多料理啊。
　　 队员：我要天妇罗。
　　 众队员：（开始反复念经般）天妇罗，天妇罗，天妇罗……
　　 晚餐桌上，每一个盘子里，一个巨大的龙虾头，以及，一个巨大的还带着尾巴的龙虾天妇罗。。。镜头一一扫过每一只巨大的天妇罗炸虾，以及大家无语的表情。
　　 我开始捂着脸闷笑起来。
　　
　　 如某日的午餐，厨师坐在一队员的自行车后座上，手拿喇叭，在雪地上绕圈喊：饭团，饭团，热腾腾的饭团和酱汤！饭团，饭团，热腾腾的饭团和酱汤！……
　　 一分钟之后，只见远方歪歪扭扭跑来一支队伍，大家在笨重的防寒服阻碍下，奋力跑向餐厅，突然摔倒，爬起来继续跑……
　　
　　 作为动物的我们，食物具有着联结精神力的作用，它饱腹，它温暖，它让人忘却疲劳，身心充满最原始的喜悦和满足，它让人想起久未谋面的故乡和家人。






艰难的环境，大家好在有这位好厨男。没了他，大概勘察站点会混乱不堪。都说食色性也，我看是真的。人累了，有好吃的饭吃了，才能不胡思乱想。
　　
　　南极的生活很枯燥，半年有阳光半年是永夜。人们在勘察站自己想游戏自己娱乐，过的还不错。我以为只有男人的屋檐下会爆发不可挽回的战争，没想到大家居然很平静的每天每日的干活，做广播操，并且对广播体操录像带中的女演员评头论足。没事的时候大家你追我赶，你骂骂我，我打打你。痛哭流涕对厨男说着：“我要吃拉面，我是拉面做成的。”厨男皱眉头：“要怪就怪那些自己半夜偷吃拉面的人，现在拉面已经没有了。”但是呢不要紧，驻站医生用化学公式解释出来碱水的做法，于是厨男兴奋的半夜和面切面煮面，终于在清晨把拉面做了出来。大家呼哧呼哧的吃，忽然让人觉得，最基本的最平凡东西，往往就是让人最有归属感的东西。
　　
　　他们想吃炸龙虾那段大概是最爆笑的了。厨男说，切成块或者磨成泥不好么。他们说不要，我们就要吃炸的龙虾。一边说还一边干脆把炸龙虾变成干活的号子，喊的好不热乎。厨男骑虎难下了，于是居然真的搞了出来。shock！他的厨艺啊，真想说太神奇是用什么炊具把那么大的龙虾给搞熟的。后来大家对着大龙虾入座，每一个人头分别对着一个龙虾头。其中一个人说，怎么感觉乱糟糟的。哈哈，可不嘛，无数的龙虾须朝各个方向立着，都快要把人的脸给挡住了。谁叫你们自己要吃炸龙虾的，噗嗤。
　　
　　这样的影片总让人看完过后想起里面的一个个片段呢。食物和生活，这样的题材百看不厌。

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精彩的韩国电影，金惠子的演技实在精彩到极
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《母亲》讲述一个凄美的母爱故事，为了救回被诬陷为杀人犯的儿子，母亲做出了超出旁人接受范围的举动，世界上最普通的母子关系在影片中以一种扭曲而复杂的方式呈现。

守寡多年的母亲(金惠子饰)与唯一的儿子泰宇(元彬饰)相依为命，后者尽管已经28岁，由于天生的智力缺陷性格如同小孩子般单纯。某天，发生了一起轰动的谋杀案，可怜的儿子不知何故成为头号嫌疑犯，什么也不知道的泰宇被警察抓走了，并无知的承认了罪行!母亲不惜一切希望找出真凶救回儿子，她从乡村来到城市，一个又一个阴郁的秘密被揭开……

在影片的预告片中导演着意刻画了这对母子间紧密关系，平凡动人。而元彬直视镜头的大量特写更将一个智障青年的纯真与无知刻画殆尽。可惜之后罪案发生，元彬承认了自己从没有犯下的罪行，最终只留母亲在外为讨回公道呐喊。这不禁让人想起《杀人回忆》中奉俊昊对于法律与真相的质疑以及弥漫其中的伤痛与绝望之情。奉俊浩表示希望展现的是这种情况之下一位母亲最极致的悲伤，而金惠子极具感染力的表演向我们传达出了这种感觉。



奉俊昊导演曾说过，“想拍一部世界上最凄美的犯罪片”。当汇聚在釜山电影节的韩国电影人和西方影评人都向我推荐《母亲》时，我想他的愿望实现了。

《母亲》讲述守寡多年的母亲和弱智的儿子泰宇相依为命，某天小镇上发生了一起谋杀案，当晚恰巧路过现场的泰宇被指认为杀人凶手……第一次听到《母亲》这个片名时，许多人以为这是部传统的韩式苦情片，其实不然，这是部带有悬疑情节的剧情片。聪明的导演赋予了片名双重含义：“mother(母亲)”抑或是“murder(凶手)”。

《母亲》的叙事一如导演的前作《杀人的回忆》、《怪物》等，极具好莱坞式风格，布局巧妙、悬念迭出，层层推进、引人入胜，再次显示了奉俊昊的编剧功底。而在影像方面，导演第一次采用2.35：1的宽银幕画面(之前作品画面比例都是1.85：1)，更为宽阔的画面在营造紧张不安氛围的同时，也凸显了孤军奋战的母亲形象。

诚如导演所言，“整部作品把焦点放在母亲与儿子的关系上”。片中，痛苦的母亲爱子心切，为救儿子不惜牺牲自我，四处奔走，几近发疯。结尾部分，血浓于水的母子关系再次达成某种默契，儿子把遗失的针灸盒还给母亲，绝对颠覆观众的想象，堪称神来之笔。金惠子通过她歇斯底里的表演，尤其是片头片尾的两段独舞场面，证明她是独一无二的主角。

很多人会对奉俊昊以往的作品做一些政治读解，比如《杀人的回忆》中有对于韩国军事独裁统治的记忆，《汉江怪物》片头中出现了驻韩美军的丑恶形象等。有趣的是，在《母亲》中没有露骨的政治叙事，但导演通过被害的援交少女、打高尔夫的中产阶级、贪婪的律师等一个个鲜活的形象，再现了金钱/阶级社会的现实苦痛。从这个意义上来说，《母亲》反而更接近于一部政治电影。








欣赏《母亲》，全无平常罪犯片的观感。电影的一个魅力是把犯罪事实一层一层剥开，观众以为接近了答案，谁知剧情一转，又起波折。电影的另个魅力是刻画出母亲的复杂心理和丰富情感，一切让人深切同情。

平常的罪犯片，一般上善恶比较分明，有着明显的道德批判，但是《母亲》无意批判什么，它主要想说一个精彩又凄美的故事。它是一部反类型化的电影。

影片唯一的思考恐怕就是——母爱到底是种怎么样的情感？母亲是否可以无底线地保护儿子？母亲为了保护儿子所做的罪恶是否可以被宽容？如果仅凭理性回答，回答显然是“不可以”。可是观看电影之后，又觉得母亲所犯的罪恶应该被宽容。

其实，母亲一直痛苦的无可倾诉，最后不得已用银针删去脑海里的痛苦记忆。影片开始和结局的舞蹈，实是母亲的心灵独舞，直面着惨淡的人生。

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可可（叶恭子Ky&ocirc;ko Kan&ocirc;饰）是位风姿绰约的富有的日本女孩，她旅行到一个意大利小镇，几乎吸引了所有小镇居民的眼球。当地女孩乔奇亚（Maria Cocchiarella Arismendi饰）在镇上靠卖玫瑰花为生，恶毒的奶奶逼她嫁给一位性格暴躁的卡车司机。就在乔奇亚伤心欲绝时，可可来到她身边，同性的禁忌并没有阻碍两个人的爱情，也因为认识了可可，善良的乔奇亚才真正明白什么是独立和自由……

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看之前我实在没想到这部2：50的片子竟然是4级mini剧。

我觉得比梅尔吉普森04年的电影更好看。

演员选的很好，比较全面的反映了那段历史。

耶稣的受难勿宁说是犹太人几千年受难的发端。


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故事从公元约33年的逾越节前夕，耶稣带领十二门徒及其他追随者进入圣城耶路撒冷开始讲起。当时的耶路撒冷在政治上仍被罗马人统治；而犹太人之中也存在各种教派，几者之间的矛盾，使整个城市一片混乱。
逾越节前一周，成千上万的朝圣者纷纷赶来，耶路撒冷变得更为混乱。这个时候耶稣的到来，以及他那与旧约预言毫无二致的进城方式，引起了人们的关注。有人说他是先知，有人说他是弥赛亚（救世主），有人说他是新的以色列国王。人们听到他所讲的关于天国，关于爱的信息，便开始追随他，这无疑更加绷紧了统治者们的神经。多方力量将矛头一致对准耶稣：祭司长长老等宗教领袖，看到耶稣宣称自己是神的儿子，唯恐自己的地位从此不保，又苦于无权判处死刑，便推给了罗马巡抚本丢·彼拉多；彼拉多虽认为耶稣无罪，也乐得顺应民意：因为犹太人愤怒他们等候了几百年的救世主，居然没有带他们反抗罗马光复以色列国的打算，便喊着要钉死他。于是耶稣就被这些他要来救赎的人们亲手钉上了十字架，并在第三日复活，使这一切都应验了旧约中众先知所讲的。而他的门徒，也直到他复活之后，才真正明白了救世主的真正含义。




该作将一个在西方几乎家喻户晓的故事以全新的角度加以展示，营造出无与伦比的戏剧冲突。眼下，欧美剧集流行的风格是多线索、多视角，《受难记》非常符合这一特点。在同一题材的众多改编影视作品中，导演几乎都是遵循原著的叙事角度，仅仅讲述主角一人的遭遇，而故事中其他的人物被压成了扁平的背景板。这部剧集不同：除了充分展示了主角的心路历程与艰难抉择之外，也以当时另外一些重要人物的视角来推进剧情，让观众全面看到“公元33年的耶路撒冷究竟发生了什么”：努力在罗马占领下保护同胞的犹太祭司、执法严明性情宽厚的罗马总督、充满矛盾与悔恨的叛徒犹大——抛开非黑即白的思维，原本被公认的“反派”形象变得更加丰满而可信。

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1939年，伦敦。这是Pettigrew（弗兰西斯·麦克多蒙德 Frances McDormand 饰）悲惨的一天，起码开始看起来是。身为牧师女儿的她，遵守着严厉和刻板的自我约束，同时也把这些约束和教诲放到她所带的小孩身上。没错，Pettigrew是伦敦的家庭教室，然而她的严厉管教让家长非常不满，一个月内她就被炒了三次。这次家教中心的Holt女士也将她扫地出门。一身灰色老土打扮穷困潦倒的她急中生智拿起了给Delysia Lafosse（艾米·亚当斯 Amy Adams 饰）小姐的职业推荐信，找上门去。
　　Delysia是一个等待大放异彩的歌影双栖明星，为了争取机会，她同时和三个男人周旋，而只有其中一个是她真心所爱。在接下来的24小时，Pettigrew将帮助Delysia度过种种惊险又富喜剧色彩的危机，并且认清楚真正的幸福是什么，而Pettigrew也收获了自己的爱情。





一提到英伦小品就满眼放光的偶，这次给大家推荐的是EMULE上最新的片 Miss Pettigrew Lives For A Day，一个二战前流落英国街头的失业中年女仆如何在一天之内拯救了一个女孩和自己的爱情和人生，当然故事讲述得简单，还要自己看片才有的体会。
　　电影遵守了戏剧十分扎实的三一率，故事展开在一天，地点就是LONDON。
　　Miss Pettigrew是一个满脸菜色瘦削不堪首如飞蓬衣着褴褛刚刚被试用了一周的家庭解雇的中年劳动妇女，茫然路途中和刚从监狱出来的钢琴家男主撞个满怀并且衣服箱大开内衣全数飞走，实在是命运艰难，Miss的TITLE说明P女士此时正是未婚，至于是从来没婚过还是什么原因此处就埋下了伏笔。话说P女士又一次回到了职业介绍所，被BS之后鼓起勇气顺走了桌上小明星D小姐的名片——因为一份工作在招手，今天也许可以不挨饿。
　　结果到了D小姐家立足未稳就需要帮着她周旋在3个男人中间，钢琴家男主A，19岁的剧场大鳄之子B和驻唱酒店老板C，出场顺序是B-C-A，这样文字述说不免无趣。但是EMMY ADAMS的丝绸睡裙+皮草大衣LOOK和娇憨神情配上我们P女士懵懂的随机应变，实在是有点那个年代的复古味道，喜剧里都透着步步计算的准确搞笑。尤其有意思的是当C发现了A留下的烟蒂准备质问的时候，P女士一把夺过又抽又骂人，D小姐则跌坐台阶作委屈状，2个女人真配合地天衣无缝，无怪乎D一下决定任命P为自己的社交秘书，即便都还不知道这个TITLE做什么，但别人有自己也应该有一个。P女士的一句名言：绝望给予人什么都敢做的力量——我之前从来没抽过烟骂过人。之后去了FASHION SHOW，见识了一把30年代末的复古内衣秀，D小姐送给P女士的THANK YOU GIFT是条淡雅的丝巾，P在不知情的情况下对丝巾设计者J先生说这是我戴过的最美丽的东西，J不禁动容，在这里又看出一段黄昏恋的注脚。
　　
　　故事的2条并行主线就是D小姐和P女士的爱情。对来大城市闯生活的年轻女孩，诱惑永远有，D小姐这样周旋在若干男人之间的女人估计早被冠以荡妇名称一棍子打死。EMMY ADAMS塑造的D却有梦露一样的天真性感，一方面幻想着利用自己的身段青春往上爬，另一方面却在真爱的面前也是一样犹豫。男主的表白已经在DOUBAN上被夸奖过了，但是偶还是要引用一下：I will play for you today，D，and the rest of your life if you marry me，never if you not。心路历程是一点点转变过来，从犹豫到就要分别的感伤到最后空袭时刻被P女士指点的顿悟。（男主故意安排她唱的IF I DON‘T CARE是首抒情曲恰到好处地点燃了即将熄灭的爱火）欢快地在男主和C对打的过程中还不忘确认自己的结婚OFFER是否有效，年轻真是喜乐。
　　
　　P女士的爱情则与她个人一样低调，虽然戏油子如我，早在她跟J的第一次对话的慌乱猜出个剧情，但是不敢确认。此后一天的数次见面每次P女士都有机会说出几句名言并且展示自己的正直端庄，立刻和一群追名逐利的狂蜂浪蝶区别开来。好玩的一个桥段是P女士其实一天都没有吃东西想尽办法接近食物却每每失败，在她终于说了数个慌把一段段虚假的感情粘合好，为他人做好嫁衣裳的时候，一时间却空虚地无法表达，WAITER端了一大盘东西到她面前的时候，只能说NOT NOW。内心的挣扎可见一斑。和J先生的情投意合也是在一段段不长的对话中逐渐展开，这里再写下去就要剧透了。反正是反映了有历练的人的爱情观，简单而执着。最后送别D和男主这对LOVE BIRD之后黯然回到车站旁，回到开始的起点，却发现已经有人在寻找自己，而且最好的是，还有一顿早餐的邀请，和今后所有的早餐。

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蕾雅与朱丽叶特是一对15年未见的姐妹。姐姐朱丽叶特年近中年，打扮邋遢，毫无生气，眼窝深陷而疲惫，总是心烦意乱地抽着烟。妹妹蕾雅是个富有爱心的小女人，她嫁给了字典编纂者吕克，收养了两个越南小女孩，细心照料生病的公公。


自从蕾雅把朱丽叶特从机场接回家中，她平静的生活就被打乱了。面对这个突然出现的姨妈，孩子们都很好奇，蕾雅解释说朱丽叶特在英国呆了很多年，一直没有回法国。朱丽叶特不时流露出的英国口音让这个解释似乎可信。但随后朱丽叶特曝露了自己的秘密：原来她因为谋杀了6岁的亲生儿子，锒铛入狱，一呆就是15年。


影片聚焦于姐妹关系的重建，虽然说这段创伤的过去和弑子罪行让两人都很难面对，蕾雅甚至因此而恐惧要自己的小孩，只能领养。但当朱丽叶特出狱时，她还是决定将姐姐接回家中，一起生活。



【关于影片】
这部低成本的影片在法国上映后，票房不俗，连续四周跻身票房前十位，影片以感人至深的姐妹情谊成为影院催泪弹，上映四周，累计观影人次已达73万。


作为一名作家，菲力浦·克洛岱尔一直擅长以平实的笔触来构造丰富的人物与生命的复杂情境，他的银幕处女作风格依旧。故事的核心是姐妹关系的重建，姐姐朱丽叶特因为曾经的罪行，15年的生活尽毁，而且在心理上也千疮百孔；妹妹蕾雅鼓起勇气向姐姐敞开大门，但要真正面对和接纳她还是无比艰难。


虽然朱丽叶特曾经杀死了自己6岁的亲生儿子，这罪行足够的骇人耸动，但影片没有任何情节剧的痕迹，只是始终把人物置于日常情境之中。朱丽叶特出狱后想要回归生活，可她面对的是妹夫的不信任和排斥，是雇主们的拒绝，蕾雅朋友的好奇、探究和揭秘。而这些又都牵扯出她的过去，所以影片在叙事结构上虽然简单清晰，但丰满的人物与深邃的心理洞察引人入胜。


影片在法国东部的洛林区南希小城取景拍摄，这里正是导演菲力普·克洛岱尔的家乡，此处风景与巴黎相似，但更为静谧清净，整个拍摄过程非常顺利，导演也极力营造一个家庭式的氛围让演员们能够更好地进入状态。


摄影师Jerome Alméras沉郁、幽暗的画面传递出一种压抑的感觉，正好契合了人物的情绪，他刻意降低画面的色彩饱和度，追求影像的质感，这种影像风格让人想到基耶洛夫斯基和达内兄弟的电影。而相比于冷峻的影像，Jean-Louis Aubert的吉他配乐显得过于柔和甜腻。



【关于导演】
导演菲力浦·克洛岱尔是法国当代的著名作家。他1962年生于法国阿尔萨斯-洛林区，曾任中学老师，也是出色的人类学研究者。自1999年起，他开始创作小说，身兼小说家和剧作家，为法国备受瞩目的中生代作家，擅长以平实但富诗意与韵律的文字描画生命复杂的情境。曾以《莫斯忘记了》获法兰西广播金奖、《千百悔恨中的一些》获马塞巴纽尔奖（Prix Marcel Pagnol）、《我放弃》获法兰西电视奖，他的短篇小说集《小机械》获2003年龚古尔短篇小说奖。作为一位屡获文学大奖的作家，42岁的克洛岱尔被法国文坛一向看好。其新作《灰色的灵魂》获得2003年龚古尔中篇小说奖、获勒诺多文学大奖并名列年度最佳图书，显示出文学批评界与一般读者对他不约而同的青睐。


菲力浦·克洛岱尔与电影颇有缘分，他曾在南希 (Nancy) 大学下的“欧洲电影视听学院”(Institut Européen du Cinéma et de l'Audiovisuel) 担任讲师。2002年，他为导演伊夫·昂杰诺(Yves Angelo)的影片《Sur le bout des doigts 》担任编剧，2005 年，他的小说《灰色的灵魂》被伊夫·昂杰诺改编拍成电影，口碑不错。《很久以前我就已经爱上你》是菲力浦·克洛岱尔作为电影导演的处女作，入选 2008 年柏林影展正式竞赛单元。


2008年，菲力浦·克洛岱尔的小说《林先生的小孙女》(La Petite Fille de Monsieur Linh)目前正由理查德·贝瑞 (Richard Berry) 执导，且法国国宝级演员杰拉尔·德帕迪约 (Gérard Depardieu) 担纲主演。



【关于演员】
英国演员克里斯汀·斯科特·托马斯的表演是全片的最大亮点所在，她精湛纯熟的演技得到了评论界的一致好评。《我会爱你很久》之于托马斯，正如欧容的《沙之下》之于夏洛特·兰普林；都是两位优秀的女演员年过不惑的转型之作。


虽然在这部影片中托马斯扮演的朱丽叶特依旧性格丰富而敏感，但却迥异于她过往的银幕形象，她最为人所熟知的是爱情史诗片《英国病人》中那个高贵迷人、机智有趣的凯瑟琳。在《苦月亮》、《四个婚礼和一个葬礼》、《马语者》中扮演的也都是上流社会的精致女性，充满智慧与魅力。而这次的朱丽叶特是一个爱沉默爱抽烟的邋遢女人，她落寞但神秘，能够吸引观众跟随她，走进她，探究她的秘密。托马斯的演绎细腻、自然而有冲击力，她表演中精到的分寸感和自省意识让朱丽叶特这个人物不会流于自伤自怜，也让影片的煽情显得恰到好处。


扮演妹妹蕾雅的法国演员艾尔萨·兹尔贝斯坦一直勇于尝试不同的角色，在这部影片中表现尚可。不过和托马斯的精彩演绎想比，还是稍显逊色。在表现蕾雅的情绪爆发时，艾尔萨·兹尔贝斯坦的表演有些张力不足，欠缺分量。

电影影评：


克里斯汀-斯科特-托马斯主演的电影，我看过的不多，印象中似乎只有《四个婚礼一个葬礼》和《英国病人》这两部，只这两部，我就深深的被她的演技折服。《四个婚礼一个葬礼》中那个高傲的有些孤僻的女人，虽非电影的主角，可每次一出场，却总是那么的吸引人，我总觉得她那冷漠的外表下，有着很多不为人知的故事，这个女人也成为电影里的神来之笔。《英国病人》更不用说了，奥斯卡九项大奖早已令它成为爱情史诗电影的经典，这其中克里斯汀的演绎功不可没。所以听说这部《我一直深爱着你》是她主演的，我就迫不及待的找了看了，果然很棒。

或许我对爱的定义太过狭窄，起初看到影片名字的时候，还以为这会是一部爱情电影，其实不然，它是一部讲述姐妹之情的亲情电影，当然亲情之余，电影里也不乏有爱情以及友情，“我一直深爱着你”，这里的“爱”，包括了太多的含义。

克里斯汀扮演的姐姐刚从监狱里出来，住在妹妹家里，这位背景特殊的不速之客的到来，打破了妹妹一家平静的生活，故事便从此开始。《我一直深爱着你》是一部典型的文艺片，虽然目前“文艺片”这一由影迷自行发明的电影类型，已经被很多好大喜功的电影导演践踏的面目全非，要么煽情到滥情，要么沉闷到催眠，那些猎奇的剧情，毫无道德底线的主题思想，无病呻吟的长镜头，故作深沉的对白，令很多影迷一听文艺片就犯怵，但是这部电影绝不是这样。

从某种意义上说，《我一直深爱着你》是文艺片的典范之作，主题绝不乖戾，剧情绝不沉闷，对白张弛有度，镜头感流畅。尤其在剧情的设置上，整部影片以“姐姐十五年前为何入狱”为主线来推进剧情，但是这条主线却一直被导演隐藏的很深，不去做刻意的强调，蜻蜓点水般的显现，让这一主线并没有成为希区柯克式悬疑的推进器，而只是作为平常人好奇心的驱动力，所以，才使得整部影片看起来很生活化，波澜不惊中有着法国电影一贯的特质。

其实，类似的主题和故事情节在很多电影里都表现过，《我一直深爱着你》之所以如此的令人印象深刻，主要在于它对人物心理的真实表现和剧中人物之间复杂关系的适当把握，整部影片能让人感到浓厚的人文气息，剧情的设计也紧紧围绕着人物的心理变化来发展，而不只是利用情节来取悦观众低层次的感官诉求。

电影中利用了很多生活的细节来体现人物的心理状态，加上克里斯汀精湛的演技，影片为我们真实的展现了一个刚从监狱出来的犯人的精神状态，这种状态不仅体现在表面上——憔悴的面容，木讷的表情，心事重重的神态，闪烁不定的眼神。更体现在她那敏感的心理上，影片序幕里的几个镜头，就把这种心理充分展现出来了。刚出狱的姐姐在机场咖啡馆里等妹妹，咖啡馆里的每一种声响，脚步声，桌椅声，行李箱拖动的声音，在她那敏感的心理下都被放大，令她惶恐不安。

《我一直深爱着你》最吸引人也是最精彩的的地方，是对于姐姐和周围人之间关系的描写，姐姐的到来，为妹妹的家庭和朋友都带来了不少的变化，这变化的程度对每个人也是不一样的：家里的小孩一直以为她在国外旅游，所以她的到来令她们有些兴奋，而妹夫则对这个监狱出来的姐姐一直心存芥蒂，妹妹的同事们更是对这个突然冒出来的姐姐好奇心十足。姐姐的出现起初是神秘的甚至有些冷漠，与周围的环境格格不入，但是随着其心理的变化，周围的人对她的态度也在不断的发生变化，妹夫由对她的反感到信任，孩子由对她的敬畏到喜欢，妹妹大学里的同事甚至有些喜欢上她了。如此多的人物关系，使得这部电影尽管故事平淡，却内容丰富，看起来饶有趣味。

当然，这所有人里，心理变化最复杂的还是要数姐妹两人，姐姐要适应监狱外的生活，要面对这些熟悉而又陌生的面孔，还要面对那些不知情的人的指责，更要对自己之前的犯下的“罪行”进行忏悔，最重要的，她的身体虽然从监狱出来了，但是她的心却深深的陷在往事的“牢狱”里，不能自拔。她要开始自己新的生活，要让在监狱里泯灭了十五年的爱之心重新复苏，尽管这一切，看起来并不会那么的简单。

妹妹的心中也并不平静，她似乎要带着一种赎罪的心理来照顾姐姐，因为在姐姐十五年的监狱生活中，她没有去看过她一次，这种赎罪的心理要小心翼翼的不让姐姐发现，却似一层窗户纸，一点即破。而最终一旦被点破，十五年前的往事便历历在目。姐姐为什么会进监狱？这个最大的悬念展现在妹妹和观众面前时。我们才发现，原来一切都是因为爱，一切都是因为“我一直深爱着你”。

关于爱，影片最可贵的地方在于，它不是在简单的宣扬爱，而是告诉了观众，爱的多面性，爱可以挽救一个人，也可以毁灭一个人，爱也是一把双刃剑。